Das Buch erschien 1995 und endet mit einem Countdown zum 3. April 2000, an dem weltweit gleichzeitig eine große Feier stattfinden soll. Nach Erscheinen des Buches verbreitete sich die Idee des Weltpartytags aber so schnell, dass die erste Feier bereits 1996 stattfand. Doch was braucht man eigentlich, um eine Party zu machen?

Ein paar Drinks? Gute Laune? Vielleicht ein bisschen Chaos? Oder reicht am Ende schon ein Song, der genau im richtigen Moment läuft? Wir wollten deshalb auch von Menschen auf der Straße wissen: Wie kommen Sie in Partystimmung? Straßenumfrage “Pass the food and turn up the music” ist ein gängiger Slogan am Weltpartytag, aber letztendlich ist es egal, wie man feiert oder ob allein oder in Gesellschaft. Die Grundidee ist, dass alle Menschen auf der Welt gemeinsam feiern. Man kann also im Grunde alles machen, worauf man Lust hat, solange es darum geht, die Freude am Leben zu feiern. Man könnte auch sagen: Eine Party zu Ehren der Party.

Das einzige Ziel: der Spaß! Und Weltfrieden - ganz nach dem Motto: „party is the opposite of war“.Denn egal ob Club, Küche oder Kopfhörer – in dem Moment, in dem Musik läuft, passiert etwas. Menschen bewegen sich gleich, fühlen sich gleich und für einen kurzen Augenblick werden alle Konflikte, Sorgen und Stress vergessen. Und genau da setzt Superfly an. Mit Musik, die nicht einfach nur läuft, sondern was auslöst.

Soul, Funk, R’n’B - Sounds die seit Jahrzehnten genau dafür stehen Menschen zusammenzubringen. Doch welche Lieder eignen sich an diesem Tag eigentlich besonders? Da der Tag das Feiern selbst feiert, werden oft Songs verwendet die Frieden, das Leben und das Miteinander zelebrieren. "Thank You World" von den Statler Brothers zeigt die Dankbarkeit und Freude für das Leben und das Gefühl der Zugehörigkeit.

Also…vielleicht ist heute der einfachste Auftrag des Jahres: Musik an. Kopf aus. Ein bisschen mehr Gemeinschaft. Happy World Party Day - hier auf Superfly.

Sie kommt aus Mthatha in der Eastern Cape Province und gehört zu den Stimmen, die man nicht überhört. OkayAfrica zählt sie zu den neuen Artists, die Amapiano gerade nach vorne schieben. 2024 erschien ihr Album „Ntyatyambo“, und auf Tracks wie „Nguwe“ bleibt vor allem hängen, wie präsent ihre Stimme ist und wie stark sie einen Beat tragen kann. Auch Mia gehört zu dieser neuen Generation. Viele kennen sie noch aus South African Idols, später wurde sie von Apple Music als Next Artist hervorgehoben. Ihre EP „The Other Side“ kam zwar eher aus dem R&B, aber ihre Amapiano-Seite ist genauso spannend, etwa auf dem Feature „Sukundijonga“ mit Bandros. Bei ihr hört man, wie breit dieses Genre inzwischen ist: nicht nur Dancefloor, sondern auch Gefühl und starke Vocals.

Bei Nia Pearl ist das Wort „Underground“ fast schon zu klein. In der Szene ist sie längst keine Unbekannte mehr, außerhalb davon aber oft noch unterschätzt. Mit ihrer EP „Nia Lo“ und später „Nia Lo Stripped Down“ hat sie gezeigt, dass sie mehr ist als nur eine Feature-Stimme. Gleichzeitig war sie auf wichtigen Tracks wie „Enchanted Mantra“ zu hören. Sie steht genau an diesem Punkt zwischen Core-Amapiano-Star und größerem Durchbruch. Vielleicht ist sie ja bald auf den großen Playlists zu hören.

Und dann ist da noch Babalwa M. In der Amapiano-Core-Szene ist sie längst ein Name, international aber noch nicht in dem Maß sichtbar, wie sie es eigentlich sein müsste. Ihre Projekte „Pisces“, „Candour“ und zuletzt „Acquiesce“ zeigen, wie stark sie in diesem Genre funktioniert. Sie ist vielleicht nicht mehr underground im engeren Sinn, aber definitiv eine Künstlerin, die außerhalb der Szene noch nicht die Recognition bekommt.

Wenn wir über Amapiano sprechen, reden wir oft über die großen Namen. Dabei steckt noch so viel mehr dahinter. Und sind wir ehrlich: Wie spannend ist es, das Wachstum des Genres mithilfe dieser starken Künstlerinnen mitzuerleben. Künstlerinnen, die zeigen, dass Amapiano mehr ist als ein Hype. In Südafrika ist der Sound Kultur, Alltag und für viele dieser Künstler:innen auch echte Lebensgrundlage.

Nach seinem Gesangsstudium in Ohio zog es ihn nach New York, wo er mit Musikern wie Rodney Whitaker und Theo Croker auf der Bühne stand. 2025 erschien sein Debutalbum „Open up your senses“. Das Album war ganze vier Wochen der Nummer-1-Hit des American Jazz Radios.  Erste Aufmerksamkeit erhielt er bei dem Essentially Ellington Wettbewerb am Jazz at Lincoln Center, wo er den „Outstanding Vocalist Award“ erhielt. Zudem wurde er bei der renommierten Sarah Vaughan Jazz Competition ausgezeichnet – und das als erst zweiter männlicher Sänger.

Besonders auf der Bühne zeigt sich, was ihn ausmacht. McDole schafft es, vertraute Klänge neu wirken zu lassen. Er steht für eine neue Generation von Künstlern, die Tradition und Gegenwart verbinden – und dem klassischen Jazz so eine moderne Stimme geben. Diese Stimme kann man am 31. März auch in Wien hören. Auf dem Superfly Konzert im Porgy & Bess zeigt McDole seine musikalische Mischung aus Tradition und Gegenwart.

David Vajda

Diamanten

Hanser Berlin, 176 S.

Für dieses Album hat er sich mit Niederländer DJ DMG und dem Producer-Team The Colleagues zusammengetan. Drei Perspektiven, ein klarer Vibe. Statt einzelner Tracks steht das große Ganze im Fokus. "Midnight in Houston" ist ein Album, das bewusst als Einheit gedacht ist. 

Das Album bewegt sich thematisch dort, wo es nach Mitternacht interessant wird: Beziehungen, Dynamiken, Ego, Nähe und Distanz. Es geht um Situationen, die so manche von uns kennen. 

Soundmäßig bleibt alles reduziert und warm. Viel Raum für Stimme, klare Arrangements, keine überladenen Produktionen. Und genau das ist die große Stärke dieser Veröffentlichung. "Midnight in Houston" ist ein Album, das die Zusammenarbeit feiert, ohne zerstreut zu wirken.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• I Need Your Love (feat. JayDiggs)
• Nose Wide Open (feat. The Colleagues)
• Don't Stop Me
• Heart Strings (feat. Jay Diggs)
• What Is Happening (feat. Jerry Barnes) 

In den 90ern wurde DJ Deep zur festen Größe im Rex Club in Paris, etwa bei den ikonischen „Wake Up“- und „Legends“-Partys, wo internationale Größen wie Derrick May, Joe Claussel, oder Kerri Chandler regelmäßig zu Gast waren. Gleichzeitig trieb er seine Vision von authentischem House weiter voran. Sein Motto „true to its roots“.

DJ Deep gehört zu jenen Enthusiasten, die seinerzeit ihr Studioequipment verkauft haben um ein Label, Deeply Rooted, ins Leben zu rufen. Mit diesem schuf er später eine Plattform für genau diesen Sound: zeitlos, soulful und gleichzeitig zukunftsgerichtet. Ob als DJ, Produzent oder Kurator, DJ Deep bewegt sich mühelos zwischen House und Techno, zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Sein Sound erzählt Geschichten, seine Sets sind Reisen durch Jahrzehnte elektronischer Musik und dennoch immer im Hier und Jetzt verankert.

Morgen: Freitag gastiert DJ Deep im Rahmen der Veranstaltung Meier in der Praterstrasse. Eine seltene Gelegenheit, den Connaisseur nach 20 Jahren wieder in Wien zu sehen.

Mit Joy legt MT Jones nun sein mit Spannung erwartetes Debütalbum vor und das hat es in sich. Zwischen modernem R&B, souligen Vocals und feinen Jazz-Einflüssen entfaltet sich ein vielschichtiger Sound, der sofort hängen bleibt. Inhaltlich spannt das Album einen emotionalen Bogen: Es geht um Liebe, Verlust und persönliches Wachstum, erzählt in einer klaren, fast cineastischen Dramaturgie.

Songs wie „I Don’t Understand“ und „Why I Cry“ geben sich introspektiv und verletzlich, während Tracks wie „Easy“ und „So Lost“ tief in Momente der Selbstreflexion eintauchen. Gleichzeitig stehen Stücke wie „Gentle Reminder“ und „On Your Own“ für Stärke und Selbstbehauptung. Auch Beziehungen werden schonungslos ehrlich beleuchtet, etwa in „Tastes Like You“ oder „You Don’t Love Me Now“. Der Titelsong „Her Name Is Joy“ fungiert dabei als emotionales Zentrum des Albums.

Musikalisch überzeugt Joy mit warmen Grooves, eleganten Arrangements und einem Gespür für Melodie, das gleichermaßen zeitgemäß wie zeitlos wirkt. MT Jones präsentiert sich hier als Künstler, der nicht nur stimmlich, sondern auch als Songwriter bereits eine beeindruckende Reife zeigt. Ein Debüt, das hält, was es verspricht und ein Künstler, von dem wir noch viel hören werden.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• „I Don’t Understand“
• „Why I Cry“ 
• „Easy“ 
• „So Lost“ 
• „Gentle Reminder“
• „On Your Own“
• „Her Name Is Joy“

Die Musik ist nicht nur Tanzmusik. Sie bringt auch eine neue Botschaft nach Brasilien aus den USA. Der Slogan lautet: „Black is beautiful“. Afro-Frisuren, Plateauschuhe, und ein neues Selbstbewusstsein der schwarzen Jugend in Rio. Künstler wie Tim Maia, Banda Black Rio oder Jorge Ben Jor mischen Funk, Soul und brasilianische Rhythmen und liefern den Soundtrack dazu.

Und genau das macht die brasilianische Militärregierung nervös. Denn die Diktatur behauptet seit Jahren, Brasilien sei eine „Rassendemokratie“, ein Land ohne Konflikte zwischen Schwarz und Weiß. Die riesigen Soul-Partys erzählen eine andere Geschichte: über Identität, Stolz und Ungleichheit. Der Geheimdienst beginnt, die Veranstaltungen zu überwachen. Polizei taucht bei den Bailes Soul auf. Organisatoren werden verhört, manche sogar verhaftet.

Der Staat hat Angst, vor Funk. Denn dort, auf den Tanzflächen von Rio, versammeln sich plötzlich tausende junge Menschen, die entdecken, dass Musik auch ein politisches Gefühl sein kann. Obwohl die Bewegung Ende der 70er langsam verschwindet, hinterlässt sie Spuren. Aus dem Geist von Black Rio entstehen später neue brasilianische Sounds. Vom Funk Carioca bis zum modernen Hip-Hop. Alles begann mit ein paar importierten Soulplatten und einer einfachen Idee: Wenn der Groove stimmt, kann Musik sogar eine Diktatur nervös machen. Black Rio, mehr als ein Musiktrend, ein Aufbruch der jungen Menschen in Brasilien, die sich nicht mehr unterdrücken lassen wollten!

Der Sound des Albums pulsiert vor Energie und stilistischer Finesse. Lässige Funk-Grooves greifen ineinander wie perfekt geölte Zahnräder, während warme Rhodes-Akkorde einen sanften Teppich auslegen, über den sich pointierte Bläser mit lässiger Eleganz legen. Man spürt förmlich den Geist der großen Soul- und Funk-Ära. Hier und da blitzt die Strahlkraft von Earth, Wind & Fire auf, doch MF Robots bleiben dabei stets im Hier und Jetzt verankert.

Das Album fühlt sich an wie eine Liebeserklärung an das Leben selbst. An die Liebe, an den Groove und an die pure Freude am gemeinsamen Musizieren. Von der ersten bis zur letzten Minute strahlt es eine ansteckende, warme Energie aus, die sofort ins Ohr und direkt in die Beine geht. Das beginnt beim midtempo Opener „Children of the World“ und endet mit dem ruhigeren „Through the Pain“. Ein besonderes Highlight ist für uns das mitreissende und lebensbejahende „Hello Sunshine“.

Ein weiteres großartiges Album, und nicht nur für Roboter. MF Robots, "III Part One", ist auf Good People Records erschienen.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• That’s the Way
• Children of the World
• The Pressure
• Lay it Back
• Hello Sunshine

Pete Rock suchte vermehrt im Jazz nach Samples. Und fand für diesen Track das richtige beim Song „I Love Music“ des Ahmad Jamal Trios. 1970 auf Impulse Records erschienen muss man beim Song zu Minute 5 springen, um dieses wirklich kurze Sample zu finden. Kurz an Dauer, lang an Bedeutung.

Samples gäbe es noch einige. Wie ihr sie findet? Reinhören!

Mit ihrem Debütalbum „Coole Scheiße“ aus dem Jahr 1994 machten Main Concept erstmals richtig auf sich aufmerksam. Es folgten Releases wie „Genesis Exodus“, das heute als echter Underground-Klassiker gilt, und später Projekte wie „Plan 58“, ein Album, das komplett auf Freestyle-Sessions basiert. Parallel gründeten sie ihr eigenes Label 58Beats, über das sie nicht nur ihre eigene Musik, sondern auch andere Stimmen der Szene unterstützten und präsentierten.

Main Concept stehen seit jeher für Hip-Hop mit Haltung: intelligente Texte, kompromisslose Beats und eine starke Freestyle-Tradition. Von frühen Jams in Münchner Clubs bis hin zu allerlei Kollaborationen mit Acts aus der deutschsprachigen Szene. Mehr als 35 Jahre Rap-Kultur, Freestyle-Spirit und Münchner Hip-Hop-DNA. Danke Main Concept - am 14. März sind sie live im B72.

Charakteristisch sind der treibende Bass, Bläser, verzerrte Gitarren und vor sich hin groovende Percussions. Man hört förmlich, wie mehrere rhythmische Ebenen ineinandergreifen. Die Songs können sich anfühlen wie eine nächtliche Tanzsession unter freiem Himmel. Tranceartig, energetisch, fast spirituell. Nach einer ruhigeren Phase in den 1980ern wird die Band in den 2000ern von internationalen DJs und Labels wiederentdeckt. Alte Vinyl-Aufnahmen tauchen in europäischen Clubs auf, Compilations erscheinen, und plötzlich steht das Orchestre Poly-Rythmo wieder auf Festivalbühnen. Diesmal weltweit. 2011 folgt mit „Cotonou Club“ sogar ein neues Studioalbum. Ein spätes, aber verdientes Comeback.

Was diese Musik heute so spannend macht? Sie klingt roh und direkt, aber gleichzeitig zeitlos. Viele aktuelle Afro-Funk- und Global-Groove-Produktionen beziehen sich auf genau diesen Sound. Poly-Rythmo zeigt, dass westafrikanischer Funk nicht nur ein historisches Kapitel ist, sondern ein lebendiger Einfluss bis in unsere Gegenwart.

Der Opener „Stay With Me“ mit Singer Songwriter Stephen Day verbindet 80er-Pop und klassischen R&B mit eingängigen Hooks und einem warmen Groove. Auch andere Songs leben von der Zusammenarbeit mit unterschiedlichen Künstler:innen: Theo Katzman bringt auf „Lisa Never Wanted To Be Famous“ eine soulige Note ein, während Devon Gilfillian in „Roses Fade“ für eine besonders gefühlvolle Atmosphäre sorgt. 

In der zweiten Hälfte entfaltet das Album noch mehr Tiefe. „The Big Payoff“ klingt wie der perfekte Soundtrack für eine nächtliche Fahrt entlang der Miami-Küste, sonniger City-Funk mit Wongs typischem Gitarrensound. Zum Abschluss steht mit „From Now On“ eine sanfte Ballade, die das Album ruhig ausklingen lässt. Wong nutzt das Album, um seine musikalische Bandbreite zu zeigen. Die Gitarre bleibt wichtig, steht aber nicht immer im Mittelpunkt. Stattdessen geht es um starke Arrangements, Groove und abwechslungsreiche Stimmen.

Insgesamt ist "Lost In The Wonder" ein kurzweiliger Mix aus Funk, Soul und Pop. Velleicht manchmal schneller vorbei, als man es sich wünscht, aber musikalisch gewohnt präzise und voller Groove. Fans von Cory Wongs Arbeit, auch im Umfeld von Vulfpeck, kommen hier definitiv auf ihre Kosten.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Blame It On The Moon
• Allnight, Allright
• Lost In The Wonder
• Roses Fade

Schon früh musste Lisa Bassenge auf eigenen Beinen stehen und machte in ihrer Jugend auch Erfahrungen mit harten Drogen. Heute beschreibt sie Musik und Gesang als ihre Lebensretter. Mittlerweile ist sie dreifache Mutter und gibt ihre Leidenschaft für Musik auch an ihre Töchter weiter. Ihre Familie ist eine wichtige Inspirationsquelle für ihre Texte – in manchen Songs reflektiert sie auch die Herausforderungen, mit denen ihre Kinder konfrontiert sind. Ihre Rolle als Mutter hat ihre musikalische Arbeit jedoch nicht nur inhaltlich geprägt. Gemeinsam mit Boris Meinhold, ebenfalls Mitglied von Micatone, widmete sie sich auch der Kindermusik. Unter dem Namen „Eule & Lerche“ komponierten die beiden Songs für eine Kinderliederreihe und nahmen schließlich ein ganzes Kinderalbum auf.

Die künstlerischen Facetten der Sängerin gehen jedoch weit darüber hinaus. Auch thematisch setzt Lisa Bassenge in ihren Songs unterschiedliche Schwerpunkte. So widmete sie etwa ein ganzes Album dem Feminismus: „Mothers“ enthält ausschließlich Coverversionen von Künstlerinnen und macht auf die nach wie vor männlich dominierte Struktur der Musikindustrie aufmerksam, in der Frauen oft nicht die gleiche Anerkennung erhalten.

Trotz solcher Vorurteile zu Beginn ihrer Karriere hat sich Lisa Bassenge in der Musikbranche längst etabliert. Insgesamt hat sie bisher 18 Alben veröffentlicht, auf denen sie sowohl auf Englisch als auch auf Deutsch singt. Ihr aktuelles Album „Wildflowers“ ist das dritte einer Trio-Konstellation mit ihrem Partner Andreas Lang am Bass und dem Pianisten Jacob Karlzon. Für Lisa Bassenge ist Musik eine ganz besondere Kunstform. Sie bezeichnet sie als eine Sprache, die fast jeder versteht – und als Möglichkeit, Gemeinschaft entstehen zu lassen.

Wer Lisa Bassenge live erleben möchte, hat dazu bald Gelegenheit: Am 17. März spielt sie mit ihrem Trio im Rahmen eines Superfly Konzerts im Porgy & Bess in Wien.

Direkt, verletzlich und nahbar - so klingt die Musik von Tiana Major9. Ihre Haltung ist eindeutig: Individualität steht über allem. Zwar lassen sich Einflüsse von Lauryn Hill, D’Angelo und Amy Winehouse erkennen, doch Tiana Major9 verleiht ihnen stets ihre ganz eigene Perspektive aus East London. Musikalisch bewegt sie sich mühelos zwischen Neo Soul, Jazz und modernem R&B. Hört unbedingt rein!

Nach dem globalen Funk-Feuerwerk mit Silk Sonic und diversen hochkarätigen Features hätte er sich bequem auf Erfolgen ausruhen können. Stattdessen zieht er sich zurück, schreibt, produziert, feilt...und kommt jetzt mit einem Werk zurück, das zwar intimer wirkt, aber kein bisschen leiser. 

Der Titel ist Programm: "The Romantic" ist aber keine kitschige Liebeserklärung, sondern eine Hommage an große Gefühle, an Sehnsucht, an warme, analoge Vibes, die man von Bruno Mars kennt. Soul, Pop, Funk, ein Hauch Retro, alles fein selektiert, organisch, mit seiner unverwechselbaren Mischung aus Showman und Herz. Spannend ist auch, dass er bewusst auf Features verzichtet. Keine Namedropping-Strategie, kein Streaming-Trick. Dieses Album ist ganz Seins. Ein Solo-Statement. Bruno Mars stellt sich selbst wieder ins Zentrum, als Songwriter, als Performer, natürlich als Romantiker. 

Lange hat Bruno Mars getüftelt und das lässt sich hören. "The Romantic" klingt nicht nach Trend oder Algorithmus, sondern nach viel Handarbeit, Herzblut und Gefühl.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• I Just Might
• Cha Cha Cha
• God Was Showing Off
• On My Soul
• Something Serious

Und dann sind da die Verträge. Vorschüsse, die zurückgezahlt werden müssen. 360-Grad-Deals, bei denen Labels an Tour, Merch und Social Media mitverdienen. Exklusive Bindungen über Jahre hinweg. Wer einmal unterschreibt, ist oft langfristig verpflichtet zu liefern. Kreativität wird zur vertraglichen Leistung. Dass dieser Druck real ist, darüber reden viele Artists. Billie Eilish sprach offen über depressive Phasen trotz Weltruhm. Adele zog bewusst die Handbremse, um ihre mentale Gesundheit zu schützen. Lola Young thematisiert in Interviews die emotionale Belastung eines Systems, das ständig bewertet. Lauryn Hill zog sich nach einem historischen Soloerfolg weitgehend zurück und entzog sich bewusst dem Dauerbetrieb.

Auch Rechtsstreits und Labelkonflikte sind keine Ausnahme. Immer wieder berichten Artists von kreativen Einschränkungen, Streit um Masterrechte oder Druck, bestimmte Sounds zu bedienen. Wer sich wehrt, riskiert Verzögerungen, Imagekonflikte oder juristische Auseinandersetzungen. Selbst erfolgreiche Acts kämpfen um Kontrolle über ihre eigene Musik. Der Film „The Moment“ von Charli XCX greift genau dieses Spannungsfeld auf. Nicht als Glamourgeschichte, sondern als Blick hinter die Fassade. Der Moment, in dem Erfolg sich nicht mehr nach Freiheit anfühlt, ist vielleicht der Moment, in dem man merkt, dass man quasi nur noch so funktioniert.

Zwischen Millionen Streams und minimaler Ruhe stehen Menschen mit Nervensystemen, nicht nur Profile. Vielleicht liegt die Zukunft nicht nur im nächsten Trend, sondern im Mut zur Pause, zur Menschlichkeit. Weniger Optimierung, mehr Echtheit. Was schon einst die Realität war, klingt in einer Welt von KI nach Utopie. Trotzdem glauben wir an die echte Kunst, die nicht sofort performen muss, die Zeit braucht und echte Gefühle.

Schon zu Beginn ihrer Karriere wurde Seldas Musik verboten. Der Vorwurf: kommunistische Propaganda. Um zu verstehen, warum Selda Bağcan so umstritten war, muss man einen Blick zurückwerfen. Nach der Gründung der Republik Türkei im Jahr 1923 verfolgte der Staat das Ziel, eine einheitliche nationale Kultur zu schaffen. Volkslieder wurden gesammelt, systematisiert und nach europäischem Vorbild neu arrangiert. Doch diese staatlich geprägte Musik erreichte das Volk kaum. Stattdessen entstand etwas anderes.

Arabesk - die emotionale Musik der städtischen Unterschicht. Lieder über Armut, Sehnsucht, Migration und Solidarität unter Arbeiterfamilien. Eine Musik, die das ausdrückte, was viele fühlten, aber selten sagen konnten. Aus diesem sozialen Spannungsfeld entwickelte sich in den 1970er-Jahren eine neue Richtung:

Özgün Müzik. Politisch links, gesellschaftskritisch und klar auf Protest ausgerichtet. Selda Bağcan wurde zu einer der wichtigsten Vorreiterinnen dieses Sounds. Sie verband anatolische Volksmusik mit westlichen Gitarrenklängen - und schuf damit eine kraftvolle, moderne Form des musikalischen Widerstands. Eine Frau mit Gitarre war damals bereits außergewöhnlich.

Doch Selda war mehr als das. Sie war eine Frau, die protestierte. Eine Frau, die laut war.

Nach dem Militärputsch von 1980 wurde diese Musikrichtung verboten. Auch Selda Bağcan geriet ins Visier des Staates. Wegen ihrer politischen Lieder wurde sie mehrfach verhaftet. Zwischen 1981 und 1984 saß sie dreimal im Gefängnis. Konzerte wurden untersagt, ihre Platten beschlagnahmt, ihr Pass eingezogen. Erst 1987 erhielt sie mit internationaler Unterstützung ihren Reisepass zurück. In den darauffolgenden Jahren spielte sie Konzerte in den Niederlanden und im Vereinigten Königreich und repräsentierte die Türkei bei einem internationalen Song Contest. Heute gilt Selda Bağcan als Ikone.

Ein Jahr später erscheint ihr Debütalbum „Who Is Jill Scott? Words and Sounds Vol. 1“. Die Antwort liegt in warmen Rhodes-Akkorden, jazzigen Bläsern, in einer Stimme, die nicht nur singt, sondern erzählt. Sinnlich. Humorvoll. Selbstbewusst. Verletzlich. Ihre Songs handeln von Liebe – nicht in Hochglanz, sondern in Echtzeit. Von Männern, die bleiben. Von Männern, die gehen. Von Körperlichkeit ohne Scham. Von schwarzer Identität. Von Selbstwert. Jill Scott wird Teil der Neo-Soul-Bewegung.

2004 folgt „Beautifully Human: Words and Sounds Vol. 2“, 2007 „The Real Thing: Words and Sounds Vol. 3“ - breiter, üppiger, selbstbewusster produziert. Doch sie ist nie nur Sängerin: Theater, Film, Fernsehen, Moderation, soziales Engagement in Philadelphia. 2011 erscheint „The Light of the Sun“, persönlich, direkt, kraftvoll. 2015 dann „Woman“, eine Hymne auf weibliche Selbstbestimmung.

Und schließlich „To Whom It May Concern“: ein spätes, selbstbewusstes Statement über Reife, Selbstachtung und emotionale Klarheit. Wie ein offener Brief an ihr Publikum.

Mit elf Songs knüpft der in Marseille lebende Musiker, „Globe Singer“ und DJ nahtlos an das hohe Niveau seiner bisherigen Releases an. Gemeinsam mit Produzenten wie Blundetto, Captain Planet, Izem oder Art Of Tones entstand ein lebendiges Klangmosaik aus afrotropischen Grooves, durchzogen von Latin-Vibes, Soul, Funk, Jazz, Hip-Hop und Reggae.

Musikalischer Austausch war für Walters schon immer essenziell. Auf „Ti Love“ sorgen hochkarätige Gäste wie der nigerianische Ausnahmegitarrist und Sänger Keziah Jones sowie die malische Sängerin Fatoumata Diawara für zusätzliche Glanzmomente. Das Ergebnis ist ein Album, das Leichtigkeit und Tiefe mühelos verbindet. Walters zeigt sich offen, reflektiert und verletzlich, ohne dabei auf jene unwiderstehliche Rhythmik zu verzichten, die ihn international zu einer festen Größe der globalen Groove-Szene gemacht hat.

„Ti Love“, was so viel wie brüderliche Liebe bedeutet, ist transkulturell, farbenprächtig und voller Seele - ein Werk, das bewegt, verbindet und daran erinnert, dass selbst in herausfordernden Zeiten ein bisschen Liebe Großes bewirken kann.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Voodoo Love
• Kité Koulé
• Santi Ko´w
• Ti Love
• Vini Jwen Mwen
• Tchembé Ko´w

Sprachliche Vielfalt führt noch immer zu Ausgrenzung: 40 % der Weltbevölkerung haben keinen Zugang zu Bildung in der Sprache, die sie am besten sprechen. Nur einige hundert Sprachen haben Platz im Bildungssystem, weniger als hundert in der digitalen Welt. Das benachteiligt vor allem indigene Gemeinschaften und migrantische Jugendliche.

Am Internationalen Tag der Muttersprache soll deshalb Aufmerksamkeit auf Minderheitssprachen gelenkt werden. Der UNESCO-Aktionstag steht unter dem Motto „Youth Voices on multilingual education“ und betont die Rolle junger Menschen in der Gestaltung mehrsprachiger Bildung. Sprache ist nicht nur Kommunikationsmittel, sondern zentral für Identität, Lernen, Wohlbefinden und gesellschaftliche Teilhabe. Es braucht Bildungssysteme, die die Sprachen aller anerkennen - nur so gelingen Inklusion und gute Lernergebnisse.

Eine gemeinsame Sprache mag verlockend erscheinen. Doch sprachliche Vielfalt ist kein Hindernis, sondern Ausdruck von Einzigartigkeit und Zugehörigkeit - und etwas, auf das wir stolz sein sollten. Vielleicht ist heute ein Anlass, nach einem Wort in einer anderen Muttersprache zu fragen. Oder die eigene wieder bewusst zu sprechen. Denn jede Sprache erzählt eine eigene Version der Welt - und jede ist es wert, gehört zu werden.

1964 wird der Song im Musical "The Roar of the Greasepaint - The Smell of the Crowd "erstmals von Cy Grant gesungen. Doch erst ein Jahr später macht Nina Simone den Song unsterblich. Ihre Version auf "I Put a Spell on You" verleiht „Feeling Good“ jene zeitlose, fast majestätische Kraft, die wir bis heute aus Filmen, Werbung und Playlists kennen. Ein Cover - das längst zum Maßstab geworden ist.

2006 veröffentlichen The Zutons einen rauen Indie-Track voller Sehnsucht. Ein guter Song - aber noch kein Welthit. Dann kommt 2007 Mark Ronson ins Spiel, gemeinsam mit Amy Winehouse. Mit Soul, Bläsern und dieser unverwechselbaren Stimme entsteht einer der ikonischsten Songs der 2000er. Plötzlich kennt ihn jeder. Ein Cover, das größer wurde als sein Ursprung.

1964 nimmt Gloria Jones den Song auf...Northern Soul pur. Zunächst kaum beachtet. Eine zufällige Begegnung in einem britischen Hafen bringt die Single in die Hände eines DJs - und in den 70ern wird sie in der Szene zum Kult. Den weltweiten Durchbruch schafft jedoch 1981 das Synth-Pop-Duo Soft Cell. „Tainted Love“ wird zum 80er-Megahit und zum Evergreen für die Ewigkeit.

Drei Beweise dafür, dass Musik manchmal einfach den richtigen Moment...oder die richtige Stimme braucht. Und genau deshalb lohnt es sich, genauer hinzuhören. Alle weiteren Songs im Beitrag zum Nachhören. Tune in. 

Mit “To Whom This May Concern” erscheint ihr sechstes Studioalbum, ihr erstes Full-Length-Projekt seit rund zehn Jahren. In einem Interview spricht Jill Scott darüber, dass Menschen Musik oft erst wirklich hören, wenn sie etwas durchmachen. Deshalb sei das Album, wie der Titel schon verrät, „an jeden gerichtet, der es gerade braucht“. Es geht um Liebe, um Gemeinschaft, um Selbstachtung und um Heilung.

Klanglich bleibt sie ihrem Signature-Sound treu. Samtiger R&B, organischer Neo-Soul, jazzige Momente, dezente Hip-Hop-Texturen. Alles wirkt bewusst entschleunigt, fast intim, als würde sie direkt im Raum neben dir singen. Ein Album, welches ein gewisses Community-Gefühl transportiert.

„To Whom This May Concern“ predigt nicht, es teilt Erfahrungen. Es wirkt wie das Resümee einer Frau, die viel erlebt hat und keine Angst vor Verletzlichkeit kennt. Jill Scott klingt angekommen. Und genau das macht das Ganze so berührend.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Pressha
• Beautiful People

Ich kenne es von mir selbst: Manchmal freue ich mich nach einem langen Tag auf nichts mehr, als unter der Dusche meinen Lieblingssong zu spielen, beim Kochen meine eigene Playlist zu hören oder beim Autofahren auf voller Lautstärke den neuen Song meines Lieblingsartists laufen zu lassen. Aber manchmal erinnere ich mich an die Zeiten in meiner Kindheit, an denen mich Radioprogramme durch den Tag begleitet haben. An die Autofahrten in die Schule, das Mittagessen bei Oma und das Frühstück am Wochenende mit der ganzen Familie. Wenn ich an diese Momente zurückdenke, bekomme ich direkt Lust, von meiner Playlist auf ein Radioprogramm umzuschalten. Aber es ist nicht nur die Nostalgie, die mich immer wieder zurück zum Radio treibt. Es ist das erfrischende Gefühl, die eigene Musikbubble wieder einmal zu verlassen und die Musikauswahl jemand anderem zu übergeben – und zwar einem anderen Menschen und keinem Algorithmus.

Und immerhin: obwohl ich selbst ohne mein Spotify-Abo nicht mehr überleben könnte, stehe ich heute hier in einem Radiostudio und spreche darüber, dass gerade in Zeiten des On-Demand-Streamings Radio wichtiger denn je ist. Es ist die Mischung aus Information und Unterhaltung, die Radio von Streamingplattformen abhebt und zum perfekten Begleiter im Alltag macht. Außerdem erzeugt es ein Gefühl der Verbundenheit und Gemeinschaft. Auch wenn wir alleine sind, wissen wir, dass es unzählige Menschen gibt, die gerade genau den gleichen Song, die gleiche Meldung, den gleichen Werbespot hören. Dieser Gedanke bringt zumindest mich persönlich dazu, etwas mehr im Hier und Jetzt präsent zu sein.

Ich glaube, dass mich genau dieser Mix aus Nostalgie und Gemeinschaftsgefühl dazu gebracht hat, selbst Teil der Radiowelt werden zu wollen. Ich studiere gerade Journalismus und mache hier bei Radio Superfly mein Berufspraktikum. Dieser Insider-Blick, den ich dadurch auf das Radio als Medium entwickelt habe, hat das Gefühl nochmal deutlich verstärkt, dass Radio noch viel mehr ist als nur eine Art, Musik zu hören.   Unser Programmleiter Gerald Travnicek hat natürlich noch einen viel erfahreneren Blick auf die Relevanz des Radios. Er weiß, was Radio auch heute noch so besonders macht:

Radio ist menschlich. Radio ist Gemeinschaft. Es erzeugt eine Verbindung, die On-Demand-Dienste nicht bieten können. Und genau das wird in Zeiten, die von Internet, Social Media und künstlicher Intelligenz geprägt sind, ganz besonders geschätzt. So schnell wird das Radio also bestimmt nicht ersetzt werden.

Urias steht nicht nur für Sound, sondern auch für Haltung: Als trans Frau setzt sie sich für die Rechte der LGBTQIA+-Community ein und schafft Räume für Repräsentation, parallel zu einer Modelkarriere mit Auftritten bei der São Paulo Fashion Week. Musikalisch bewegt sie sich zwischen Pop, R&B und elektronischen Einflüssen, experimentell und persönlich.

Mit dem Debütalbum „FÚRIA“ (2022) und dem mehrsprachigen Projekt „HER MIND“ etablierte sie sich international. Zuletzt folgte „CARRANCA“, ein Album, das Freiheit, Identität und Widerstand verhandelt und traditionelle Sounds mit moderner Produktion verbindet. Urias ist nicht nur Musikerin, sondern eine Bewegung – und eine wichtige Stimme für Selbstbestimmung und Repräsentation.

„Haf“ ist bereits das dritte Album von Carwyn Ellis & Rio 18 innerhalb von etwas mehr als einem Jahr, eine beeindruckende Leistung, vor allem angesichts von Ellis’ zusätzlicher Arbeit mit Edwyn Collins und den North Mississippi Allstars. Das Album knüpft nahtlos an den Vorgänger „Fontana Rosa“ an: Rund die Hälfte der Songs wurde analog auf Band in den Londoner Gizzard Studios aufgenommen, ein weiterer Track stammt aus den letzten Sessions im legendären, inzwischen geschlossenen Toerag Studio.

Wie schon beim Debüt „Joia!“ war auch diesmal der brasilianische Produzent und Multiinstrumentalist Kassin der Impulsgeber. Sein Besuch in London führte kurzerhand zu neuen Aufnahmen - und zu einer deutlichen Rückkehr brasilianischer Einflüsse. „Tonnau Ar Tonnau“ ist eine Hommage an Cassianos Klassiker „Onda“, „Keep On Smiling“bewegt sich zwischen Samba und Choro. „Gwenyn y Gwanwyn“, ein Song über das Helfen einer erschöpften Biene, verneigt sich vor dem psychedelischen Samba-Funk von Antonio Carlos & Jocafi. Daneben stehen weitere lateinamerikanische Stile im Fokus – etwa die melancholische Ballade „Lagrimas Frias“ oder der sinnliche Salsa von „Bella Estrella“.

Der Titelsong „Haf“, und das gesamte Album, ist Haf Morris gewidmet, Carwyn Ellis’ verstorbener Musiklehrerin. Ihre Geduld, ihr Fokus und ihre Unterstützung hätten ihn geprägt wie nichts anderes, sagt Ellis. Ein Album voller Wärme, Dankbarkeit und musikalischer Offenheit.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Bella Estrella
• Gwenyn y Gwanwyn
• Haf
• Shades of red
• Tonnau ar Tonnau

Unter der Regie von Produzent Dennis Rux von den Hamburg Spinners und in enger Zusammenarbeit mit Hans-Christian Stephan von der erfolgreichen Band Meute verschmelzen samtige Grooves, perfekt arrangierte Streicher und rhythmische Bläser zu einem Sound, der zugleich vertraut und zeitlos wirkt. Soul als Landschaft, weit, offen und voller Details. Im Zentrum steht erneut der irische Sänger Nathan Johnston, dessen Stimme wie ein innerer Monolog durch das Album führt. Er erzählt von Verlust und Rückzug, aber auch von dem Moment, in dem man wieder Licht am Horizont erkennt.

Die Bandbreite von "Road to Mandalay" zeigt sich besonders eindrucksvoll in vier Schlüsselsongs: „I Fell In Love“ zitiert mit treibendem Beat und sehnsüchtiger Melodie den Geist des Northern Soul, während „Lie To Me“ die Dinge zurücknimmt. „Ain’t No Lovin’“ eröffnet das Album mit einem sofort packenden Groove und erzählt von unerwiderter Liebe, rau und direkt, während „Put Your Love On Me“ den Funk in den Vordergrund rückt:

Angels of Libra „Road to Mandalay“ ist ein Album zum Eintauchen und Mitgehen, reich an Bildern, Gefühlen und musikalischer Tiefe. Cinematischer Soul mit Herz und Haltung.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• I Fell In Love
• Lie To Me
• Ain’t No Lovin
• Put Your Love On Me

Darum geht es am 28. Jänner, dem internationalen Tag des friedlichen Miteinanders. Dieser von den Vereinten Nationen beschlossene Aktionstag wird heuer erstmals begangen und erinnert uns daran, Vielfalt nicht als Hürde, sondern als Chance zu sehen. Länder, Organisationen und Medien sind eingeladen, durch Aktivitäten die Kultur des Friedens, der Inklusion und des Verständnisses zu fördern.

In einer Zeit voller Konflikte ist Zusammenhalt wichtiger denn je. Social Media erleichtert leider die Verbreitung von Negativität – Hass, Beleidigungen und schnelle Urteile sind oft nur ein Klick entfernt. Die australische Regierung reagierte mit einem Verbot für Nutzer unter 16 Jahren. Doch Frieden lässt sich nicht einfach durch Verbote herstellen. Er ist ein Prozess, der Aufmerksamkeit, Wachsamkeit und aktive Beteiligung braucht. Jeder kann beginnen - mit kleinen Gesten im Alltag. Ein bisschen Verständnis und Toleranz kann viel bewirken: beim Nachbarn, der laut ist, bei der Mitbewohnerin, die das Geschirr stehen lässt, oder bei dem bissigen Kommentar unter einem Instagram-Post, den man nicht abschickt.

Friedliches Miteinander heißt nicht, alles zu akzeptieren, sondern respektvoll zu bleiben, zuzuhören und Unterschiede zu tolerieren - nicht nur am internationalen Tag des friedlichen Miteinanders, sondern jeden Tag.

Mit Desert Dream schlug Tiwayo 2023 leisere, weitläufigere Töne an. Die Songs wirken wie Momentaufnahmen von unterwegs, inspiriert von amerikanischen Landschaften und dem Gefühl, nie ganz anzukommen und genau das zu genießen. Reduktion statt Bombast, Groove statt Pose.

Spätestens mit seinem kommenden Album Outsider ist klar, wie ernst es Tiwayo meint. Produziert zusammen mit Adrian Quesada von den Black Pumas und unterstützt von Musiker*innen wie Doyle Bramhall II oder Kendra Morris, öffnet sich sein Sound weiter Richtung modernen Soul, ohne seine Wurzeln zu verlieren.

Tiwayo steht für Musik, die Zeit braucht und sie sich auch nimmt. Für Songs, die nicht schreien, sondern bleiben. Und für einen Künstler, der lieber wächst, als sich neu zu erfinden.

"Carranca" (übersetzt etwa: Fratze, Schutzfigur, eine Maske, die im brasilianischen Volksglauben Unheil abwehren soll) ist ein Album der Verdichtung. Urias findet zu einem deutlich kohärenteren, dunkleren und zugleich eleganteren Sound, welcher Pop, elektronische Texturen und brasilianische Referenzen selbstverständlich zusammenführt. Die Produktion ist präzise und atmosphärisch…nichts wirkt zufällig, alles trägt zur inneren Logik dieses Albums bei.

Thematisch kreist "Carranca" um Macht, Verletzbarkeit, Schuld, Transformation und Selbstbehauptung. Urias beweist sich hier als bewusste Erzählerin eines größeren Konzepts, ob musikalisch oder visuell. "Carranca" fühlt sich an wie ein Schutzschild UND eine Kampfansage.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Se eu fosse você
• Quando a fonte secar
• Águas de um mar azul

Damals bemerkt es kaum jemand bewusst. Aber die Zeit vergisst ihn nicht. Jahre später, Anfang der 1980er in der Bronx, New York: DJs durchforsten Plattenkisten, auf der Suche nach Breaks, nach Momenten, die man auseinandernehmen kann. Und irgendwo zwischen Soul, Funk und Staub liegt diese Platte: Lyn Collins’ „Think (About It)“, erschienen auf James Browns Label People. Knapp 4.200 Mal wurde diese Passage gesampelt, mal mit, mal ohne das legendäre „Yeah“ und „Woo“. Den Anfang machte das englische Hip-Hop-Duo Cookie Crew im Jahr 1987 mit ihrem Stück „Females (Get On Up)“. Im selben Jahr griffen auch Spoonie G, Grandmaster Flash und Kool Moe Dee auf die Passage zurück. Den ersten größeren Hit erzielten dann 1988 Rob Base & DJ E-Z Rock mit ihrem legendären Song „It Takes Two“. Wer hätte sich 1972 träumen lassen, dass eine spontane Idee bei den Aufnahmen zu „Think (About It)“ so nachhaltig sein würde? Ein echter Geniestreich.

Den ikonischen Rhythmus des Songs erkennt man bereits an den ersten Schlägen. Das Instrument, mit dem dieser komponiert und aufgenommen wurde, ist allerdings eher unüblich. Beim Filmdreh saß Dolly Parton während der Pausen am Set und schlug ihre langen Fingernägel aneinander. Dabei ergab sich ein Takt, der sie an das Klicken einer Schreibmaschine erinnerte. Sie beobachtete also das Geschehen am Set, überlegte sich so kleine Anekdoten aus dem Arbeitsalltag von Frauen und schlug passend dazu ihre Fingernägel aneinander. Am Abend in ihrem Hotel schrieb sie dann alles auf. Ihre Fingernägel sind auch in der finalen Version des Songs zu hören und stehen sogar als „Nails by Dolly“ in den Credits.

Ihre Cast-Kolleginnen waren von der ersten Version des Songs übrigens so begeistert, dass Dolly Parton den Schreibprozess absichtlich in die Länge streckte und am Ende 100 Verse aus Geschichten, die wirklich passiert sind, geschrieben hat. Ihre Cast-Kolleginnen wurden schließlich auch eingeladen, bei der Aufnahme des Songs Nebenstimmen zu singen.

"Nine to Five" schaffte es auf den ersten Platz des Billboard Country Chart, der Billboard Hot 100 und der Adult Contemporary Charts. Außerdem erhielt Dolly Parton mit "Nine to Five" zwei Grammys und Nominierungen für die Academy Awards und den Golden Globe Award. Er gilt bis heute als einer ihrer erfolgreichsten Songs. Die Thematik des Songs dürfte die Menschen immer noch genauso beschäftigen, wie vor 45 Jahren. Doch selbst wer sich am Arbeitsplatz nicht ungerecht behandelt fühlt, kann sich von dem Schwung des Songs mitreißen lassen.

In den 60er- und 70er-Jahren wird sie zum Star - erst im Country, dann weit darüber hinaus. Trotzdem wird sie lange nicht ernst genommen: wegen ihres Looks, ihres Humors, weil sie sich nie entschuldigt hat für das, was sie ist. Dolly kontert mit einem legendären Satz: „It takes a lot of money to look this cheap.“ Hinter der Ironie steckt Kontrolle - über ihr Image, ihre Karriere und vor allem über ihre Songs.

Dolly Parton schreibt Hits, die größer sind als jedes Genre. Songs, die unabhängig von Stimme, Zeit oder Stil funktionieren. Über 3.000 soll sie geschrieben haben, darunter Klassiker wie „Jolene“, „9 to 5“ oder „I Will Always Love You“. Dass sie die Rechte an letzterem behält, macht sie später zur erfolgreichsten Songwriterin der Country-Geschichte. Doch es geht ihr nie nur ums Geschäft. Mit der „Imagination Library“ verschenkt sie seit den 90ern Millionen von Büchern an Kinder, unterstützt Bildung, Forschung und Katastrophenhilfe. Ihre Haltung: Wer viel hat, gibt viel weiter.

Bis heute bleibt sie musikalisch neugierig, wechselt mühelos zwischen Genres – und ihre Songs behalten immer dieses gewisse Etwas: keine Pose, kein Zynismus, sondern ehrlich erzählte Geschichten. Dolly Parton ist Pop-Ikone, Songwriterin, Vorbild. 80 Jahre Dolly Parton heißt: Wir feiern eine außergewöhnliche Autorin des amerikanischen Songbooks. Hört rein!

"Off The Fence" ist keine nostalgische Retro-Platte, sondern ein lebendiges Statement: Eine fulminante Mixtur aus Northern Soul, Rhythm & Blues, Jump Blues und Latin-inspirierten Percussion Songs. Er versteht es, bekannte Redewendungen mit überraschend frischen Bedeutungen aufzuladen, ob bei der treibenden Rumba-Eröffnung “Two Birds With One Stone” oder dem augenzwinkernden “Particular”. Ein besonderes Highlight ist das Duett mit Van Morrison auf "Ain’t That A Trip", ein bluesiger Kracher der die Verbindung der beiden Musiker über Jahrzehnte hinweg zelebriert.

Hunter und seine Band spielen mit einer beeindruckenden textlichen und musikalischen Leichtigkeit. Sein sogenannter „Thesaurus-Schreibstil“ zeigt sich in cleveren, oft witzigen Wortspielen, die den Texten eine subtile britische Ironie geben. Die musikalischen Texturen sind dabei satt und organisch: jede Phrasierung, jede Bläser-Line, jedes Groove-Detail sitzt und dient dem Song. Ein Beleg dafür, wie nah sich Hunters Six über die Jahre eingespielt haben.

"Off The Fence" ist ein Triumph für The James Hunter Six. Ein Album, das Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft in sich vereint. Es schlägt eine Brücke zwischen klassischem Soul und zeitgemäßem Groove, bleibt aber jederzeit authentisch, vital und mitreißend. Ein essentieller Soundtrack für alle, die echte, lebendige Musik lieben - mit Herz, Haltung und unbändiger Spielfreude.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• A Sure Thing
• Ain’t That A Trip
• Here and Now
• Gun Shy
• Believe it When I See It
• Trouble Comes Calling

Mit „Dance Para Se Salvar“, übersetzt so viel wie „Tanzen, um sich zu retten“, legt er nun ein Album vor, das dieses Motto ziemlich wörtlich nimmt. Strausz taucht tief in die goldene Ära des brasilianischen Disco-Funk ein, lässt auch Bossa, Samba, Cosmic-Sounds und moderne Club-Ästhetik einfließen. Das Ganze wurde ganz im analogen Spirit von Favorite Recordings, mit Vintage-Equipment eingespielt und erinnert vom Sound an alte Rio-Studio-Sessions.

Diogo Strausz bringt uns lebendige Arrangements, analoge Instrumente, Percussion und angenehme Wärme. Man hört, dass da jemand am Werk ist, der Tanzmusik als Gemeinschafts-Erlebnis versteht: zusammenkommen, loslassen, kurz mal raus aus der Weltlage. „Dance Para Se Salvar“ ist damit mehr als nur ein Disco-Update aus Brasilien, es ist ein kleines Plädoyer dafür, sich buchstäblich durchs Leben zu tanzen.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Viver, Lutar, Reerguer
• Com Magia
• Ele é Artista
• Montanha Mágica
• Popotão Grandão

Mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört!

Yacht Rock steht normalerweise für West Coast, Hochglanzproduktion und butterweiche Harmonien. Dieser Sampler zeigt, wie diese Ästhetik in unseren Breiten interpretiert wurde: ein bisschen geerdeter, manchmal eigenwillig, aber immer charmant. Ein Paradebeispiel ist Reflection mit „Because“ - warmer Blue-Eyed-Soul, der an die Doobie Brothers erinnert, dabei aber angenehm analog und unaufgeregt bleibt.

Der Reiz dieser Compilation liegt genau hier: Under and Above the Clouds ist keine Hitparade, sondern eine Schatzkiste. Vergessene Tracks, regionale Szenen, musikalische Umwege – alles greift ineinander und erweitert den Begriff Yacht Rock um spannende Nuancen. Vieles klingt vertraut, kippt aber im richtigen Moment ab: funky Grooves, jazzige Details oder schlicht der Umstand, dass diese Musik dort entstanden ist, wo man sie am wenigsten erwartet hätte.

Under and Above the Clouds - Yacht Rock Grooves from Germany & Austria 1979–1991 ist auf Tramp Records erschienen – und ein überzeugender Beweis dafür, dass Smoothness keine geografischen Grenzen kennt.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Because
• Austrian Sky
• To the Westcoast
• River of Laughter
• Silverboat

Mel Tormé, oft als „The Velvet Fog“ bezeichnet, war ein vielseitiges Talent: Sänger, Pianist, Komponist und Arrangeur, der eng mit der West-Coast-Jazz-Szene verbunden war. Seine Stimme und sein Gespür für harmonische Feinheiten prägten den Song entscheidend, auch wenn er selbst nie die bekannteste Version eingesungen hat. Robert Wells hingegen arbeitete vor allem als Songwriter und Produzent und war in den 1940er-Jahren eine feste Größe im US-Radio- und Popgeschäft. Gemeinsam gelang ihnen ein Text, der bewusst auf religiöse Bezüge verzichtet und stattdessen universelle, beinahe filmische Momentaufnahmen beschreibt.

Berühmt wurde „The Christmas Song“ durch Nat King Cole, der den Titel erstmals 1946 mit seinem Trio aufgenommen hat. Später folgten zwei weitere Versionen, darunter die luxuriös orchestrierte von 1961, die heute als Standard gilt. Coles ruhige, warme Baritonstimme verlieh dem Song jene intime Nähe, die ihn bis heute von vielen anderen Weihnachtsliedern unterscheidet. Statt Pathos oder Jubel setzt das Stück auf Zurückhaltung und ein Gefühl von stiller Dankbarkeit.

Inhaltlich funktioniert der Song wie eine sanfte Collage aus Erinnerungen: geröstete Kastanien, eisige Winterluft, Kinderchöre, Bilder, die weniger konkret erzählen als Emotionen wecken. Diese Offenheit macht „The Christmas Song“ generationenübergreifend anschlussfähig und erklärt, warum er von Jazzgrößen wie Ella Fitzgerald und Frank Sinatra ebenso interpretiert wurde wie von modernen Pop- und R&B-Künstler:innen wie Norah Jones oder Olivia Dean.

Heute ist „The Christmas Song“ nicht nur ein fester Bestandteil der Weihnachtszeit, sondern auch ein Lehrstück klassischer amerikanischer Songwriting-Kunst: eine Melodie ohne Übertreibung, ein Text ohne Kitsch, und zwei Autoren, denen es gelungen ist, ein saisonales Lied zu schreiben, das weit über seine ursprüngliche Zeit hinaus Bestand hat.

Joy Crookes legte heuer mit Juniper ihr zweites Studioalbum vor. Roh, reflektiert und radikal ehrlich. Die britische Sängerin verarbeitet in ihren Songs Phasen von Selbstzweifel, mentaler Erschöpfung und persönlichem Wandel und verleiht diesen Themen mit organischem, atmosphärischem Soul- und R&B-Sound große Nähe. Juniper ist kein generischer Pop-Release, sondern ein persönliches Statement über Verletzlichkeit, Widerstandskraft und Selbstfindung, getragen von einer Stimme, die direkt ins Herz spricht.

Und noch eine britische Sängerin steht heuer im Fokus. Auch international. Mit The Art Of Loving zeigt Olivia Dean, wie vielschichtig und zeitgemäß Soul heute sein kann. Das Album erforscht Liebe in all ihren Formen. Romantisch, freundschaftlich und als Selbstbeziehung. Reflektiert und ohne Pathos. Musikalisch verbindet Dean warmen Neo-Soul mit Pop-Eleganz, getragen von einer Stimme, die Nähe schafft. Ein reifes, sensibles Album über emotionale Offenheit und die Kunst, sich selbst und anderen Raum zu geben.

Und dann sind wir beim letzten unserer Top 10 Alben zurück in Österreich. Die Grazer Band Sladek lieferte mit Things Gotta Change ein modernes Soul-Album mit warmem, organischem Sound. Klassische Soul-Wurzeln treffen auf zeitgemäße Arrangements, ehrlich, groovig und ohne Retro-Klischees. Inhaltlich geht es um Liebe, Wandel und Hoffnung Ein Album, das Haltung zeigt und perfekt ins Superfly-Universum passt.

Das waren sie, unsere Top 10 Alben des Jahres. Wir freuen uns auf 2026 und die Musik die kommt.

Mit Flowers liefern Durand Jones & The Indications ein Album voller Wärme und Seele ab. Nach dem eher discoaffinen Vorgänger Private Space kehrt die Band hörbar zu ihren Soul Wurzeln zurück. Die Songs sind organischer, persönlicher und oft auch nachdenklicher. Liebe, Verletzlichkeit und Zusammenhalt stehen im Mittelpunkt, getragen von warmen Grooves, analogen Sounds und starken Gesangslinien. Stücke wie „Really Wanna Be With You“ oder „If Not For Love“ zeigen, wie mühelos die Band klassischen Soul in die Gegenwart holt. Flowers fühlt sich an wie ein vertrauter Ort, an den man immer wieder gerne zurückkehrt.

Auch Paul Weller schlägt mit Find El Dorado sehr persönliche Töne an. Statt eines klassischen Studioalbums präsentiert der britische Musiker eine Sammlung von Songs, die ihn über Jahrzehnte begleitet und geprägt haben. Weller interpretiert diese Stücke mit viel Feingefühl und Respekt vor dem Original, verleiht ihnen aber gleichzeitig seine ganz eigene Handschrift. Unterstützt von hochkarätigen Gastmusikerinnen und Musikern entsteht ein ruhiges, reflektiertes Album, das zum bewussten Zuhören einlädt. Find El Dorado ist kein lautes Statement, sondern eine musikalische Reise durch Erinnerungen, Einflüsse und Emotionen.

Mit A Matter of Time setzt Laufey ihren ganz eigenen Weg zwischen Jazz, Pop und klassischem Songwriting fort. Das Album klingt elegant und zeitlos, ist dabei aber tief in der Gegenwart verankert. Laufey singt über Beziehungen, Selbstzweifel und das Erwachsenwerden, immer mit einer großen Portion Ehrlichkeit und Charme. Die Arrangements sind feinfühlig und detailreich, mal kammermusikalisch, mal überraschend modern. A Matter of Time ist ein Album, das sich langsam entfaltet und mit jedem Hören an Tiefe gewinnt.

Drei Alben, drei ganz eigene Klangwelten und dennoch eint sie ein spürbares Maß an Echtheit. Genau das macht sie zu herausragenden Highlights unserer Album-der-Woche-Auswahl und zu einem festen Bestandteil dieses Best-of-Specials.

Brooke Combe – Dancing at the Edge of the World

Die Schottin Brooke Combe lieferte mit ihrem Debüt ein kraftvolles Soul-Pop-Statement, das zwischen Motown-Vibes, modernem R&B und cineastischen Arrangements pendelt. Ihre warme einnehmende Stimme trägt die Songs, die von Selbstfindung, Herzschmerz und persönlicher Stärke erzählen. Kompakt, groovig und voller Charakter. Ein beeindruckendes Debut einer Künstlerin, von der man noch viel hören wird.

Young Gun Silver Fox – Pleasure

Mit Pleasure bewies das englisch-amerikanische Duo Young Gun Silver Fox erneut sein Händchen für zeitlosen Westcoast- und AOR Sound. Weiche Harmonien, entspannte Grooves und perfekte Arrangements schaffen ein sonnendurchflutetes Album, das gleichermaßen nostalgisch wie frisch wirkt. Perfekt für alle, die moderne Eleganz mit einem Hauch Yacht-Rock lieben. Der Soundtrack für Cabriofahrten bei Sonnenuntergang.

Little Simz – Lotus

Und dann wäre da noch die Londonerin Little Simz. Sie verbindet auf dem Album Lotus persönliche Offenheit mit musikalischer Vielfalt: Rap, Soul, eine Portion Punk, Afrobeat und Jazz verschmelzen zu einem dynamischen und emotionalen Werk. Zwischen Wut, Heilung und Selbstbehauptung entsteht ein Album, das kantig, mutig und künstlerisch außergewöhnlich ist. Erneut ein starkes Statement einer der wichtigsten Stimmen ihrer Generation.

Die ersten drei von 10 Superfly Alben des Jahres.

El, Bunny, Randy, Mark und James haben in ihrem Elternhaus in Grand Rapids schon früh gemeinsam gesungen und Songs geschrieben. Aufgewachsen sind sie mit ihren weiteren 5 Geschwistern aber nicht unbedingt glamourös. Ihr Vater Robert DeBarge misshandelte jahrelang nicht nur seine Frau Etterlene sondern auch deren gemeinsame Kinder. Die Musik wurde zu ihrem safe space und zum Ventil für Emotionen, die sie nur schwer ausdrücken konnten.

Ihr Durchbruch kam Anfang der 80er, nachdem sie vom Label Motown gesignt wurden. Von da an standen sie gemeinsam im Studio und unterstützten sich gegenseitig beim Songwriting. El DeBarge wurde wegen seiner unverwechselbaren hohen Stimme zum Leadsänger der Band und hat viele ihrer größten Hits geschrieben - aber niemand in der Band war nur Beiwerk. Jedes Mitglied hat seine persönliche Note in den DeBarge-Sound einfließen lassen.

Mit dem Aufstieg von DeBarge ist auch das Privatleben der fünf Geschwister in den Fokus gerückt– besonders das von James und Bobby. James DeBarge war nämlich von 1984 bis 1985 mit Janet Jackson verheiratet. Auch sein Bruder Bobby war über mehrere Jahre mit LaToya Jackson liiert. Die Verbindung beider Familien - sowohl musikalisch als auch privat – hatte großen Einfluss auf die Soul- und Popkultur der damaligen Zeit. Doch der schnelle Ruhm hatte auch seine Schattenseite....hört rein und erfahrt was passiert ist.

Mit "The Universe Smiles Upon You ii" nehmen Khruangbin nun ihre komplette Debütplatte neu in Angriff. Zehn Jahre nach der Originalveröffentlichung kehren sie dafür in dieselbe alte Scheune in Zentral-Texas zurück, mit denselben Instrumenten und derselben Intuition. Es handelt sich nicht um ein bloßes Remastering, sondern um eine neue Interpretation der früheren Stücke mit einem dichteren, wärmeren und feineren Klangbild. Die Neuauflage wirkt ruhiger, manchmal fast akustisch-intim.

Das Ergebnis ist ein nostalgischer und zugleich zukunftsorientierter Soundtrack, der den Geist von damals aufgreift und zeigt, wie sehr die Band gereift ist. "The Universe Smiles Upon You ii" fühlt sich an wie ein Wiedersehen mit alten Freund:innen: vertraut, warm und ruhig…aber voller neuer Geschichten und Klangfarben.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Little Joe and Mary ii
• White Gloves ii
• Balls and Pins ii

Diese neue Compilation präsentiert eine erste sorgfältig kuratierte Auswahl der bemerkenswertesten Tracks aus dem Katalog des Labels, ergänzt durch bislang unveröffentlichte Versionen. Alle Tracks wurden von den originalen Tonbandaufnahmen editiert und remastert. Sie bietet einen tiefen Einblick in den rohen, analog geprägten Sound, der die Identität von Grow! ausmachte.

Mit ihrem beständigen Fokus auf Qualität, Anonymität und künstlerische Integrität hat Grow! Records einen nachhaltigen Eindruck hinterlassen – weit über die Grenzen Österreichs hinaus. Diese Veröffentlichung ist sowohl eine Würdigung als auch eine Wiederentdeckung eines der angesehensten Underground-Labels des Landes.

Bereits ihre ersten Singles gehen um die Welt, und mit dem Debütalbum Leisure gelingt ihnen 2016 der internationale Durchbruch. Trotz verschiedenster Stimmungen und Klänge bleibt LEISURE immer sehr intim: In ihren Songs geht es um Liebe, Verlust, Hoffnung und darum, sich selbst zu finden. Sie kombinieren Retro-Elemente der 70er und 80er mit modernen Sounds - und schaffen dabei etwas Zeitloses.

Wer jetzt Lust hat, Leisure live zu erleben, hat schon bald die Chance dazu. Am 09. Dezember tritt die Band im Rahmen eines Superfly Konzerts in der SiMM City Wien auf.

Doch der Wunsch nach mehr künstlerischer Freiheit führte sie 1973 zu Buddah Records in New York. Die 70er waren für Gladys Knight & the Pips eine Dekade der Emanzipation und des kreativen Aufbruchs. Nachdem sie Motown den Rücken gekehrt hatten, suchten sie nach einem Ort, an dem ihre Musik größer, wuchtiger und persönlicher klingen durfte. Bei Buddah Records fanden sie genau das und legten eine Serie von Hits hin, die sie endgültig in die Soul-Geschichtsbücher schrieb.

Das legendäre “Midnight Train to Georgia” wurde ihr größter Hit und begleitet Generationen bis heute. In den 70er und frühen 80er Jahren lockten Alben und Singles wie “I’ve Got to Use My Imagination”, “Best Thing That Ever Happened to Me” oder “Love Overboard”, sowie der grandiose Soundtrack für den Film „Claudine“. 1989 trennten sich die Wege, Gladys startete ihre Solokarriere, blieb aber eine Stimme, die bis heute berührt.

Musikalisch bewegt er sich dort, wo analog auf digital trifft, Retro auf Jetzt, wo funky Grooves auf eine lässige, beinahe schwebende Stimmung stoßen. Seine Tracks mischen poppige, housige Discobeats mit glitzernden Synths und souligen Basslines. Ob als electronic Live-Act, Disco-DJ, Produzent oder Label-Inhaber: David Bay schreibt, recorded, produziert und mixt alles selbst. Er ist ein vielseitiger Soundtüftler, der die Brücke schlägt zwischen Club-Energie und Wohnzimmer-Vibe. Wer diesen Sound nicht nur bei uns auf Radio Superfly, sondern hautnah erleben möchte, kann das beim anstehenden David Bay-Superfly-Konzert tun! 

Danach wurde es stiller. Allerdings nicht, weil die Karriere durch war, sondern weil der Körper die Reißleine zog: schwere Stimmband-OP während der Lockdowns, monatelange Funkstille, sie musste buchstäblich wieder sprechen und singen lernen. Parallel dazu  die Trennung vom Major-Label, künstlerische Differenzen, ein komplett fertiges Album wieder eingestampft, die eigenen Master zurückgeholt. Erst mit neuem Umfeld und Independent-Partner PIAS (Play It Again Sam), entstand Everything, in Time. Zehn Jahre nach dem Debüt und deutlich näher an dem, wer Ella wirklich sein will.

Musikalisch verabschiedet sie sich ein gutes Stück vom Uptempo-EDM der frühen Features. Das neue Material atmet Soul, warmen R&B, ein bisschen Retro-Funk und viel organische Band-Vibes. Statt Dauer-Drops gibt es tiefe Grooves, Raum, Dynamik. Eyres markante, leicht angeraute Stimme steht klar im Mittelpunkt, hörbar gezeichnet von den letzten Jahren, aber vielleicht gerade deshalb mit noch mehr Charakter. Die Texte kreisen um Trennungen, Neuanfänge, Selbstwert, das Chaos der Mittzwanziger und dieses Gefühl, dass manche Dinge eben Zeit brauchen, bis sie sich fügen.

Everything, in time ist ein erwachsenes, sehr persönliches Pop-Soul-Album…das völlig zu Recht unser Album der Woche ist.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Little Things
• Red Flags & Love Hearts
• High On The Internet (feat. Jay Prince)

Ein entscheidender Moment kam, als das Trio von Kenny Gamble entdeckt wurde, einem der Architekten des Philly Soul und bei Philadelphia International Records unterschrieb. 1979 veröffentlichten die Jones Girls ihr Debütalbum „The Jones Girls“, produziert von Gamble & Huff. Auf dem Album war auch ihr größter Hit „You Gonna Make Me Love Somebody Else“, der sich zu einem Klassiker entwickelte. Aber es gibt mehr als nur Tanznummern: Songs wie „Who Can I Run To?“ oder „Nights Over Egypt“ zeigen die volle emotionale Bandbreite des Trios. Ihre Alben - etwa At Peace with Woman (1980) oder Get as Much Love as You Can (1981) werden von Kritikern ebenso geschätzt wie von Fans.

Nach ihrem kommerziellen Höhepunkt bei PIR verließen die Schwestern das Label und versuchten sich bei RCA – doch der Glanz ließ nach. Shirley startete daraufhin eine Solo-Karriere und hatte 1986 mit „Do You Get Enough Love“ einen Nummer-1-R&B-Hit. Das Schicksal nimmt tragische Wendungen: Valorie stirbt 2001, Brenda 2017.  Doch Shirley hält das Erbe lebendig: Sie tritt weiterhin auf, oft mit Verwandten im Background, und bringt die Harmonie und Seele der Jones Girls auf die Bühne.

Der elegante Philadelphia-Sound der Jones Girls, orchestraler, warmer und gleichzeitig rhythmischer Soul, ist ein direkter Vorläufer des heutigen Neo-Soul. Ihre Musik inspiriert Generationen von Sänger:innen und Produzent:innen, und Songs wie „Nights Over Egypt“ gelten als Meilensteine des „Quiet Storm“-Stils.

Mit 14 Jahren zog er nach Kingston, änderte seinen Namen von Chambers zu „Cliff“, ein klares Zeichen dafür, wohin ihn sein Weg führen sollte, über alle Grenzen hinweg. Seine frühen Singles schlugen ein wie ein Ruf, später folgten Songs wie „Wonderful World, Beautiful People“ und „You Can Get It If You Really Want“, die nicht nur eingängige Melodien waren, sondern Botschaften hatten: Hoffnung, Gemeinschaft, Überwindung.

1972 kam der Film „The Harder They Come“ in dem Cliff die Hauptrolle spielte und der als Schlüsselwerk für den weltweiten Durchbruch von Reggae gilt. Der Film erzählt die Geschichte von Ivanhoe „Ivan“ Martin, gespielt von Cliff, ein junger, ehrgeiziger Mann vom Land, der nach Kingston kommt, um als Sänger groß rauszukommen. Doch die Realität ist härter als der Traum. Korrupte Produzenten, soziale Ungerechtigkeit, Polizei­gewalt und Armut bestimmen sein Leben. Als Ivan schließlich einen Song aufnimmt, aber um seinen wohlverdienten Erfolg betrogen wird, rutscht er in die Kriminalität ab und wird unfreiwillig zur rebellischen Kultfigur.

Der Soundtrack, mit Songs wie “You Can Get It If You Really Want“, “Many Rivers to Cross“ und dem titelgebenden “The Harder They Come“, katapultierte Reggae aus Jamaika hinaus in die Welt. Für viele war dieser Film der erste direkte Kontakt mit der Musik und Kultur des Landes. Der Film zeigt Kingston so, wie man es damals selten sah: roh, pulsierend, arm, aber voll Leben. Kein weichgespültes Karibikbild, sondern ein echtes, unverfälschtes Porträt einer Gesellschaft im Umbruch.

Die Karriere des Musikers hat vielen anderen Türen geöffnet. Noch 2022 brachte er sein Album „Refugees“ heraus. Mit diesem Werk kehrt Jimmy Cliff auf kraftvolle Weise zurück, er spricht darin Themen an wie Migration, Flucht, Gerechtigkeit und globale Solidarität. Am 24. November 2025 verließ uns Jimmy Cliff nach einem Krampfanfall und einer darauffolgenden Lungenentzündung im Alter von 81 Jahren. Sein Tod schmerzt,  aber die Musik und vor allem die Botschaft bleibt. Und wir schließen mit seinen eigenen Worten, oder dem, was wir in ihnen finden: “You can get it if you really want”

Ja, wir können. Lasst uns seine Energie weitertragen. Lasst uns leben, so wie er es getan hat.

Mit „Until Morning -  A colors show“ startet 2018 Vickery’s Karriere. Er jobbt damals in einem Kino und nimmt sich für die Aufnahme einen Tag frei. Der Song hat mittlerweile 40 Millionen Views auf Youtube. Quasi über Nacht wird Vickery zu einer der aufregendsten neuen Soulstimmen Großbritanniens.Mit seinem Debütalbum „Songs That Make Me Feel“ macht James Vickery erstmals international auf sich aufmerksam - ein gefühlvolles R&B-Album, das vor allem durch seine weiche, unverwechselbare Stimme überzeugt. Doch wo das Debüt noch eher zurückhaltend klang, zeigt sich Vickery auf seinem neuen Album „JAMES“ selbstbewusster und authentischer.

Mit „JAMES“ präsentiert James Vickery gemeinsam mit namhaften Produzenten wie JD Reid und Larance Dopson ein vielseitiges Album, das moderne R&B Sounds mit gefühlvollen Balladen verbindet. Im Mittelpunkt der insgesamt 12 Songs steht dabei vor allem er selbst und seine Geschichte. 

Madrid de los Austrias waren seit ihrem letzten Album, welches ganze 20 Jahre zurückliegt, nicht untätig. Immer wieder tauchte der Name in unterschiedlichen Konstellationen auf. Mit "Tercero" schließen sie aber dennoch am letzen Werk an, ohne dabei aber zu vergessen, dass sie im Jahr 2025 angekommen sind. Dafür hat man mit mehr als zwanzig Musiker:innen gearbeitet und dem Sound viel Raum zum Atmen gegeben: lose groovende Drums, rollende Basslines, präzise Bläser und elegante Keys formen ein organisches, detailreiches Klangbild.

Eine besondere Rolle übernimmt Sängerin Rebeca Jiménez, die gleich vier Tracks veredelt und die iberischen Wurzeln des Projekts noch stärker hervorhebt. Schon "Amor" und "Más Amor" machten Madrid de los Austrias zu Botschaftern eines kosmopolitischen Sounds, der Wiener Lässigkeit mit südlicher Wärme verbindet. "Tercero" führt diese Linie fort, aber offener, freier, reifer. Ein Album, das nicht erklären muss, wo es herkommt, sondern selbstbewusst zeigt, wohin es sich weiterentwickelt:

Madrid de los Austrias - "Tercero" - ist auf Sunshine Enterprises Music Division erschienen.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Guapa 90
• Elelelele
• No Me

Seine Debüt-EP "Out of Mind" (2023) klingt wie ein offenes Tagebuch: „Better Man“, „Forgiving Myself“ oder „Time Will Tell“ erzählen von Familie, gebrochenen Herzen und der Suche nach einem Platz in der Welt. Sein Stil ist durchzogen von Pianoklängen, dezenten Beats und dieser starken und zugleich sanften Stimme.

2024 folgt die BRIT-Awards-Nominierung als „Rising Star“ und der Titelsong zur BBC-Serie This Town. Plötzlich ist Sekou überall im Gespräch, von BBC-Playlists bis zu prominenten Fans wie Bruno Mars oder Dua Lipa. Sekou verbindet oldschool Soul-Gefühl mit einer zu seiner Generation passenden Ehrlichkeit. Er wirkt bodenständig, witzig, mal introvertiert, mal extrovertiert und singt…als ginge es um Alles.

In den 90ern folgten die Studienreisen auf die Insel - Cleethorpes, Blackpool, Manchester – und wir vertieften unsere Liebe für den Soul noch weiter. Der MAGIC TOUCH Allnighter der frühen 2000er war und bleibt ein Highlight in der Soul Szene.

Uns ist wichtig die Soul Musik in Wien mit zusätzlichen Veranstaltungen breiter aufstellen. Als DJs und Veranstalter haben wir die Szene über mehr als vier Jahrzehnte aufgebaut und mitgeprägt, und das möchten wir mit eurer Unterstützung erfolgreich fortsetzen. Folgt und teilt uns auf Facebook und Instagram. Soul on!

Diese Zeilen zeigen einen kleine und längst nicht vollständige Geschichte von Rare Soul in Wien. Insofern ist es ein lebendes "Dokument", welches weitergeschrieben und ergänzt werden wird.

Sam Cooke, einer der wichtigsten R&B Künstler und „Pioneer of Soul“, ist der Großvater der Womack Sisters. BG, Sumani und Kucha wuchsen nicht an einem Ort auf, sondern rund um die Welt. London, Paris, Amsterdam, Thailand, die Bahamas und Kenia prägten ihre Kindheit. Musik bestimmte dabei täglich ihr Leben. Backstage, im Studio und auf Tour lernten sie die Branche von Grund auf kennen. Ihr Vater Cecil Womack wollte, dass seine Kinder verstehen, wie Musik entsteht. Die Schwestern waren bei Aufnahmen, Proben und Songwriting Sessions dabei und standen später sogar mit ihrem Onkel Bobby Womack auf dessen letzter Tour 2014 auf der Bühne.

Sie schrieben bereits für Artists wie B.O.B, Maya oder The Game, doch ihr Herz schlägt für Soul und den Retro Sound, mit dem sie aufgewachsen sind. Ihre Musik erzählt echte Geschichten. Liebe, Schmerz und Zusammenhalt, geprägt durch persönliche Verluste wie den Tod des Vaters, des Onkels und auch eines Ehemanns.

Für die Womack Sisters ist Musik eine Mission. Sie möchten Menschen berühren, Mut geben und zeigen, wie viel Kraft Worte haben. Vor Kurzem veröffentlichten sie ihre neuen Songs "If You Want Me" und "I Just Don’t Want You". Heute leben sie in Los Angeles und arbeiten an ihrem Debütalbum. Drei Frauen, die das Erbe ihrer Familie weiterführen und zugleich ihren eigenen musikalischen Weg formen.

2007 verlässt Guts Paris und zieht nach Ibiza. Kein Handy, kein Großstadtstress, stattdessen Meer, Vinyl und Inspiration. Hier entstehen Tracks, die genau dort entstehen, wo andere Urlaub machen. Guts’ Musik ist schwer zu beschreiben - und genau das macht sie besonders. Er verbindet das Handwerk eines Musikproduzenten mit der Seele eines Weltenbummlers. Afro-Rhythmen, Jazz, Funk und karibische Leichtigkeit verschmelzen zu einem unverwechselbaren Klang. Seine Tracks erzählen Geschichten von Begegnung und Verbundenheit, ganz ohne viele Worte.

Seine Plattencover zeigen ein farbenfrohes Comic-Ich. Für ihn gilt: Anonymität als Haltung. Es geht um Musik, nicht ums Ego. Guts, ein Künstler mit viel Liebe für afro-atlantische Klänge und Kollaborationen und ein Meister im Bauen musikalischer Brücken. 2025 steht im Zeichen des Feierns: Gemeinsam mit dem kanadischen Produzenten Poirier, ebenfalls ein Grenzgänger zwischen Tropical Bass und Urban Electro, geht Guts auf Europatournee. Am 19. November bringen sie diesen Spirit zum Superfly-Konzert: Im Flucc feiern Guts und Poirier das 15-jährige Jubiläum ihrer legendären Alben "Paradise For All" und "Running High".

Don West stammt aus Manly Beach an Sydneys Nordküste und hat sich in den letzten Jahren mit einem geschmeidigen, stilvollen Soul-Sound einen Namen gemacht. Er wuchs musikalisch auf, indem er Gitarre lernte, inspiriert von seinem Bruder. Darüber hinaus entwickelte er bereits früh seine Liebe zu klassischem Soul, Blues und R’n’B. Dass er neben der Musik auch noch ein gut gebuchtes Model ist, hört man nicht, vermag aber vor allem bei den Live Konzerten zu punkten.

"Give Me All Your Love" ist mit 10 Songs und nur 38 Minuten ein angenehm kompaktes Debütalbum geworden. Produziert wurde es zusammen mit Nathan Hawes und bewusst auf „alt“ getrimmt: Vintage-Mikrofone, Live-Feeling, Wall of Sound Reverbs, satte Bläser und mehrstimmige Harmonie. Genau diese Zutaten lassen das Album wie eine moderne Hommage an Marvin Gaye, Al Green und die Daptone-Schule wirken.

Mit "Give Me All Your Love" schafft Don West genau das, woran viele scheitern: Er reitet die aktuelle Soul-Revival-Welle, ohne bloß Retro-Karikatur zu sein. Stattdessen klingt er, als hätte er sein Element endgültig gefunden, irgendwo zwischen Küste, Club und klassischem Soul-Studio. Eines der Debutalben des Jahres.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Send It Back
• Day To Night
• Julia
• Queen Of The World
• Never Love

1993 erschien ihr Meisterstück: Sons of Soul. Schon der Titel war ein Statement - die „Söhne des Soul“, Nachfahren einer Ära, die den Sound von Marvin Gaye, Curtis Mayfield und Sly Stone im Blut hatten. Funk, Soul und Hip-Hop verschmolzen zu einem organischen, kraftvollen, zeitlosen Klang. „If I Had No Loot“ bringt den Bass zum Sprechen, „Anniversary“ ist pure Romantik, neun Minuten lang, mit Streicherarrangements, die wie ein Sonnenuntergang über der Bay Area klingen.

Mitte der 90er folgte House of Music, ein reifer, eleganter Abschluss. Danach trennten sich die Wege: Raphael Saadiq startete eine brillante Solokarriere, produzierte für D’Angelo, Erykah Badu und Solange. Doch der Geist von Tony! Toni! Toné! blieb – in jeder Basslinie, in jedem Neo-Soul-Track, der seitdem entstand. Und seit letztem Jahr tauchen im Netz immer wieder Studioaufnahmen der drei auf. Ein Revival? Vielleicht beginnt die Geschichte von Tony! Toni! Toné! gerade von Neuem.

Erst in seinen 20ern findet er auf dem Dachboden des Elternhauses eine alte Gitarre. Autodidaktisch bringt er sich das Spielen bei und veröffentlicht 2014 unter dem Künstlernamen Júníus Meyvant seine erste Single „Color Decay“. Diese wird von den Icelandic Music Awards als „beste Single“ ausgezeichnet, und er selbst als „Newcomer des Jahres“. Zwei Jahre später erscheint sein Debütalbum „Floating Harmonies“, das ihn auf Bühnen in Europa und den USA bringt. Mit seiner sinnlichen Stimme und dem leidenschaftlich warmen Klangcharakter seiner Musik erobert er Stück für Stück die Herzen seines Publikums.

Sein bisher persönlichstes Werk ist das 2022 erschienene Album „Guru“. Statt großer Orchester setzt er diesmal auf klare Melodien und seine markante Stimme, die direkt unter die Haut geht. Fans schätzen die Tiefe und Intimität seiner Songs...

Seine Musik beschreibt der Künstler selbst als „Freaky Folk Pop“ - mal orchestral mit Bläsern und Streichern, mal ganz reduziert. Charakteristisch bleibt stets seine warme, soulige Stimme. Zeitlos und gleichzeitig modern, zeigt sich auch seine neueste Single „Raining over Fire“ von seiner bisher melancholischsten Seite. Wer Júníus Meyvant live erleben möchte, hat schon bald die Gelegenheit: Am 21. November spielt er im Rahmen des Bluebird Festivals im Porgy & Bess in Wien.

Seit ihrer Gründung 2012 in Birmingham, Alabama, haben sich Paul Janeway und seine siebenköpfige Band zu einer der spannendsten Soul-Formationen der Gegenwart entwickelt. Gefeiert für ihre ekstatischen Live-Shows, den Mix aus Southern Soul, Funk und Rock’n’Roll, und Janeways unverwechselbare, Gospel-getränkte Stimme.

Nach den experimentellen Ausflügen der letzten Jahre klingt dieses sechste Studioalbum wie ein warmer Atemzug aus der goldenen Ära des Souls. Produziert von Eg White (Adele, Celine Dion) in den legendären FAME Studios in Muscle Shoals, bringen die zehn neuen Songs die Band zurück zu ihrem Kern. Handgemachter, horngetränkter Soul mit Groove, Herz und Haltung.

Tracks wie „Sushi and Coca-Cola“ oder „Ooo-Wee“ strotzen nur so vor Energie, Spielfreude. Zwischen Funk, Blues und Gospel klingt die Band so frisch, selbstbewusst und lebendig wie nie. „St. Paul & The Broken Bones“ ist kein Rückblick, es ist eine Wiedergeburt. Ein Album, das zeigt, worin diese Band am besten ist: Soul mit Seele zu spielen.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Sushi And Coca-Cola
• Fall Moon
• Ooo-Wee
• I Think You Should Know
• Nothing More Lonely
• Change A Life
• Seagulls

Es sollte allerdings noch bis zum 21. März 1846 dauern, bis Sax das entsprechende Patent für seine Erfindung erhielt. Mit diesem Patent in der Tasche war sein Erfolg aber nicht mehr aufzuhalten. 1857 nahm er eine Stelle als Saxofon-Lehrer am Pariser Konservatorium an, ab 1858 übernahm er die Position des Direktors des Bühnenorchesters der Pariser Oper. Wir springen weiter…das Saxophon war vor allem im Jazz ein wichtiges Instrument, doch später auch in anderen Musikgenres prägend, einschließlich im Pop, im Rock ’n’ Roll und in der elektronischen Musik. Doch die Virtuosität eines John Coltrane, Charlie Parker, Sonny Rollins oder Stan Getz bleiben für immer der Maßstab.

Die Staple Singers blieben nicht im Kirchenraum: Sie verbanden Gospel mit den Herausforderungen ihrer Zeit – Freedom Songs, Botschaften gegen Rassismus und Ungerechtigkeit. In den 60er-Jahren schrieb Pops Songs, die zur Stimme der Bürgerrechtsbewegung wurden. „Why (Am I Treated So Bad?)“ war einer von Martin Luther Kings Lieblingssongs, und die Gruppe trat auf seinen Kundgebungen auf - ein Teil des Soundtracks des Civil-Rights-Kampfes. Trotz Welttourneen und Chart-Erfolgen blieb die Familie eins: familiär. Nach ihrem Umzug nach Chicago war ihr Haus berühmt für Barbecue-Partys. Die Tür stand immer offen für Nachbarn, Freunde und Musiker. Pops grillte, Mavis lachte, und wer vorbeikam, bekam nicht nur Essen, sondern auch Musik. Diese Herzlichkeit spiegelt sich in ihren Songs: ehrlich, geerdet, ein Stück Zuhause.

Pops, Cleotha, Pervis, Yvonne und Mavis - deren tiefe, reife Stimme oft für die eines Mannes gehalten wurde – sangen gemeinsam. Für ihr Lebenswerk wurden die Staple Singers 1999 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen, eine Würdigung ihres jahrzehntelangen Zusammenspiels von Glaube, Soul und sozialem Bewusstsein. Heute ist Mavis Staples die letzte lebende Hauptfigur der Familie. Sie führt das Erbe als Aktivistin, Solo-Künstlerin und Brückenbauerin zwischen Generationen fort.

Ganz aktuell erscheint am 7. November ihr neues Album "Sad and Beautiful World" - ein kraftvoller, späte Beitrag einer Sängerin, die nie aufgehört hat, die Welt mit ihrer Stimme zu kommentieren. Die Staple Singers zeigen: Musik kann trösten, mobilisieren und verbinden - und Familie bleibt das Fundament.

Leonor Watling, Schauspielerin und Sängerin mit spanischen Wurzeln und Leo Sidran amerikanischer Singer/Songwriter, Produzent und Multiinstrumentalist haben seit gut 15 Jahren eine lose Verbindung. In Madrid haben sie sich immer wieder getroffen, und darüber gesprochen, gemeinsam etwas zu machen. Die Idee ließ man reifen bis man gespürt hat, dass es an der Zeit war, das gemeinsame Projekt anzugehen.

Jazz- und Soul-Anleihen, Singer/Songwriter-Sensibilität, subtile Pop-Momente.Die Zusammenarbeit der beiden wirkt deshalb nicht wie ein überstürztes Duett-Gimmick, sondern wie ein durchdachtes musikalisches Treffen zweier eigenständiger Persönlichkeiten mit gemeinsamen Interessen. Besonders auffällig ist die Leichtigkeit mit der sich die Stücke bewegen.

Die Songs auf dem Album bewegen sich thematisch zwischen Reflexion und kleinen Lebensbewegungen. Auf plakative Hooks wird verzichtet, stattdessen liegt die Qualität in der Klangfarbe, in der Stimmung, die sich ganz allgemein durch das Album zieht. Mal sanft gleitend, mal vorsichtig antreibend. Der Herbst klang selten schöner.

1966 folgt der Wechsel zu Motown, mit dem Album „This Old Heart of Mine“ gelingt der endgültige Durchbruch. 1967 erscheint „Soul On The Rocks“. Ende der 60er gründen die Isleys ihr eigenes Label T-Neck Records – der Beginn ihrer goldenen Phase: Hits wie „It’s Your Thing“, „That Lady“, „Summer Breeze“ oder „For the Love of You“ verbinden Funk, Soul und Rock und machen sie zu einer der vielseitigsten Familienbands der Musikgeschichte. Gitarrist Ernie Isley erinnert dabei mit seinen Soli an Jimi Hendrix, der tatsächlich sogar kurz mit der Band spielte.

In den 80ern bringen die Isleys den Funk auf Hochglanz, etwa mit „Between the Sheets“, einem Klassiker, der unzählige Male gesampelt wurde. Nach Verlusten und Brüchen - O’Kelly stirbt 1986, Rudolph wird Prediger - bleibt Ronald Isley das Herz der Band. Unter dem Namen Mr. Biggs feiert er ab den 90ern Comebacks mit jüngeren Künstlern. Doch zwischendurch wächst die Band wieder, als Ernie, Marvin und Schwager Chris Jasper dazukommen, 1992 kommt es zu einem neuen Zusammenkommen.

Zu Beginn des neuen Jahrtausends treten nur noch Ronald und Ernie als Isley Brothers auf. Bei Dreamworks feiern sie mit „Eternal“ und „Body Kiss“ große Erfolge. Nach dem 2006er-Album „Baby Makin’ Music“ wird es ruhiger, Ronald widmet sich zunehmend Soloprojekten. 2013 erscheint sein drittes Soloalbum „This Song Is For You“. 2023 schließt man mit dem Album „Make me say it again, girl“ eines der beeindruckendsten Kapitel der Soulmusic. Der titelgebende Song hat mit Beyoncé auch einen bekannten Gast, der es sich nicht nehmen ließ, bei diesem Album dabei zu sein. Hört rein.

Doch Melba Moore war nie nur eine Performerin. Sie setzte sich für soziale Themen ein, feierte mit Songs wie "Lift Every Voice" and Sing schwarze Kultur und Empowerment, und blieb stets ihrer Vision treu: Musik als Ausdruck von Stärke, Liebe und Hoffnung.

Heute, mit 80, steht sie immer noch auf der Bühne, veröffentlicht neue Songs und strahlt die gleiche Energie aus wie damals. Eine Frau, die Disco überlebt hat, Soul verkörpert und generationsübergreifend inspiriert. Happy Birthday!

Ihr aktuelles Album „Tuff Times Never Last“ zeigt, wie sehr sich Kokoroko weiterentwickelt haben. Es dreht sich um die Dualitäten des Lebens – um Widerstandskraft, Freude und darum, in schwierigen Zeiten Leichtigkeit zu bewahren. Der Sound ist wärmer, farbiger und verspielter als zuvor. Über elf Songs hinweg bewegt sich die Band zwischen Brit-Funk, Neo-Soul, westafrikanischer Disco, Bossa Nova, Lovers Rock und Funk.

Auch klanglich schlagen Kokoroko neue Wege ein. In der zweijährigen Entstehungsphase des Albums entdeckte die Band ihre Liebe zu Vintage-Studioequipment, MPC-Drumcomputern und psychedelischen Synth-Sounds. Das Experimentieren mit analogen Geräten prägt ihren neuen Stil – besonders in der Single „Sweetie“, einer verspielten Hommage an die Liebe und den westafrikanischen Disco-Sound. Wer den Sound von Kokoroko erleben will hat bald die Chance dazu: Am 30.Oktober spielt die Band live im Flex.

Bekannt geworden durch seine Alben „Time to Decide“ (2017) und „Planets“ (2021), präsentiert sich Al Sunny hier erstmals als Teil der Légère Recordings Family und startet damit ein neues Kapitel seiner Karriere. Aufgenommen im Heimstudio seines langjährigen Weggefährten Florian Pellissier und veredelt in Paris, klingt „Summer End“ zugleich intim und makellos. Funky Basslines, weiche Gitarren, samtige Vocals und eine feine, spätsommerliche Melancholie. 

Musikalisch bewegt sich Sunny weiterhin zwischen Steely Dan, Al Jarreau und Toto, öffnet sich aber neuen Einflüssen von Sault, Khruangbin und Tom Misch. Das Ergebnis ist ein eleganter Mix aus Retro-Vibes und modernem Soul, der leicht und dennoch tief wirkt. Mit „Summer End“ gelingt Al Sunny ein wunderbar fließendes, gefühlvolles Album. Sein erstes auf Légère Recordings, und vielleicht sogar sein bislang bestes.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Goodbye
• Why
• Summer End
• So Lonely

Ein Song, der in Zeiten von Umbruch und Aufbruch das ausdrückte, was viele fühlten: Zusammenhalt, Freude und Stolz auf die eigene Herkunft. Disco war plötzlich mehr als nur Tanzmusik, sie war Gemeinschaft. Und Sister Sledge wurden zu Ikonen weiblicher Unabhängigkeit und Brückenbauerinnen zwischen den Generationen. Es entstehen Song um Song, und alle sind sie, auch Dank der Produzenten Edwards und Rodgers zeitlose Klassiker. „Lost in Music“, „Thinking of you“ oder „He’s the greatest dancer“ haben allesamt Hitcharakter.

Das Album „We are Family“ schlägt ein und macht aus den Schwestern Sledge gefeierte Stars. Im Jahresrhythmus erscheinen weitere Alben. 1980 etwa „Love somebody today“, in den Jahren darauf „All American Girls“, „The Sisters“, „Betcha say that to all the girls“ und „When the Boys meet the girls“. Auch wenn die großen Erfolge der Singles in Zusammenarbeit mit den Chic Machern Nile Rodgers und Bernard Edwards nicht mehr erreicht werden, Sister Sledge haben bereits Kultstatus.

Mitte der 80er trennte sich Kathy Sledge von der Gruppe um eine Solokarriere zu verfolgen. Die anderen Schwestern tourten weiter, insbesondere in Europa, wo sie in den 90er ein Comeback feierten. Vor allem durch neue Remixe ihrer großen Hits. Sister Sledge sind nicht nur Disco Queens, sie sind Botschafterinnen von Gemeinschaft und Empowerment. Im Jahr 2017 starb Joni Sledge, ihre Schwestern Debbie und Kim machten zunächst noch weiter, wollten das Vermächtnis aber auch nicht ausreizen. Zu groß ist die Legende. Nile Rodgers bezeichnet die Platte „We Are Family“ übrigens als einen seiner stolzesten Momente als Produzent. Sister Sledge, forever…

Nostalgie reicht jedoch über Musik hinaus. In Mode, Kunst und Design kehrt das Vertraute zurück – Baggy Jeans, Polaroids, Vinyl. Retro wird zum Gegenmittel einer digitalen Welt und zum Verkaufsargument: „Nostalgia Marketing“ setzt auf vertraute Ästhetik, weil sie Vertrauen schafft und sich gut anfühlt. Auch Masters of the Universe erlebt ein Comeback – keine Neuinterpretation, sondern Hommage. Nostalgie schenkt emotionale Kontinuität in Zeiten ständigen Wandels.

Sie ist kein Rückschritt, sondern Remix: Jede Generation sampelt ihre Vergangenheit neu. Soul trifft Trap, Funk mischt sich mit Elektro, Vintage wird Stil. Nostalgie vereint Wandel und Erinnerung, schafft Zugehörigkeit und gemeinsame Momente.

Vielleicht wird Retro deshalb nie alt – weil es uns daran erinnert, wer wir waren und wer wir noch sind.

Bei der Produktion von „Things Gotta Change“ hat man Wert auf Wärme und organischen Klang gelegt. Weg vom klinischen, digital polierten Sound und hin zu analogen Texturen und gut gefüllten Arrangements. Dieser Ansatz verleiht dem Album eine gewisse Zeitlosigkeit: Es erinnert natürlich an Soul-Klassiker, ohne dabei aber staffelig nostalgisch zu wirken.

Thematisch bewegt sich das Album in einem persönlichen wie universellen Rahmen: Es geht um Liebe, Sehnsucht, Beständigkeit aber auch Wandel und Hoffnung. Die Single „What a Little Love Can Do“ etwa fungiert als Appell zur Empathie, gegen Hass und gesellschaftliche Spaltung.  Die Lyrics wirken dabei authentisch, jedoch nicht übertrieben pathetisch. Das verleiht  dem Album emotionale Glaubwürdigkeit.

Die Songs fügen sich zu einer harmonischen Reise. „Weight of the World“ als Opener setzt gleich zu Beginn eine schwere, nachdenkliche Stimmung, während „Bye Bye“ als Schlussstück einen versöhnlichen Ausklang bietet. In der Mitte des Albums glänzt die Single „Here to stay“ während der Titeltrack „Things Gotta Change“ in seiner Position im zweiten Teil des Albums wie ein emotionaler Katalysator wirkt.

Sladek , "Things Gotta Change", ist auf SLDK Records erschienen.

Und dann, 14 Jahre später, kam Black Messiah. Veröffentlicht nach langem Schweigen – doch mit solcher Wucht und Relevanz, dass er einmal mehr bewies: Wenn er spricht, hört die Musikwelt hin. D’Angelo mischte politische Dringlichkeit, soziale Reflexion und Funk-Soul-Ästhetik zu einem Statement, das ihn endgültig in die Riege der ganz Großen erhoben hat. D’Angelo war kein Popstar von der Stange. Er war ein Seelenarbeiter, ein Klangmaler, der mit seiner Zurückhaltung ebenso große Wirkung erzielte wie mit Intensität. Seine Stimme war samtweich und doch rau – ehrlich, direkt, unverstellt.

Er sang nie einfach über Liebe, Schmerz oder Spiritualität – er verkörperte sie. Jede Silbe war durchzogen von einem Gefühl, das nicht inszeniert, sondern erlebt war. Sein Falsett erinnerte an Prince, sein Timbre trug die Tiefe eines Al Green, doch seine Phrasierung – dieses lose Spiel zwischen Rhythmus und Melodie – war unverkennbar D’Angelo.

Immer wieder zog er sich aus der Öffentlichkeit zurück – aus Erschöpfung, aus innerer Suche, aus dem Wunsch, Musik nicht zum Zwang werden zu lassen. Doch er kehrte stets zurück, wenn die Zeit reif war. Selbst in seinen letzten Jahren zeigte er Schaffensdrang: Er arbeitete mit Raphael Saadiq an neuem Material, schrieb bis zuletzt, kündigte Auftritte an, die er wegen seiner Krankheit absagen musste. Nun ist er im Alter von 51 Jahren gestorben. The Black Messiah has left the building.

Aufgewachsen in Oakland, Kalifornien, in einer streng religiösen Familie, lernten die 4 Schwestern Bonnie, June, Anita und Ruth Pointer früh, was Harmonie bedeutet, musikalisch und familiär. Ihr Vater war Pastor, Musik gehörte zum Alltag. Diese Gospelwurzeln blieben hörbar, egal ob sie später Funk, Jazz, Country oder Disco sangen.

Mit Songs wie „Fairytale“, für den sie 1975 einen Grammy gewannen, schrieben The Pointer Sisters Geschichte – als erste schwarze Frauenband, die auf der legendären Bühne der Grand Ole Opry in Nashville, Tennessee stand. Sie verbanden Country mit Soul, Pop mit Funk – und überschritten damit nicht nur musikalische Grenzen, sondern auch gesellschaftliche. Der Erfolg wuchs, doch auch der Druck. 1977 erschien „Having a Party“, das letzte Album, auf dem alle vier Schwestern gemeinsam zu hören waren. Der Titeltrack – ein jazz-funkiger Abschied – markierte das Ende einer Ära, bevor Bonnie die Gruppe verließ, um bei Motown eine Solokarriere zu starten.

Doch das war längst nicht das Ende: Anfang der 80er kehrten Anita, Ruth und June mit dem Album Break Out zurück – und mit Songs wie „Automatic“, „Jump (For My Love)“ und „I’m So Excited“ wurde aus Comeback pure Explosion. Zwei Grammys, weltweite Tourneen – und das Gefühl, dass diese drei Stimmen einfach alles konnten.

Hinter all dem Glanz blieb immer eines im Zentrum: Familie. June kämpfte lange mit gesundheitlichen Problemen, später trat ihre Tochter Issa in ihre Fußstapfen. Und Ruth Pointer steht bis heute auf der Bühne – gemeinsam mit Tochter und Enkelin. Drei Generationen, eine Energie.

Jetzt kommt Bob James für einige exklusive Termine nach Europa - am 2. November auch nach Österreich, auf die Stadtbühne Imst in Tirol. Gerald Travnicek hat mit ihm gesprochen. Mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört!

Das genreübergreifende Sextett verfeinert auf dieser Platte seinen Signature Sound zwischen Soul, R&B, Psychedelic und lässigem Funk. Für die Produktion wählten Leisure einen neuen, organischeren Ansatz. Nach einer intensiven Tour wollten sie den Vibe ihrer Live-Shows im Studio festhalten. Weniger Drumloops, mehr echtes Zusammenspiel. Unterstützt von Streichern, Bläsern, Pianos und Backgroundsängern wächst der Sound über die ursprünglichen Bandgrenzen hinaus, bleibt dabei aber ganz klar Leisure:

Trotz der opulenten Arrangements bleibt „Welcome to the Mood“ im Herzen intim. Geschrieben an abgelegenen Rückzugsorten, spiegeln die Songs Momente der Selbstreflexion, der Verletzlichkeit und des inneren Wachstums wider. Es geht um Liebe, Verlust, Hoffnung und Sinn, Themen, die uns alle berühren, hier aber in einer Klangsprache erzählt werden, die genauso beruhigt wie beflügelt.

Klanglich bewegt sich das Album zwischen Nostalgie und futuristischem Flair, zwischen Realität und Tagtraum. Inspiriert vom architektonischen Ethos Frank Lloyd Wrights, insbesondere dessen Wüstenrefugium Taliesin West, wirkt das Album wie ein Soundtrack für den inneren Kompass. Sinnlich, zeitlos und genau richtig für einen Moment des Innehaltens.

Die umfangreichen Sammlungen des Österreichischen Filmmuseums (kurz ÖFM) von mehr als 500.000 kulturellen Objekten (Film, Fotografie, Dokumentation, digitale Sammlungen) waren seit 1982 in Einem - sich in privater Hand befindenden - Gebäude untergebracht. Bereits seit 2010 suchte das Filmmuseum nach einer Alternative für den inzwischen stark renovierungsbedürftig gewordenen Bau in der Heiligenstädter Straße 175 im 19. Bezirk, in dem 14 Mitarbeiter*innen für das Filmmuseum tätig waren. Mit dem Angebot der ART for ART Theaterservice Gmbri, im Arsenal das Objekt 19 (Bauteil A) aufzustocken und damit auf insgesamt ca. 1.500 m Fläche neu adaptierte und zweckmäßig ideal ausgestattete Räumlichkeiten für ein neues Museumsdepot und digitales Laboratorium des Filmmuseums zu schaffen, lag 2021 erstmals eine realisierbare und attraktive Alternative vor.

Vater Joe Jackson, Kranführer, erkennt früh das Talent seiner Kinder. Aus der kleinen Wohnung der Jacksons klingt Soul und R’n’B bis spät in die Nacht. Zunächst steht Jermaine als Leadsänger vorn, begleitet von Tito und Jackie – doch bald stiehlt der fünfjährige Michael allen die Show: mit klarer Stimme und unglaublicher Bühnenpräsenz. 1969 unterschreiben die Jackson 5 bei Motown Records. Gleich die erste Single I Want You Back stürmt auf Platz 1 der Billboard-Charts – es folgen vier weitere Nummer-1-Hits. Ihr Sound: Michaels kindliche Brillanz, Jermaines reifes Timbre und die harmonische Energie der Brüder.

Doch der Erfolg hat seinen Preis. Vater Joe regiert mit eiserner Hand – Disziplin, Drill und kaum Kindheit prägen die Brüder. Zwischen Michael und Jermaine entsteht ein Spannungsfeld aus Rivalität und Loyalität, das die Medien weiter befeuern. Trotz Konkurrenz bleibt das Band stark: Jermaine verteidigt Michael bis zu dessen Tod.

Die Jackson 5 schrieben Popgeschichte – sie verbanden Soul, Funk und Pop zu jugendlicher Energie, die bis heute wirkt. Doch hinter dem Glanz standen Opfer und Schmerz. Genau diese Ambivalenz macht ihre Geschichte so faszinierend: Ein Familienmärchen, das bis heute fasziniert – und mahnt.

Produziert von Langzeit-Kollaborateur Leon Michels (El Michels Affair), bewegt sich "Cover Girl" stilistisch zwischen goldenem 70s-Soul, Disco-Vibes, 90s-R&B, Hip-Hop-Einflüssen und einer guten Portion Gospel. Alles zusammengehalten von Lady Wrays unverwechselbarer, warm-vibrierender Stimme.

Nach dem eher nach innen gerichteten "Piece of Me", wirkt dieses neue Werk wie ein Aufatmen. Es ist mutiger, lauter, verspielter und dabei tief persönlich. Lady Wray singt vom Loslassen, von Heilung, von Familie und von der Rückbesinnung auf das eigene Ich.

Lady Wray ist nicht nur stimmlich in Höchstform: sie weiß, wer sie ist und was sie sagen will. "Cover Girl" steht für Selbstermächtigung, für das Feiern des Lebens und für die Rückkehr zu einer inneren Mitte, die lange gesucht wurde.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Time
• You’re Gonna Win
• My Best Step
• Where Could I Be
• Cover Girl
• What It Means

Ihre Karriere nahm Fahrt auf, als sie Soul-Legende Curtis Mayfield begegneten. Auf seinem Label Windy City erschien 1966 ihre erste Single „You Waited Too Long“, die es direkt in die R&B-Charts schaffte. Schon ein Jahr später folgte das Debütalbum "The Five Stairsteps". 

Bald wechselte die Gruppe zu Buddah Records. 1968 erschien Our Family Portrait, ein Album, das den Beinamen der Band prägte: „The First Family of Soul“. Und dann kam der große Durchbruch: Im Frühjahr 1970 veröffentlichten die Five Stairsteps ihren bekanntesten Song „O-o-h Child“. Geschrieben von Stan Vincent, wurde er ein Welthit, erreichte die US-Top Ten und verkaufte sich millionenfach. Bis heute gilt er als zeitloser Soul-Klassiker, der in Filmen, Serien und auf Bühnen weltweit präsent ist.

Trotz des Erfolgs blieben die Burkes bodenständig. Vater Clarence lehnte sogar ein Angebot von Motown ab – jenem Label, das kurz darauf die Jackson 5 unter Vertrag nahm. Zu ihnen kommen wir nächste Woche.

Nach einigen Jahren rückten andere Werte in den Vordergrund und die Gruppe löste sich auf. Nur Keni Burke führte seine Karriere fort – sehr erfolgreich: als Solokünstler, als Musiker im Umfeld von George Harrison und Billy Preston sowie als Produzent für Größen wie George Benson oder Diana Ross. Sein Song „Risin’ to the Top“ zählt bis heute zu den meistgesampelten Tracks in Funk und Hip-Hop.

Und auch wenn später oft die Jackson 5 als „First Family of Soul“ bezeichnet wurden – eigentlich gebührt dieser Titel den Five Stairsteps aus Chicago, die den Soul der 60er und 70er entscheidend geprägt haben.

Musikalisch bewegt sich „Neither Up Nor Down“ fernab von bombastischen Arrangements oder überbordenden Produktionen. Vielmehr setzt Dekker auf eine reduzierte Instrumentierung: akustische Gitarren, sparsame Begleitung und gelegentliche sanfte Perkussion-Elemente. In dieser Zurückhaltung liegt seine Stärke. Der Song „Let Me Take You“ etwa zeigt Dekkers Stimme im Mittelpunkt, getragen und ausdrucksvoll, begleitet von leichtem Gitarrenklang und ruhiger Rhythmik.

Dekker gelingt es in diesen Songs immer wieder, das scheinbar Unaussprechliche in Klang zu verwandeln, Momente des Innehaltens, des Zweifelns, des Suchens. Andere Stücke, wie etwa „Change The Chord“, greifen Motive von Veränderung und innerem Konflikt auf, ohne je in  ein Klischee abzurutschen.  In „Not Feeling Up“ etwa klingt eine direkte Verlorenheit an, die man selten so nüchtern vorgetragen hört.

Mit „Neither Up Nor Down“ liefert Dekker ein durch und durch nachdenkliches Werk ab, eins, das nicht laut sein will und sich in den Mittelpunkt drängt, sondern beobachtend, im Raum dazwischen. Wer sich auf diesen Klangraum einlässt, wird reich belohnt: mit Momenten der Einsicht, mit kaum betontem Pathos und mit einer Stimme, die Spuren hinterlässt. Kein Wunder also, dass Fans von Radio Superfly, das Unaufdringliche und Nachdenkliche schätzen. In einer Welt, wo Lärm bestimmend ist, sollte man tunlichst darauf achten, zur Ruhe zu kommen.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Let Me Take You
• The Dove
• Not Feeling Up
• Change The Chord
• Familiar Beat
• In My Mind
• Today

Um genau darüber zu sprechen, haben wir einen besonderen Interview-Gast: Dr. Georg Delle-Karte. Er ist erfahrener Kardiologe und Experte für Herzgesundheit. Gemeinsam werfen wir einen Blick darauf, was unser Herz stark hält, wie wir Risikofaktoren frühzeitig erkennen können und welche kleinen Veränderungen im Alltag einen großen Unterschied machen können.

www.klinik-floridsdorf.gesundheitsverbund.at/leistung/kardiologie-abteilung

Doch Holybrune ist weit mehr als nur die Feature-Stimme in einem Funk-Universum. Geboren und aufgewachsen in Frankreich, ist sie Sängerin, Songwriterin und Produzentin – mit einer klaren, eigenen Vision. Glamourös, artsy, hypnotisch. Ihre Musik verbindet französisches Chanson mit Pop, Soul, Funk, Jazz und elektronischen Einflüssen. Ein neuer Atemzug für den French Pop. Ihr Weg begann 2017 mit ihrer ersten EP. Parallel dazu wurde sie auf Instagram sichtbar. Heute folgen ihr über 70.000 Menschen, die sie mit Performances, Studio-Einblicken und Momenten aus ihrem Leben als unabhängige Künstlerin begleitet.

Dabeull war für sie ein wichtiger Partner, ein Verstärker ihres Talents. Doch längst steht Holybrune auf eigenen Beinen....hört rein!

Die Hände der Frauen in meiner Familie waren nicht zum Schreiben bestimmt

Zsolnay, 144 S.

Mit ihrem zweiten Album The Art Of Loving (VÖ: 26. September) knüpft sie nun an das hochgelobte Debüt Messy an, das 2023 für den Mercury Prize nominiert war. Wo der Vorgänger vor allem die Brüche und Unsicherheiten des Erwachsenwerdens vertonte, wagt Dean diesmal ein radikales Liebesmanifest. Es geht um die vielen Facetten von Liebe: romantisch, freundschaftlich, selbstbewusst oder verletzlich.

Die bisher veröffentlichten Singles zeigen, wie vielschichtig dieses Projekt ist: Nice to Each Other, ihre erste Top-10-Single in UK, spielt mit der Leichtigkeit des Datings. 

"The Art Of Loving" klingt nach modernem Soul mit Pop-Appeal, warmen Grooves und Deans unverkennbarer Stimme. Ein Album, das 2025 nicht nur die britische Szene prägen, sondern auch international einen bleibenden Eindruck hinterlassen wird. 

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Nice To Each Other
• Man I Need
• Lady Lady

Doch Frieden wird nicht nur an einem Tag gefeiert. In Deutschland erinnert der Antikriegstag am 1. September an den Beginn des Zweiten Weltkriegs, während die katholische Kirche den Weltfriedenstag am 1. Jänner mit einer Botschaft des Papstes begeht. Jedes Jahr steht der UN-Tag unter einem neuen Motto. 2025 heißt es: „Act Now for a Peaceful World“. Die Botschaft: Frieden beginnt bei jedem Einzelnen – im eigenen Umfeld, in der eigenen Gemeinschaft, in kleinen wie großen Handlungen.

Aber was bedeutet Frieden eigentlich für die Menschen selbst? In einer Straßenumfrage haben wir nachgefragt, wie jeder von uns den Frieden lebt und was er für jeden Einzelnen bedeutet. Denn letztlich gilt: Frieden ist nicht nur ein globales Ziel, sondern auch eine persönliche Verantwortung.

Im Iran warfen wir einen Blick zurück in die 1970er – eine Zeit, in der in Teheran Funk, Psychedelic Rock und Soul blühten. Künstler*innen wie Googoosh, Farhad und Afshin Moghaddam verbanden persische Poesie mit westlichem Sound … bis die Revolution kam und viele Stimmen verstummten. Doch heute lebt dieser Sound wieder – im Netz, im Exil und in der Erinnerung. Aus Somalia brachte die Dur Dur Band mitreißenden Groove in die Welt. Funky, kosmopolitisch – Mogadischu in den 1980ern war ein musikalischer Hotspot, dessen Sound heute wiederentdeckt wird und als Hoffnungsträger für eine postkonfliktuelle Kultur gilt.

Japan überraschte uns mit City Pop, dem optimistischen Sound der boomenden 80er. Zwischen Disco, Jazz und Soft-Rock spiegelte er das urbane Lebensgefühl in Neonfarben wider. Wiederbelebt durch das Internet erlebt City Pop heute ein digitales Comeback – nostalgisch und futuristisch zugleich. Wir waren außerdem noch in Thailand, auf der Insel La Réunion, in Lettland, in Brasilien und schließlich wieder in Europa, in Belgien. „Mit Superfly um die Welt“ war nicht nur eine musikalische Reise.

Es war eine Sammlung klanglicher Geschichten – ein Mosaik aus Erinnerungen, Kämpfen, Träumen und Rhythmen. Wir danken euch fürs Mitreisen und Zuhören.

"Juniper" entstand in einer Phase des Umbruchs. Joy spricht offen über mentale Krisen, queere Liebe, Selbstzweifel und den Druck der Musikindustrie. Und sie tut das mit entwaffnender Ehrlichkeit. „Ich war am Boden“, sagt sie selbst über den Ausgangspunkt für das Album. Der Titel "Juniper", benannt nach dem widerstandsfähigen Wacholderstrauch, steht sinnbildlich für ihren Weg: tief verwurzelt, kämpfend, aber immer weiterwachsend.

Der Sound ist organisch, atmosphärisch und doch direkt. Joy Crookes beweist: Verletzlichkeit ist eine Stärke. Ihre Texte sind mal melancholisch, mal humorvoll, aber immer authentisch.

Joy Crookes bringt mit "Juniper" kein generisches Pop-Produkt, viel mehr ein persönliches Statement. Es ist eine Ode an Selbstfindung und Verletzlichkeit.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• I Know You’d Kill
• Somebody To You
• Perfect Crime

Entstanden Ende der 60er in Ostende, wurde der Sound 1969 im Café Popcorn bei Antwerpen groß. DJs wie Freddy Cousaert und Gilbert Govaert pitchten alte Soul-, Ska- und Rhythm-&-Blues-Platten langsamer, damit der „Slow-Swing“-Tanzstil passte. Schon bald kamen Tausende zu den wöchentlichen Partys – so viele, dass sogar auf Parkplätzen getanzt wurde.

Popcorn war keine eigene Musikrichtung, sondern eine Subkultur, geprägt von DJs und Tänzer:innen. Von R&B über Soul bis zu Latin oder Broadway war alles erlaubt – solange es in das spezielle, schläfrige Tempo passte. Popcorn-Partys boten außerdem einen der ersten Räume, in denen auch gleichgeschlechtliche Paare offen tanzen konnten.

Die Szene blieb fast ausschließlich auf Belgien beschränkt. Während in England Northern Soul boomte, entwickelte sich hier das eigenwillige „Belgian Popcorn“. Nach rund zehn Jahren flaute der Hype ab – doch der Sound gilt bis heute als eine der letzten echten Underground-Bewegungen Europas.

Das Album wurde vollständig von Curtis Harding selbst produziert, aufgenommen im Electric Deluxe Recorders in Austin, dem Studio von Adrian Quesada von den Black Pumas. Diese Entscheidung markiert eine bewusste Rückkehr zur kreativen Unabhängigkeit und ermöglicht ihm, seine Vision in vollen Zügen zu entfalten.

Der Sound ist opulent und facettenreich: spaceFunk, barocke Pop-Arrangements, psychedelische Rockmomente, getragen von Hardings rauer Soulstimme und markanten Gitarrenklängen. Besonders beeindruckend sind die orchestralen Streicherarrangements von Steve Hackman, die eine filmisch-galaktische Dimension eröffnen.

Im Kern ist das Album ein Spiegel von Hardings Gefühl der Entwurzelung, "Because I’m away from home so much of the time", das sich im Konzept des verloren gegangenen Astronauten manifestiert. Diese Metapher schafft eine starke emotionale Verbindung. »Adventures of Captain Curt« verschmilzt den üppigen Umfang einer Weltraumoper mit dem reinen Gefühl des klassischen Souls und verleiht seinem wild eklektischen Sound damit eine noch größere Kraft.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• There she goes
• True love can’t be blind
• Banh mi
• Time
• The Power
• The Winter Soldier
• Running out of space

Mit ihrer genreübergreifenden Mischung aus R’n’B, Soul, Trap und elektronischen Elementen schafft lordkez einen ganz eigenen Sound. Mal haucht sie poetische Verse mit zarter Intimität, dann überrascht sie mit kraftvollen Crescendi oder einem lässigen Rap-Part in rauer Tonlage. Diese Vielseitigkeit hat ihr bereits den South African Music Award für das beste R’n’B/Soul-Album eingebracht und sie auf die größten Bühnen des Landes geführt. 

lordkez ist Sängerin, Songwriter, Poetin und visuelle Künstlerin zugleich, eine echte Polymathin, wie sie selbst sagt. In ihrem Schaffen verschmelzen Klang, Bild und Sprache zu einer Kunstform, die schwer in Schubladen passt. „Genres sind langweilig“, sagt sie in Interviews, „ich mache Fusionsmusik. So wie ich fühle, so wie ich wachse.“ 

Aufgewachsen zwischen der südafrikanischen Stadt Kimberley und Abu Dhabi, bringt sie eine globale Perspektive in ihre Kunst ein. Inspiration findet sie nicht nur in Ikonen wie Erykah Badu, sondern vor allem in ihrem Alltag, in ihrer Familie und in den Menschen um sie herum. Ihr Ziel: „Ich will heilen, wachsen und andere dazu inspirieren, dasselbe zu tun.“ 

Mit ihrem neuesten Album „You, Me & the 90s“ zeigt lordkez, wie sich 90er-Vibes frisch und zeitgemäß erzählen lassen. Damit festigt sie ihren Platz als eine der spannendsten Stimmen der südafrikanischen New Wave-Szene. Jung, selbstbewusst und voller Zukunft. 

Schon immer war die Schule nicht nur ein Ort für Hausaufgaben, sondern auch für erste Bandproben, geteilte Kopfhörer-Momente und den Sound der Teenagerjahre. Von den Jackson 5 über Falco bis zu Cat Stephens – Musik hat Schule immer wieder zum Thema gemacht. Ob Protest gegen strenge Lehrer, Nostalgie an die Jugend oder Hymnen fürs Erwachsenwerden: Schule war und ist ein wiederkehrendes Motiv in der Popgeschichte. Und auch wir haben die passenden Tunes, um die Schultasche ein bisschen leichter zu machen...vorrausgesetzt ihr hört rein.

Entstanden ist ein Album, das nicht nur glitzert und glänzt, sondern auch Ecken und Kanten zeigt. Laufey erlaubt sich, über Freundschaften, die zerbrechen, über die Angst vor Nähe und über das eigene Spiegelbild zu singen. Das Ganze macht sie mit Humor, Selbstironie und jeder Menge Gefühl. Unterstützt von ihrem langjährigen Produzenten Spencer Stewart und Aaron Dessner von The National schafft sie einen Sound, der größer, mutiger und vielseitiger ist als zuvor.

Dabei ist "A Matter of Time" mehr als nostalgische Zeitreise: Laufey spielt virtuos mit den Traditionen des Great American Songbook, bricht sie auf, interpretiert sie neu und macht daraus eine Musik, die gleichermaßen zeitlos und absolut zeitgemäß klingt. Ein Album zum Eintauchen, Mitsummen und Mitfühlen, denn Laufey ist gekommen, um zu bleiben.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Lover Girl
• Mr. Eclectic
• Clockwork

2006 wurde sie im legendären Village Underground Club in Manhattan entdeckt und bei Def Jam unter Vertrag genommen. Kurz darauf arbeitete sie mit Künstlern wie Jay-Z und Nas zusammen, bevor sie 2007 ihr Debütalbum I Am veröffentlichte. Mit der Single „If I Have My Way“ erhielt sie eine Grammy-Nominierung, den Grammy selbst gewann sie 2009 mit „Be OK“ (feat. will.i.am).

Ihr zweites Album Epiphany stieg direkt auf Platz 1 der US-Charts ein. Seitdem hat Chrisette Michele fünf Studioalben veröffentlicht und bleibt mit ihrem genreübergreifenden Mix aus R&B, Soul, Jazz und Gospel eine feste Größe in der Musikwelt. Mit ihren tiefgründigen Texten und ihrer kraftvollen Stimme ist Chrisette Michele ein Name, den man nicht vergisst.

www.dieschlafcoachin.at

In den 80ern und 90ern zeigte sie, dass sie mehr ist als nur eine Ausnahmestimme: Sie schrieb und produzierte mit, schuf Ohrwürmer wie Encore (22 Wochen in den R&B-Charts, Platz 1!) und arbeitete mit Größen wie Luther Vandross. Selbst im neuen Jahrtausend stand sie noch regelmäßig auf der Bühne – von Japan bis L.A.

Heute gilt Cheryl Lynn als Ikone von Disco und Soul. Mit einer Stimme, die zugleich kraftvoll, klar und voller Emotion ist, inspiriert sie bis heute neue Generationen von Künstler:innen.

1980 wurde sie Aushängeschild der sowjetischen Plattenfirma Melodija und trat beim Sopot-Festival in Polen auf. Ihr Soloalbum Viena diena manā mūžā (Ein Tag in meinem Leben), mit Songs von Pauls und Zigmars Liepiņš – ihrem späteren Ehemann –, gilt heute als Meilenstein des lettischen Pop. Doch Zīvere ist weit mehr als Sängerin: Sie wurde Theater- und Opernregisseurin, Produzentin und Unternehmerin, gründete ihre Agentur Muza und inszenierte große Opern und Rockopern.

Nach langer Pause kehrte sie zurück – mit derselben Präsenz wie früher. Eine Künstlerin, die Wandel und Haltung verkörpert und deren Stimme unvergessen bleibt: Lettlands Pop-Ikone Mirdza Zīvere.

Das Lied wurde zu einer sehr turbulenten Zeit in Amerika veröffentlicht, wo viele Demonstrationen und Aufstände für die Civil Rights Bewegung stattfanden. Viele sahen die Aussage "Dancing in the Street" als eine Aufforderung, auf die Straßen zu gehen und sich bemerkbar zu machen, wodurch der Song mit der Zeit zu einer richtigen Hymne für die Bewegung wurde. Ob das gewollt war oder nicht, ist nicht ganz klar.

Martha Reeves sah den Song eher als einfachen Party-Song, der nichts Größeres bedeuten sollte, während Marvin Gaye nichts dagegen gehabt hätte, dass seine Musik viele Menschen bewegt. Zusätzliche Bekanntheit erlangte der Song durch zahlreiche Cover-Versionen. Die wohl bekannteste ist die von Mick Jagger und David Bowie, die sie aufgenommen haben, um Geld für die Life Aid-Hungerhilfe zu sammeln. Das Cover war ein Hit und stürmte die Charts. Ivy Joe Hunter, der das Original schrieb, meinte sogar, dass er in den zwei Jahren, nachdem das Cover herauskam, mehr Geld mit dem Song verdient hat, als in den 20 Jahren zuvor. Weitere Cover-Versionen stammen zum Beispiel von der amerikanischen Rockband Van Halen oder der Folkband The Mamas & the Papas.

Dancing in the Street hat allemal das Zeug dazu, jeden auf der Straße dazu zu bringen, plötzlich loszutanzen. Gerade an einem heißen Sommertag, wie damals in Detroit in den 60er Jahren, bringt der Song Leichtigkeit und Freude.

Entstanden ist das Album auf Tour. Spontan, ungefiltert, immer aus dem Moment heraus. Batiste traf Artists unterwegs, ging mit ihnen ins Studio, und was passierte, wurde direkt auf Band eingefangen. Diese Unmittelbarkeit macht Big Money so besonders: jedes Stück klingt nach purer Gegenwart und gleichzeitig nach tiefer Verwurzelung in der Musikgeschichte.

"Big Money" ist nicht nur musikalisch, sondern auch kulturell ein Statement. Batiste sieht das Album als Teil eines „Repatriation Process“. Also einer Rückführung kultureller Schätze zu ihrer Herkunft.

Jon Batiste erinnert uns daran, dass Blues, Soul & Rock’n’Roll das Erbe einer Schwarzen Bevölkerung sind. Mit "Big Money" feiert er diese Wurzeln, und das klingt nicht nur sehr gut, das ist auch wahnsinnig wichtig und richtig.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Big Money
• Lean On Me (feat. Andra Day)
• Do It All
• At All
• Lonely Avenue (feat. Randy Newman)

Geboren 1953 in Bengasi. Erst Mundharmonika, dann Gitarre, Bass, Klavier. Schließlich Oud, Saz, Mandola. Westliche und östliche Instrumente – er beherrscht sie alle. In den 70ern: England. Dort lernt er die Studioproduktion, trifft Musiker mit Reggae, Rock und Funk im Blut. Er hört Bowie, Eno, Kraftwerk, Fela Kuti – und bleibt doch tief in der arabischen Tradition verankert. Das Ergebnis? Revolutionär.

In den 80ern: Paris. Dort entsteht sein Meisterwerk „Mots d’amour“ – Synthpop trifft arabischen Folk, französische Eleganz trifft libysches Lebensgefühl. Der Hit „Soleil Soleil“ läuft im französischen Radio, mit Videoclip von Jean-Baptiste Mondino. Und doch bleibt er außerhalb des frankophonen Raums lange ein Geheimtipp. Warum? Libyen. Sanktionen. Isolation. Keine Tourneen. Kein Durchbruch...

Jahrzehnte später: DJs und Sammler graben seine Platten wieder aus. Remixe, Reissues, neue Fans. Plötzlich gilt: Fakroun war seiner Zeit nicht nur voraus – er ist immer noch brandaktuell. Denn Ahmed Fakroun war nie einfach nur Sänger. Nie nur Produzent. Er war Architekt einer Klangwelt, die er fast im Alleingang gebaut hat. Musik, die heute klingt, als wäre sie gestern entstanden. Ein arabischer Prince? Ein libyscher Gainsbourg mit noch mehr Soul? Vielleicht. Vor allem aber: einzigartig!

Musikalisch verneigt sich „Summertime Blue“ vor dem Soul der 70er. Josh Lattanzis Bass, Shawn Peltons feine Drums und ein Streicherarrangement von Dave Eggar und Chuck Palmer schaffen das Fundament, über dem sich die Stimmen von Jones und Legend verweben – intim, warm und zeitlos.

Ein Song, der den Sommer nicht laut feiert, sondern ihn zart in Erinnerung trägt – voller Wärme, Freude und dem Gefühl, dass er in uns nachklingt.

Als Session- und Tour-Gitarrist arbeitete der aus Los Angeles stammende Bereal bereits mit einer Vielzahl an Größen wie Janet Jackson, Mary J. Blige, Diddy, Snoop Dogg, Jay-Z, Beyoncé, Raphael Saadiq und vielen weiteren. Durch seine Vielseitigkeit, von Gospel über Soul bis Hip-Hop, wurde er zu einem der gefragtesten Musiker in der Branche. Mit „Walk with the Father“ präsentiert er einen hocherotischen Soulvibe der 70er Jahre.

Der Albumtitel kommt nicht zufällig. Er ist eine Hommage an seinen verstorbenen Vater, einem Mann mit vielen Rollen: Prediger, Boxer und Vorsitzender der NAACP in Pasadena. In Gesprächen betont Bereal, dass dieses Album der Ausdruck dessen ist, wer er wirklich ist, ganz im Stil und im großen Erbe seines Vaters. Vielleicht ist auch deshalb die Soundästhetik so, wie sie ist.

„Walk With the Father“ ist ein stilvolles, emotionales Debüt, das Charlie Bereals Wurzeln, seine Musikalität und seine persönliche Geschichte kraftvoll verbindet. Aus dem musikalischen Schatten großer Produktionen tritt er als Soul-Künstler hervor, mit charakterstarker Stimme, organischem Sound und fesselnder Stofflichkeit. Es ist das Album, das sein Vater sich gewünscht hätte - und wir auch.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Hope
• Walk with the father
• Keep it Pushing
• Don’t want to get up
• Come go with me

Der Name stammt vom madagassischen maloy aho – „aussprechen“ oder „plaudern“. Unverkennbar ist der hypnotische 6/8-Rhythmus, gespielt auf Trommeln wie der Roulèr, die dem Sound seinen wellenartigen Fluss verleiht – mal wiegend, mal antreibend. Dazu kommen das metallene Kayamb, geschüttelt wie eine Maraca, und die Pikèr, ein Schlagholz. Kein Bling, keine Elektronik – nur rohe Energie, tiefe Emotion und oft improvisiert im Moment.

Über Jahrzehnte wurde Maloya von den französischen Kolonialbehörden als „subversiv“ verboten, zu eng war seine Verbindung zu politischer Unabhängigkeit und kreolischer Selbstbestimmung. Erst in den 1980ern durfte er wieder frei erklingen. Besonders spannend sind jedoch die Jahre 1975–1985, als Maloya sich von seinen Fesseln befreite und zur dominierenden Musik La Réunions wurde. Das englische Label Strut widmete dieser Aufbruchsstimmung die empfehlenswerte Compilation Ote Maloya.

Mitte der 1970er begann eine neue Künstlergeneration, traditionelle Lieder mit poetischen Texten, westlichen, afrikanischen und indischen Instrumenten sowie Jazz-, Funk-, Rock- und Psychedelia-Elementen zu verbinden – und brachte Maloya in die Mitte der Gesellschaft. Heute ist er UNESCO-Welterbe, Symbol kulturellen Überlebens und musikalischer Innovation.

Musikalisch verzichtet "Beloved" fast vollständig auf moderne R&B Klischees. Stattdessen dominieren warme Streicher, echte Drums und liebevoll arrangierte, oft nostalgisch anmutende Instrumentals. Givēon zitiert damit bewusst den Sound großer Vorbilder wie Al Green oder Mary J Blige, gleichzeitig bleibt seine Perspektive jedoch zeitgenössisch, ehrlich und persönlich.

Ein herausragender Moment des Albums ist „Twenties“. Der Song trifft einen Nerv bei Hörerinnen und Hörern aller Altersgruppen. Es geht um das Gefühl, Liebe, Zeit und Energie in jemanden investiert zu haben, der es nicht verdient hat, und die Erkenntnis, dass man seine besten Jahre dabei verloren hat. Eine bittere Wahrheit, die vielen aus dem Herzen spricht.

Auch „Rather Be“ bleibt im Gedächtnis. Givēon schildert darin die paradoxe Sehnsucht, lieber in einer ungesunden Beziehung zu bleiben als allein zu sein. Die minimalistische Produktion legt den Fokus ganz auf seine Stimme und den inneren Konflikt, der in jeder Zeile spürbar wird. "Beloved" ist kein lautes Album, aber ein nachhaltiges. Ein Album zum Fühlen und zum Nachdenken.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Rather Be
• Backup Plan
• Avalanche
• Twenties
• Numb

Schon früh war klar: Dieser Mann würde nicht bloß spielen. Er würde formen, verändern, aufbrechen. Während andere die kubanischen Wurzeln des Latin Jazz bewahrten, dekonstruierten Eddie Palmieri und seine legendäre Band Harlem River Drive in den 1960er-Jahren die gängigen Strukturen. Er tauschte glänzende Trompeten gegen donnernde Posaunen. Er verschmolz Clave-Rhythmen mit Jazzharmonien, mit politischem Bewusstsein, mit purer Energie. Seine Musik war nie nur für die Tanzfläche gedacht. Palmieri wollte, dass Menschen spüren, was möglich ist – wenn man Freiheit ernst nimmt.

Sein selbstbetiteltes Album „Harlem River Drive“ von 1971 war nicht nur Musik – es war ein Manifest: Ein urbanes Gebet zwischen Soul, Funk und Latin Jazz, mit Texten über Ungleichheit, Rassismus und Widerstand.

Der Mann, den Fans liebevoll „The Sun of Latin Music“ nannten, war einer der ersten Latin-Musiker, die einen Grammy gewannen – und er sollte viele weitere erhalten. Doch wichtiger als Auszeichnungen war ihm immer die Verbindung: Zu seiner Community, zur Diaspora, zu den spirituellen und musikalischen Traditionen, die seine Kunst durchzogen – Yoruba, Santería, Jazz, Salsa, Soul. Palmieri war ein Suchender. Einer, der sich nie mit dem Bekannten zufriedengab.

In den 70er- und 80er-Jahren wagte er sich an experimentelle Werke wie „Lucumi, Macumba, Voodoo“ und schuf dichte, mystische Klanglandschaften zwischen Spiritualität und Avantgarde. In über sieben Jahrzehnten musikalischen Schaffens wurde Eddie Palmieri zur Institution. Doch er blieb immer ein Unruhestifter – einer, der lieber neue Wege ging, als alte Erfolge zu wiederholen. Sein Spiel – kraftvoll, perkussiv, fast eruptiv – hat Generationen geprägt: Von Latin-Jazz-Pianisten bis zu Hip-Hop-Produzenten, von Salsa-Orchestern in Cali bis zu Jazzclubs in Wien. Jetzt ist seine letzte Note verklungen.

Was bleibt, ist ein Werk von unermesslichem Reichtum. Ein Feuer, das weiter brennt: In Aufnahmen, in Samples, in Erinnerungen. In jeder verschwitzten Nacht, in der seine Musik den Dancefloor übernimmt. Gracias, Maestro Eddie Palmieri.

Die Wurzeln reichen tief in den Nordosten Thailands. Molam und Luk Thung – Volksmusikstile voller Geschichten, überliefert von Generation zu Generation – treffen auf Soul, Funk und Psychedelia, die mit US-Soldaten während des Vietnamkriegs ins Land kommen. Die Musik von James Brown, Aretha Franklin, Curtis Mayfield liegt plötzlich in der Luft.

Daraus wächst etwas Eigenes. Keine Kopie des Westens, sondern eine Fusion. Produzenten wie Theppabutr Satirodchompu experimentieren mit neuen Klängen und mischen sie mit traditionellen Tonfolgen. Im Zentrum dieser Bewegung stehen Stimmen wie die von Pumpuang Duangjan. Ihre Lieder tragen Geschichten aus dem bäuerlichen Leben ins Radio, verpackt in Arrangements, die grooven, die glitzern, die swingen. Irgendwo zwischen Thai Funk, Soul und feministischer Landhymne.

Sroeng Santi kombiniert psychedelische Gitarren mit südostasiatischem Groove, Plearn Promdan lässt Funk tanzen und fliegen, während The Impossibles internationalen Pop-Appeal wagen – bis hin zu englischsprachigen Alben. Doch der Sound verschwindet fast so schnell, wie er gekommen ist. In den 1980ern dominieren synthetische Schlager die Charts, Thai Funk gerät in Vergessenheit. Viele Originalpressungen landen auf Märkten, verstauben auf Böden. Bis ein DJ in Bangkok beginnt, diese Vergangenheit wieder hörbar zu machen. Maft Sai. Er gräbt alte Singles aus, restauriert sie, gründet ZudRangMa Records. Seine Compilations wie „Thai Funk ZudRangMa“ oder „The Sound of Siam“ machen den Funk aus Thailand wieder hörbar, diesmal weltweit.

Heute läuft Thai Funk in Clubs von Berlin bis Brooklyn – nicht als Retro-Kuriosität, sondern als fester Teil der globalen Funkgeschichte. Ein Echo aus der Vergangenheit, das noch immer pulsiert.

Philip Krömer

Kumari

Septime, 216 S.

Emi stammt aus Memphis, einer Stadt, in der Soul keine Stilrichtung ist, sondern ein Teil der Identität. Dort, wo Musik aus Wohnzimmern genauso klingt wie von der Bühne, hat sie ihre Stimme gefunden. Bevor sie selbst ins Rampenlicht trat, sang sie an der Seite von Künstlerinnen wie Christina Aguilera und Macy Gray. Besonders die Zeit mit Macy Gray hat sie geprägt. Studio-Sessions wurden zu kreativen Feiern, bei denen das Echte zählte. Diese Haltung zieht sich bis heute durch ihre Musik.

Einer der stärksten Momente auf dem Album ist der Song "Ain’t Enough". Hier erzählt Emi davon, wie sie ihre Stimme gefunden hat. In einer Welt, in der Frauen oft klein gehalten werden, bringt sie mehr mit als viele sehen wollen. Während andere mit dem Minimum durchkommen, ist das für sie einfach nicht genug.

Colors of Love ist kein Album zum Nebenbeihören…es lohnt sich wirklich hinzuhören! Es ist ein Statement. Kraftvoll, verletzlich und lebendig. Eine Einladung, Liebe in all ihren Farben zu fühlen.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• 72 Hours (feat. Samoht)
• Trill Love
• My Money My Man
• Lucky
• Ain’t Enough
• It’s Gotta Be
• Ruby Blue (feat. Juicy J)

Was „Summer Madness“ so besonders macht, ist dieser psychedelisch-verträumte Sound. Vor allem der Synthesizer zieht sich wie ein roter Faden durch das Stück. Musik wie ein heißer Sommertag – langsam, träge, aber voller Atmosphäre. Man sagt, die Band nahm den Song in einem relativ spontanen, fast meditativen Jam auf. Keine großen Arrangements, kein festes Konzept. Einfach: Stimmung einfangen. Und das ist ihnen gelungen.

Der Track wurde nicht nur ein Klassiker, sondern auch ein Lieblingssample der Hip-Hop-Welt. „Summertime“ von DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince – ein echter Sommerhit aus den 90ern, der den Vibe des Originals einfängt und ihm die Prise 90s Hip-Hop hinzufügt. Aber auch Künstler wie Ice Cube oder Erykah Badu haben sich an dem Sound bedient – kein Wunder, denn „Summer Madness“ klingt heute noch genauso zeitlos wie vor 50 Jahren Und doch bleibt das Original einzigartig. Keine Lyrics, keine Hook – nur Klang. Ein musikalisches Bild eines Sommertages, eingefangen in knapp vier Minuten.

Ob im Auto bei offenem Fenster, auf dem Balkon in der Abendsonne oder mit Kopfhörern beim Herumträumen – dieser Track ist wie ein musikalischer Ventilator für die Seele. Kool & the Gang – Summer Madness. Ein Instrumental, das mehr sagt als viele Songs mit Text.

Nach Jahrzehnten des Wiederaufbaus war Japan zur Hightech-Nation aufgestiegen, die Städte explodierten vor Wachstum, die Mittelschicht florierte. Junge Menschen hatten Geld, Autos, Stereoanlagen und Lust auf Musik, die dieses neue urbane Lebensgefühl irgendwie widerspiegelte. Ein Stil den man später Citypop nennt - ein Mix aus Disco, Funk, R’n’B und Synth-Pop geboren im urbanen Japan der 70er und 80er Jahre. Tatsuro Yamashita, einer der wichtigsten Köpfe der Bewegung, kombinierte komplexe Songstrukturen mit eingängigen Hooks.

Doch Citypop war eigentlich nie ein einheitliches Genre. Der Begriff wurde in Japan selbst kaum verwendet - er diente hauptsächlich den Plattenfirmen, um eine Art von Popmusik zu vermarkten. Man erkennt aber klar: Japanese City Pop ist Musik für Stadtmenschen - leichtfüßig, voller Optimismus vibrierend wie Neonlichter in der Nacht. Der Soundtrack zum Technikglauben, zur Freiheit des Walkmans, zum Traum vom perfekten Sommer.

City Pop war also auch eine Flucht. Weg vom stressigen Alltag. Hin zu einem idealisierten Lebensgefühl, irgendwo zwischen amerikanischen Traum und japanischer Disziplin. Es war Musik für eine Generation, die sich erstmals als Konsumenten verstand. Masayoshi Takanaka brachte mit Songs wie Tokyo Reggie eine verspielte fast karibische Atmosphäre in die Szene. Mit Hawaii-Hemden, Sonnenbrillen und einem zu einer Gitarre umgebauten Surfbrett hatte er eine ganz einzigartige Bühnenpräsenz.

Doch dann: die 90er. Wirtschaftskrise. Der Optimismus verschwindet und mit ihm der Citypop...fast. Denn Jahre später passiert das Unerwartete: Das Internet entdeckt Citypop wieder. Millionen klicken plötzlich auf Songs wie "Stay With Me" von Miki Matsubara. Ein Track von 1979 wird zum viralen Hit. Warum? Vielleicht, weil sich eine neue Generation nach einer Zeit sehnt, die sie nie erlebt hat - aber träumen möchte. Die neue sogenannte Vaporwave-Ästhetik nutzt genau diese Nostalgie, Leichtigkeit, Optimismus als Fundament. Citypop lebt wieder und surft erneut auf digitalen Wellen - durch endlose Sommernächte wenn auch zum Teil in einer neuen Gestalt.

„Diese Lieder trage ich schon lange in mir“, sagt er. „Sie haben sich mit mir verändert und jetzt ist der Moment gekommen, sie zu teilen.“ Der Sound: reduziert, warm, tiefgründig. Von der feinen Melancholie in Ray Davies’ „Nobody’s Fool“ bis zum schimmernden Titeltrack „El Dorado“, oder „Lawdy Rolla“, im Original von the Guerillas. Jedes Stück ist ein emotionaler Anker, liebevoll arrangiert, mit großartigen Gästen wie Hannah Peel, Seckou Keita, Robert Plant oder Noel Gallagher. Sie alle kommen, wenn der Meister ruft.

Weller zeigt sich auf "Find El Dorado" so reflektiert wie selten zuvor. Statt nach vorn zu drängen, lässt er sich treiben und mit ihm die Hörer*innen. Er navigiert durch seine musikalische DNA, die er seit seinen frühen Jahren mit Bands wie The Jam und Style Council erarbeitet hat und schafft dabei ein Album, das tief unter die Oberfläche geht.

Mit dem Comeback bei Parlophone Records, dem Label, das ihn schon in den 2010ern begleitet hat, beginnt ein neuer Abschnitt im Schaffen eines der stilprägendsten britischen Musiker unserer Zeit. "Find El Dorado" ist ein stilles, intensives Werk. Ein Plädoyer für das Wiederentdecken von Musik als Lebensbegleiter. Für alle, die nicht nur hören, sondern fühlen wollen.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Lawdy Rolla
• Pinball

Anna Prizkau

Frauen im Sanatorium

Rowohlt Hundert Augen, 304 S.

Es bedeutet, dass ihr euch ganz bewusst für das entscheidet, wofür Superfly steht: Für soulful music. Für musikalische Vielfalt mit Tiefe. Für Inhalte, die Haltung haben – und für das positivste Lebensgefühl im Äther. Und ihr seid nicht nur dabei, wenn wir senden. Viele von euch hören über unsere Superfly App, über Alexa, ORF Sound oder den Radioplayer – andere tanzen durch unsere reinen Online-Channels. Auch dort wächst unsere Community stetig.

Die Investition in ein eigenständiges, hochwertiges Radioangebot zahlt sich aus, das zeigen die aktuellen Zahlen mehr als deutlich. Doch ausruhen ist keine Option. Der digitale Wandel treibt uns an, mit neuen Ideen, Formaten und dem klaren Ziel: Radio neu denken, ohne den Groove zu verlieren.

Superfly wächst. Mit euch, für euch, und dank euch. Danke fürs Feedback beim Radiotest und fürs Mitgrooven.

Bevor der Bürgerkrieg alles veränderte, war Mogadischu eine kosmopolitische, lebendige Metropole. Die Stadt hatte Zugang zu internationalen Einflüssen, war ein Kreuzungspunkt zwischen Afrika, Arabien und dem Westen. Die Dur-Dur Band entstand in genau diesem Umfeld. Junge Musiker, die funkige Grooves, somalische Rhythmen, Disco, Soul und arabische Melodien zu einem unwiderstehlichen Mix verschmolzen haben. Was den Sound der Dur-Dur Band so besonders macht, ist seine Vielschichtigkeit. Bläser, die an amerikanischen Soul erinnern, funky Gitarrenriffs, wie man sie aus Lagos kennt, Synthesizer-Flächen direkt aus dem Italo-Disco-Kosmos, und über allem die hypnotische Energie somalischer Rhythmen wie Dhaanto oder Saar.

Inspiriert von Künstlern wie Michael Jackson, Bob Marley oder Santana, war die Dur-Dur Band rund ein Jahrzehnt lang das Aushängeschild des kulturellen Lebens in Somalia – vor allem in der Hauptstadt. Ihre Songs liefen im Radio rauf und runter. In Nightclubs von Hotels wie dem Juba, dem Jazeera oder dem Al-Cauruuba wurde gejammt. In den frühen 1990er-Jahren löste sich die Band auf. Die politischen Unruhen eskalierten. Viele der knapp 20 Mitglieder flohen, der Geist der Dur-Dur Band lebte jedoch weiter – in Äthiopien, Dschibuti und vor allem in den USA.

Seit 2014 wird die alte Truppe der Dur-Dur Band aber wieder für Konzerte vereint. 2023 erschien das Album „The Berlin Sessions“. Auch wenn die Musikszene in Somalia wenig Spielraum hat, es gibt sie und wir glauben dass es wichtig ist, weiter und größer zu denken, und Flüchtlinge nicht zu reduzieren auf Klischees und Negativmeldungen. Die Musik der Dur-Dur Band kann dabei enorm hilfreich sein.

Die neue Compilation ist mehr als eine Fortsetzung, sie ist eine Weiterentwicklung. Miche öffnet das Fenster weiter, blickt tiefer und entdeckt neue Farben in seinem musikalischen Kaleidoskop, ohne dabei den Kern aus den Augen zu verlieren. Die Liebe zur oft übersehenen Musik aus aller Welt. Mit einem Fokus im Jazz. Man hört das etwa in Tracks wie „Sundance“ von der Late Nite Music Band oder im eleganten Souljazz der Gruppe Spectrym im Song „in Flight“.

Was die dritte Ausgabe besonders macht, ist der Blick über den Tellerrand. Samba Grooves mit viel Energie von Carlos Bivar und seinem Stück „Amargo Amar“, Türkischer Soul mit brasilianischen Vibes wie bei Nükhet Ruacans Stück Gölge, oder elegant treibender Jazzfunk wie bei Gülden Karaböceks „Dokunma Kyefine Yalan Dünyarin“.

Miche lebt die Musik, die er spielt. Seine With Love Reihe hat ihn als DJ rund um den Globus geführt. Von Rumänien über China bis zu langen Nächten auf dem bereits legendären We Out Here-Festival. Volume 3 ist eine Einladung. Für Neugiereige, für Sammler, für Tänzer und vor allem für Zuhörer. Ein sorgfältig kuratierter Trip, der sich genauso gut in der Küche wie auf dem Dancefloor entfaltet.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Read The Fine Print
• Piece Of Mind
• Dokunma Keyfine Yalan Dünyamin
• Ain’t Nothing Like The Love

2017 veröffentlichte Yazmin Lacey ihre erste EP Black Moon. Aufgenommen wurden die Songs im Wohnzimmer, ohne große Mittel, aber mit großer Wirkung. Die BBC wurde aufmerksam und ernannte Black Moon zum Record oft the Week. Zwei weitere EPs folgen bis die Künstlerin 2023 schließlich ihr Debutalbum Voice Notes herausbringt. Der Titel hält, was er verspricht. Es klingt als hätte sie die Songs direkt in ihr Handy gesprochen, mit all den kleinen Störungen, Pausen und leisen Atmern. Es ist eine Sammlung von Momentaufnahmen in denen nichts gestellt wirkt. Produziert wurde das Album von Dave Okumu, der durch seine Arbeit bei der Band The Invisible bekannt ist.

Yazmin Lacey findet Schönheit im Unvollkommenen – ein Leitmotiv, das sich durch ihre Musik zieht. In ihren Aufnahmen fängt sie intime, unausgesprochene Momente des Lebens ein. Ihr Sound bewegt sich zwischen Soul, R&B, Jazz und Pop. Mus , die nicht glatt ist, sondern ehrlich. Und genau das macht Yazmin Lacey aus...

Sänger wie Farhad Mehrad, verkörperten diesen kulturellen Spagat wie kaum ein anderer. Mit seiner rauen, melancholischen Stimme sang er gesellschaftskritische Lieder, aber auch brillante Coverversionen dabei machte er die westlichen Hits zu etwas Eigenem, denn bei manchen Songs übersetzte er nicht nur die Sprache, sondern auch das Gefühl. Zu seinen Vorbildern zählten die Bee Gees, Frank Sinatra oder wie hier Ray Charles.

Aber auch starke weibliche Persönlichkeiten waren in der iranischen Kulturszene kaum wegzudenken. Stars wie Googoosh waren weit mehrt als Musikerinnen – sie waren Ikonen, die ganz selbstverständlich auf den großen Bühnen des Landes standen. Aber Googoosh sang nicht nur, sie war Stilvorbild, Trendsetterin und Hoffnungsträgerin für eine ganze Generation iranischer Frauen. Mit ihrem Kurzhaarschnitt, ihren modischen Outfits und ihrer charismatischen Bühnenpräsenz prägte sie das Bild junger Frauen im Iran. Ihre Stimme war das Gesicht einer kulturellen Öffnung – nicht radikal, nicht angepasst, sondern einfach zeitgemäß.

Doch 1979 kam mit der islamischen Revolution die Wende. Die neue Regierung verbot fast alle Formen westlich geprägter Musik. Viele Künstlerinnen und Künstler emigrierten, Platten verschwanden aus den Regalen oder wurden zerstört. Eine Ära brach ab und lange Zeit blieb es still um das Wirken der damaligen Artists die noch heute im Exil leben. Einige enden sogar als Todesopfer des iranischen Geheimdienstes.

Doch die jüngsten Ereignisse zeigen: iranische Musik ist ein Sound der wiederentdeckt wird, weiterlebt. US-Rapper Nas zum Beispiel hat den Song „Gole Yakh“ von Kourosh Yaghmaei, der im Iran als King of Persian Psychedelic Rock bekannt ist, für seinen Song Adam and Eve gesampled. Die markante, melancholische Klaviermelodie geht auf Social Media viral. Ein Song aus einer fast vergessenen Zeit – plötzlich wieder in der Gegenwart. Wie man sieht ist iranischer Funk und Soul aus den 70ern mehr als Nostalgie. Es ist der Sound einer offenen Gesellschaft im Übergang – energiegeladen, voller Sehnsucht und top aktuell. Wer genau hinhört, fühlt mehr als nur Musik. Man hört eine Erinnerung an das was war und vielleicht auch an das was wieder sein könnte.

Das Album lebt von einer Intimität, die sich langsam, aber ausdauernd entfaltet. Vibes, denen man sich nur schwer entziehen kann, noch besser: will. Urbs & Cutex sind Meister des Samplings und begeben sich auf die Suche nach Perfektion. Eine Welt zwischen Soul, Jazz, Easy Listening und Filmmusik breitet sich hier wie ein großer Klangteppich aus. Doch dieser Teppich ist keiner dieser industriellen Teppiche vom Möbeldiskonter, das ist ein handgeknüpftes Kunstwerk.

Die beiden ergänzen sich auf äußerst kreative Weise: Urbs, bekannt für sein Faible für Scores und große, verträumte Klangflächen, und Cutex, der begnadete DJ und Rhythmusverliebte, der hier seinen Part beiträgt. Eine perfekte Kombination, die die goldenen Jahre des Downtempo ins Jahr 2025 bringt. Keine unnötigen Eskapaden, sondern purer Ausdruck. Ein Feature-Track findet sich dann aber doch gemeinsam mit Rapper T.R.A.C.

Leichtigkeit mit Tiefgang, ein Album zum Abdriften und Eintauchen. Für Tagträumer und relaxte Groover. Der Soundtrack für einen Kurzurlaub im Kopf. Urbs & Cutex mit einem grandios produzierten Seelenbalsam in Zeiten digitaler Überreizung. "On Our Way", rezeptfrei erschienen auf Compost Records.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Wherever you are
• Make it real
• I’m on my way
• Indian Summer
• Memories
• Watch Out
• Lament
• Recognize

Hiltons Handschrift ist klar erkennbar: eine vielschichtige Produktion, warme Bässe, und cineastische Klangflächen. Unterstützt wird er von drei Vokalistinnen, Natalia Clavier, Puma Ptah und Kristina Westernik-Dandridge. Sie verleihen dem Album zusätzliche Dynamik und sprachliche Vielfalt. Es entstehen immer wieder stimmige Brüche im Flow, die das Album wie eine musikalische Reise wirken lassen.

Trotz seiner Vielseitigkeit wirkt Midnight Ragas nie beliebig. Die Tracks greifen ineinander, wechseln organisch zwischen Stimmungen und Tempi. Mal reduziert und zurückgelehnt, mal rhythmisch und groovend. Ein Album, das sich durch Hören entfaltet und dabei stets angenehm unaufdringlich bleibt.

Hilton zeigt, wie ein modernes Downtempo-Album klingen kann: abwechslungsreich, international und dennoch kohärent. Eine Hommage an die Ästhetik früher Compilation-Alben …nur eben aus einer Hand.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Je ne t’aime plus (feat. Natalia Clavier)
• L’ Ocean (feat. Natalia Clavier)
• Life (In The Deep End)
• All I Want (feat. Puma Ptah)
• Burkina Faso
• Midnight Ragas
• Sol Interior (feat Natalia Clavier)
• Madame Asha

30 Jahre später klingt Brown Sugar nicht nach Retro – sondern nach Revolution. Es war das Album, das in einer von Hip-Hop-Giganten wie Tupac, Biggie, Wutang-Clan und Nas dominierten Zeit den Soul wieder zurück ins Zentrum der Popmusik holte. Und gezeigt hat was entstehen kann, wenn Handwerk und Gefühl sich treffen...mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört.

Saigon Soul Revival knüpfen an das Musikgenre Nhac Vàng an, das in den 1960er Jahren Soul und Rock’n’Roll mit vietnamesischen Texten verband. Nach dem Sieg des sozialistischen Nordens im Bürgerkrieg 1975 wurde Nhac Vàng wie die gesamte westliche Kultur verboten, viele der Protagonist*innen flohen in den Westen. Die neuen Machthaber wollten positive, fröhliche Volksmusik anstatt der oft melancholischen Nhac-Vàng-Songs, in denen Frauen beklagten, dass ihr Geliebter sie verlassen musste, um in den Krieg zu ziehen. Was in den Texten so nicht ausdrücklich ausgesprochen wurde, aber für die Hörerschaft eindeutig war. Saigon Soul Revival schaffen die Balance genau richtig. Sie  bringen mit ihrer Musik die Stadt zum Leben, als wäre jede Note ein kleiner Spaziergang durch die bunten Gassen, in denen Tradition und Moderne aufeinandertreffen.

Mit Superfly sind wir sofort dabei, wenn Huyền Chip die Bühne betritt. Ihre Stimme füllt den Raum mit Wärme, als würde sie dir persönlich Geschichten aus den Herzen der Menschen erzählen. Und während die Band Jazz, Funk, Rock und elektronische Beats mischt, kannst du fast den leichten Wind, der durch die Palmen an der Saigon River Promenade weht, spüren. Ein Song fühlt sich ein bisschen an, wie ein Abend auf der Dachterrasse, die bunten Lichter der Stadt glitzern im Hintergrund, das Treiben der Menschen liegt in der Atmosphäre.

Saigon Soul Revival spielte ihre ersten Gigs in kleinen Bars, wo die Tische fast auf der Bühne standen und die Nähe zu ihrem Publikum so richtig spürbar war. Vielleicht ist es auch heute noch genau das, was ihre Musik so echt und greifbar macht. Es ist fast so, als wäre man mitten in eine Szene geworfen worden, umgeben von vietnamesischen Sounds, Eindrücken und einer ausgelassenen Stimmung, zu hören in jedem Takt.

Also, schließ die Augen und lass dich mit Superfly auf diese musikalische Reise entführen. Saigon Soul Revival bringt den Sound Asiens über alle Grenzen bis zu dir: soulig, urban, belebend.

Nach ihrer von Disco durchzogenen Platte "Private Space" zieht es die Band wieder zurück zu den Anfängen. Genauer gesagt in den Keller von Bloomington, Indiana, wo alles begann. "Flowers" ist ein Album, das die gemeinsame musikalische Sprache feiert, irgendwo zwischen klassischem 70s Soul, psychedelischen Klängen und butterweichem Funk.

Die Tracks klingen ein bisschen wie in warmes Licht getaucht: samtige Streicher, fließende Grooves, glitzernde Keys. Songs wie „Really Wanna Be With You“, versprühen eine sommerliche Lässigkeit, die genau zur Jahreszeit passt. Und wenn Durand Jones auf „If Not For Love“ mit vibrierender Dringlichkeit singt, als ginge es um alles, schmiegt sich seine Stimme perfekt an den Cinemascope-Soul der Band.

Doch so soft und smooth das alles klingt, "Flowers" ist keine glatte Retro-Kopie. Es lebt von echtem Zusammenspiel, spürbarer Intimität und cleverer Zurückhaltung. Selbst bei dramatischen Momenten wie dem fast hymnischen „Rust & Steel“, bleibt die Balance gewahrt. "Flowers" ist der perfekte Soundtrack für laue Nächte und tiefe Gespräche. Durand Jones & The Indications zeigen: Soul ist in seiner vollen Blüte.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Been So Long (feat. Aaron Frazer)
• If Not For Love
• Really Wanna Be With You
• Without You
• Rust and Steel

Darauf baute Chaka Khan auf, die ab Mitte der 70er mit „Tell Me Something Good“ und „Ain’t Nobody“ die Funklandschaft prägte. Wo Betty wild war, kam Chaka mit technischer Brillanz, tiefem Soul und großer Bühnenautorität. Sie verband Selbstbestimmtheit mit spiritueller Tiefe – als Stimme einer verletzlichen, unbesiegbaren Frauengeneration.

Zeitgleich schufen Labelle um Patti LaBelle ein eigenes Funk-Universum. Outfits zwischen Glamrock und Afrofuturismus, ein Hit wie „Lady Marmalade“ und Texte über Lust, Freiheit und schwarze Identität machten klar: Frauen können alles sein, was sie wollen.

Später brachte Sharon Jones den Funk ins 21. Jahrhundert zurück – mit The Dap-Kings, ihrer unerschütterlichen Stimme und grenzenloser Energie. Als spät entdeckte Künstlerin und unermüdliche Performerin trotz Krebserkrankung verkörperte sie, dass Funk kein Trend ist, sondern ein Lebensgefühl. Und dass weibliche Stärke kein Verfallsdatum kennt.

Was diese vier Künstlerinnen verbindet, ist mehr als ihr Talent. Sie alle haben Räume geschaffen, für sich selbst und für kommende Generationen. Räume, in denen Weiblichkeit nicht reduziert, sondern gefeiert wird. In denen alle sich so fühlen dürfen wie sie wollen, und Feminismus vorangetrieben wurde. Räume, in denen Funk nicht als Stil, sondern als Haltung verstanden wird: laut, frei, unbequem und für alle Geschlechter. Mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört!

Summertime ist die berühmteste Arie aus der Oper Porgy & Bess von George Gershwin, die 1935 im New Yorker Colonial Theatre uraufgeführt wurde. Der als Sohn russisch-jüdischer Immigranten 1898 in Brooklyn geborene Gershwin hat sich für den Song von einem ukrainischen Wiegenlied beeinflussen lassen, welches er 1926 vom Ukrainischen National Chor gehört hat. Das Lied selbst kommt in der Oper in allen drei Akten vor, insgesamt 4 mal. Ein Klassiker war geboren.

Die erste kommerzielle Schallplatte ist 1935 entstanden. Doch richtig an Popularität hat der Song durch die unzähligen Coverversionen gewonnen. Die Sopranlage wurde meist verlassen, die Intensität gesteigert. Erstmals in den Charts taucht der Song 1936 auf. Die Interpretin dieser Version. Billie Holiday. Die Vielzahl der Coverversionen ist unüberschaubar. Zwischen 1955 - 1992 ist Summertime 59 mal in den Charts aufgetaucht. Kurz danach wurden 254 Versionen gelistet. Doch die Realität sieht doch etwas beeindruckender aus. Eine internationale Gesellschaft von Sammlern, welche sich The Summertime Connection nennt, verzeichnet aktuell 48.220 komplette Aufnahmen von Summertime und ungefähr 5200 Samples. Bei einem Großteil davon handelt es sich allerdings um keine kommerziellen Aufnahmen.

Auch wenn Summertime in seinen vielen Versionen weder einen ersten Chartplatz erreicht hat noch ein Millionseller geworden ist. Er gehört zu einem stilübergreifenden Evergreen in 30 Sprachen und ist eines der meistinterpretierten Lieder aller Zeiten.

Die beiden bleiben in ihrem Vibe. Funk trifft auf Electro, Zouk trifft auf House. Ein meist roher Groove fügt sich mit den französisch gesungenen und kreolischen Spoken-Word-Elementen zu einem Ganzen. Die Arrangements sind kreativ aber nicht vorlaut. Djeuh Djoah & Lieutenant Nicholson treiben an, ohne hektisch zu werden. Der Soundtrack für eine bessere Welt. Und das sprichwörtlich. Das Duo behandeln in ihren Texten nämlich seit jeher ernste Themen. Mal sind es zugebaute Städte, dann der Klimawandel oder sexuelle Orientierung. Auf Danses Divine wird noch ein anderes Thema behandelt. Die Inflation.

Auch wenn die Texte Missstände aufzeigen, so sind sie nie moralisch dozierend oder belehrend. Der erhobene Zeigefinger zeigt nur den Takt an. Ernste Themen bleiben durch die Musik locker verpackt, und schaffen so einen direkten Weg zu den Hörern. Ein intelligentes Tanzmanifest bringt einen globalen Flair, dem man sich nicht entziehen kann.

Danses Divine ist ein triumphales Statement. Wir nenne es „Afropäischer“ Funk . Erschienen auf Hot Casa Records Paris.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Danses Divine
• Inflation
• La Go Kitoko
• Redessiner

Wir sprechen mit ihm über die musikalische Sprache des Funk, über Vorbilder wie Sly Stone und James Brown, über das Wiener Musikleben, über skurrile Herbie-Hancock-Konzerte – und natürlich darüber, was es heute eigentlich heißt, funky zu sein. Also: Zurücklehnen oder lostanzen – hier kommt der Funk. Hier kommt Peter Legat.

Schon der erste Track macht klar: Hier wird nichts beschönigt. In ‚Thief‘ geht es um Verrat, um das Ende einer langen kreativen Partnerschaft. Doch was Little Simz daraus macht, ist alles andere als destruktiv. Lotus entwickelt sich Schicht für Schicht, mit Elementen aus Punk, Soul, Jazz, Garage und Afrobeat. Ein Sound, der gleichzeitig roh und feinfühlig ist. Und das Ganze wie man es von ihr gewohnt ist: sprachlich messerscharf, emotional offen, und ein Sound zum immer und Überall hören.

Im zweiten Drittel wird das Album leichter - zumindest klanglich. Songs wie Young oder Far Away, laden zum Kopfnicken ein und schaffen Raum zum Atmen. Mal verspielt, mal nachdenklich. Unterstützt wird Simz von starken Features: Obongjayar, Michael Kiwanuka, Lydia Kitto - sie alle bringen ihre eigene Zutat in den Mix. Und genau das macht Lotus so lebendig: Es ist tief, persönlich, aber nie erdrückend. Vielmehr ein Album, das trotz allem Dunkel den Drang zum Blühen feiert.

 “Lotus” ist nicht nur ein Statement, sondern ein Soundtrack für alle, die selbst am Wachsen sind.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Free
• Young
• Lion (feat. Obongjayar)
• Lotus (feat. Michael Kiwanuka, Yussef Dayes)
• Only (feat. Lydia Kitto)

Doch Macy Gray ist weit mehr als nur ein One-Hit-Wonder. Mit jeder neuen Platte hat sie sich neu erfunden – immer mit einer gewissen Kantigkeit, oft unbequem, nie belanglos. Ihre Musik bewegt sich irgendwo zwischen Neo-Soul, Funk, R’n’B und psychedelischem Pop. Ein Sound, der genauso einzigartig ist wie ihr Look: wilde Afrofrisuren, bunte Outfits, extravagante Bühnenauftritte. Macy Gray ist Stil-Ikone und Soul-Rebellin in einem.

Auch als Schauspielerin hat sie sich einen Namen gemacht, etwa in Training Day oder Spider-Man. Und immer wieder nutzt sie ihre Stimme – im wörtlichen wie im übertragenen Sinn – um über Themen wie mentale Gesundheit, gesellschaftliche Ungerechtigkeit oder die Schattenseiten des Ruhms zu sprechen. Macy Gray bleibt eine Ausnahmeerscheinung: Eine Frau, die nicht gefallen will, sondern gehört werden muss. Ihre Musik ist nicht glattgebügelt –Und genau das macht sie so wertvoll.

Am Montag dem 16. Juni gastiert Macy Gray in der Simm City in Wien, presented by Radio Superfly.

Auch heute, Jahrzehnte später, schwingt in dieser Musik ein Versprechen mit: Dass Vielfalt nicht nur existiert, sondern gefeiert werden kann. Dass jede Bewegung, jeder Ausdruck, jedes Sein seinen Platz hat. Dass wir gemeinsam Räume schaffen können, in denen Hautfarbe, Geschlecht, Begehren oder Herkunft keine Schranken, sondern Facetten sind. Mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört.

Doch wo es funkelt und glänzt, liegt oft auch Schatten. Sly kämpfte mit Ruhm, Drogen und Dämonen. Er zog sich zurück, wurde zur Legende im Untergrund. Aber sein Einfluss blieb – in jedem Basslauf, der dich nicken lässt, in jedem Funk-Groove, der deine Seele hebt Sein 2023 erschienenes Memoir „Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)“ war ein spätes, berührendes Lebenszeichen – ehrlich, erschütternd, inspirierend.

Sly Stone ist gegangen, aber sein Funk lebt. In jedem Beat, der uns bewegt. In jeder Botschaft, die uns verbindet.

Omar hat seinen Sound bereits in den 90ern gefunden, als er im Zuge der Acid Jazz Revolution zu einem der Stars avancierte. Mit Brighter The Days tänzelt er gekonnt zwischen Soul, Jazz und Funk hin und her, und flirtet auch mit Hip-Hop und Dub. Ein Brite, vielseitig und open minded. Und vor allem thematisch reichhaltig. Die Themen sind Liebe, Hoffnung und gesellschaftliche Verbundenheit. Songs wie „There’s much love in the world“ oder „This thing called life” reflektieren Omar’s Wunsch nach einer besseren Zukunft.

Omar hat gerufen und alle sind sie gekommen. So oder so ähnlich dürfte es bei den Gästen auf diesem Album gewesen sein. Eric Roberson und Raheem de Vaughn sind ebenso dabei, wie India Arie, Scratch Professor oder Jeru The Damaja. Bei der Auswahl der Gäste zeigt sich die Vielseitigkeit des Künstlers. Besonderes Highlight ist aber der Gastauftritt von Brit Pop Urgestein und Modfather Paul Weller beim Song „On my own“.

Mit Brighter The Days liefert Omar ein Album ab, das sowohl musikalisch als auch inhaltlich überzeugt. Eine gelungene Mischung aus klassischen Soul-Elementen und modernen Einflüssen, die sowohl langjährige Fans wie mich als auch neue Hörer begeistern wird. Omar beweist erneut, warum er zu den bedeutendsten Künstlern des britischen Soul-Genres zählt.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Can we go out
• Brighter the days
• Research
• This thing called life
• On my own

Trotz Fortschritten sind queere Menschen aber immer noch mit Diskriminierung, Vorurteilen und Herausforderungen konfrontiert. Besonders in den letzten Jahren ist Queer-Feindlichkeit wieder deutlich mehr verbreitet. Viele erleben im Alltag Anfeindungen, fühlen sich nicht gleichberechtigt, oder deren Identität wird ihnen schlichtweg abgesprochen. Es bleibt nicht nur Frust und Wut zurück, sondern besonders die Frage: Wo liegt das Problem jetzt genau?

Ein wichtiger Teil von Pride ist die Regenbogenfahne, doch auch die hat sich weiterentwickelt: Neben dem klassischen Regenbogen symbolisieren heute etwa die Progress Pride Flag die Vielfalt der queeren Community noch besser, indem sie unter anderem trans* Personen und People of Color sichtbar macht.

Es ist schön, dass wir im Juni alle für die Sichtbarkeit und Rechte aller Personen einstehen. Doch was wir dennoch kritisch sehen sollten, ist der Trend mancher Unternehmen, mit bunten Werbekampagnen „queer friendly“ zu wirken  …oft nur für den Monat, um Marketing zu betreiben. Echte Solidarität heißt, das ganze Jahr über Haltung zu zeigen und Vielfalt zu leben. Queere Sichtbarkeit, Respekt und Zusammenhalt sollten  kein einmaliges Event sein, es ist die tägliche Realität.

Schaut bei der Parade vorbei, nicht zum Feiern, vielmehr um ein Zeichen zu setzen. Mehr Infos zur Wiener Pride am 14. Juni gibt’s auf viennapride.at. Am Rathausplatz moderiert dann außerdem meine liebe Kollegin Miriam Hie. Diesen Beitrag und viele mehr gibt’s als Podcast jederzeit zum Nachhören auf unserer Website oder in der Superfly-App. In diesem Sinne: Be Loud, Be Queer, nicht nur im Juni, sondern all Year!

Cola Boyy lebte mit Spina bifida, Kyphose und Skoliose. Themen, die er selbstbewusst in sein Schaffen einfließen ließ. Statt sich von Barrieren definieren zu lassen, nutzte er sie als kreative und politische Triebfeder. In Interviews sprach er offen über Inklusion, Ableismus und das Gefühl, nie wirklich „reinzupassen“. Er engagierte sich in Organisationen wie Todo Poder Al Pueblo und APOC und kämpfte für migrantische Rechte, faire Arbeitsbedingungen und soziale Gerechtigkeit - immer mit Humor, Charme und Direktheit.

Cola Boyy starb am 17. März 2024 mit nur 34 Jahren. Doch seine Musik bleibt ein mutiges, klangvolles Manifest für Freiheit, Diversität und Widerstand. Mehr hört ihr, wenn ihr reinhört.

„Say it loud, I’m Black and I’m proud“. Das Wort „Funk“ stammt aus der afroamerikanischen Umgangssprache – zunächst noch negativ konnotiert, wurde es ab dem frühen 20. Jahrhundert zu einem Begriff für etwas „Echtes“, „Rohes“, mitunter auch etwas „Körperliches“. In der Musik taucht es erstmals im Jazz der 1950er-Jahre auf. Das Wort „funky“ wurde verwendet, wenn es um einen erdigen, gefühlvollen Stil ging. Das Album Opus de Funk von Horace Silver nennt es bereits 1953. Doch nun zu einem Mann, der den Funk geprägt hat wie kaum ein anderer:

James Brown legte mit Songs wie Cold Sweat und Papa’s Got a Brand New Bag den Grundstein für eine völlig neue musikalische Sprache. Seine berühmte Anweisung an die Band: „On the one!“ Der erste Schlag im Takt wurde zur heiligen Betonung. Die Musiker in seiner Band spielten oft kurze, sich wiederholende Phrasen. Jeder einzelne Ton wurde Teil eines rhythmischen Puzzles. Alles war auf die „One“ ausgerichtet – den ersten Schlag des Taktes. Das war neu, roh, energisch – und vor allem: tanzbar.

Diese rhythmische Verschiebung erzeugte mehr Druck. Eine Zuspitzung des Soul, wenn man so will, mit dem Groove im Zentrum. Statt Harmoniewechseln: ein Akkord. Statt Melodien: Rhythmus. Dieses Denken war damals revolutionär – und James Brown zelebrierte es mit seinen Musikern. Bei ihm wurde jedes Instrument – auch Gitarre, Bass, Bläser und Gesang – wie ein Rhythmusinstrument behandelt.

James Browns Musik verschob auch die Rolle des Basses. Statt harmonisch zu begleiten, wurde der Bass zur treibenden Kraft. Die Basslines sind oft synkopiert, das heißt: Sie betonen ungerade oder unerwartete Zählzeiten, was den Groove besonders spannend macht. Diese Dominanz prägte die Funk-Musik entscheidend – oft im Zusammenspiel mit dem Schlagzeug. Große Bedeutung hatten für James Brown die Live-Auftritte. Diese folgten einem äußerst präzisen Ablauf. Jede Bewegung war geplant. Brown gab Handzeichen, Fußbewegungen oder sogar Blickkontakte, mit denen er seine Musiker dirigierte. Das Ergebnis war ein unglaublich tightes, synchrones Rhythmus-Kollektiv, das fast mechanisch wirkte – und dabei einfach mitriss. Eine Struktur, die mehr auf Bewegung als auf Erzählung basierte.

James Brown hat den Funk nicht allein erfunden, aber er war der Katalysator. Mit seinem unnachahmlichen Stil und seiner visionären Band, den J.B.'s, hat er den Grundstein gelegt. Funk hat die Musikwelt für immer verändert.

Sein neues Album ist ein 15-Track-Ritt durch die Höhen und Tiefen urbaner Identität. Zwischen Selbstzweifeln, Vergänglichkeit und der Suche nach Nähe entfaltet sich ein Klangkosmos aus warmen Synths, verspielten Gitarren und dramatischen Bläsern – produziert u.a. von Yeti Beats (Doja Cat) und Beach Noise (Kendrick Lamar). Songs wie „Sweet Danger“ oder „Just My Luck“ zeigen Obongjayar dabei von seiner sinnlich-düsteren Seite.

"Paradise Now" fühlt sich an wie ein langer Sommerabend in einer fremden Stadt: elektrisierend, melancholisch und voller Überraschungen. Besonders spannend: Bis auf einen Feature mit Little Simz trägt Obongjayar das ganze Album stimmlich allein – ein Beweis seiner Wandlungsfähigkeit. Mit Paradise Now etabliert sich Obongjayar endgültig als einer der spannendsten Künstler der UK-Szene.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Just My Luck
• Sweet Danger
• Not In Surrender

Mit Songs wie “A Nickel and a Nail” oder “Eight Men, Four Women” schrieb Wright Soulgeschichte - unterstützt vom legendären Produzenten Willie Mitchell. Die Musik ist tief verwurzelt im Blues und besticht durch elegante Orchestrierung und rohe Emotionalität, getragen von einer unverwechselbaren Stimme. Besonders in den 1970er Jahren prägte O. V. Wright mit seinen Aufnahmen bei Hi Records den Sound des Soul entscheidend mit.

Doch Wrights Karriere wurde immer wieder von persönlichen Rückschlägen überschattet: Drogenprobleme, Geldsorgen und Gefängnisaufenthalte warfen ihn zurück. Den ganz großen Durchbruch verpasste er – vielleicht auch, weil seine Musik zu ehrlich war, zu schwer, zu tief. Dennoch blieb er bis zu seinem frühen Tod 1980 ein prägender Einfluss für nachfolgende Generationen von Blues- und Soulkünstlern –auch im Hip-Hop wurde er vielfach gesampelt.

Heute gilt O. V. Wright als tragische Ikone des Soul: ein Künstler mit überragender Stimme, der nie den große Charterfolge feiern konnte, aber dennoch bleibenden Eindruck hinterließ. Seine Songs sind bewegende Zeugnisse des klassischen Southern Soul – rau, ehrlich und zutiefst menschlich.

Ruhmers musikalische Entwirklickung ist von seiner DIY Herangehensweise geprägt. Vom Singwriting über die Produktion bis zur visuellen Gestaltung übernimmt er fast alle Arbeitsschritte selbst. So entstand ein unglaublich authentisches Album, dass immer wieder Momente zeigt, wo man ausprobiert hat. Ein bisschen Rock Nostalgie aus den 70ern schwingt ebenso mit, wie neue Indie Pop Einflüsse. Fuzzige Rock Riffs wechseln sich mit klassischen Pop Hooks ab.

Ruhmer selbst erklärte, dass die Songs direkt aus dem Kopf auf die Platte gewandert sind, ohne sich in Perfektion zu verlieren. Das Album ist in 6 Monaten entstanden. So behielt es diese charmante Roughness, und diese Ehrlichkeit. Keine glattgebügelten Tracks sondern Songs mit Charakter. „Ain’t used to talkin“ oder „I Tried“ sind zwei der Superfly Highlights.

The Masterplan zeigt einen der spannendsten Künstler des Landes der seine Vision konsequent verfolgt. Musikalisch vielseitig und künstlerisch eigenständig. Und immer mit einer starken visuellen Ästhetik. In Zusammenarbeit mit Nous Film Berlin entstanden die Musikvideos zum Album auf Fuerteventura. Die perfekte visuelle Ergänzung zu seiner Musik. Ruhmer ist gekommen um zu bleiben. Ruhmer – The Masterplan, ist auf Record Jet erschienen und ist auch als limitierte Crystal Blue Vinyl Edition erhältlich. Inklusive persönlicher Notiz, exklusivem Behind The Scenes Video und Einladung zu einem privaten Online Akktustik Gig.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• I tried
• Ain’t used to talkin

Lauryn Hill wird heute 50 – und bleibt eine Legende und ein Mysterium. Aber auch ein Leuchtfeuer: Für kreative Integrität, gegen das System, für Musik, die echt, roh, unbequem und einfach richtig gut ist.

Wer in Harlem schon mal den Klang ihrer Stimmen auf dem Asphalt gespürt hat, der weiß: Diese Band ist mehr als Musik. Sie ist eine Bewegung. Eine, die trotz Widrigkeiten, Zweifel und Großstadthektik niemals aufgehört hat, an den eigenen Sound zu glauben – irgendwo zwischen Soft-Rock, Soul und urbaner Poesie. Jetzt setzen sie mit ihrer neuen Single „Haters Anthem“ ein Ausrufezeichen. Mehr als 200 Millionen Streams und prominente Unterstützung von niemand Geringerer als Doja Cat sprechen für sich. Eine Hymne, ein Manifest, ein klares Statement – an alle Zweifler, an alle Hater, an alle Träumer. Im besten Fall Interview anhören und am 28. Juli im Flex anhören.

Bisher gabs für Toine Millionen von Streams und Auftritte bei Festivals wie dem North Sea Jazz oder als Support von Candy Dulfer. Er ist ein Künstler, der weiß wo er hin möchte, wie er das auf authentische Art und Weise schafft, und am Weg alles an Spaß und Erfahrungen mitnimmt. Heute ist TOINE bei mir zu Gast – Sammy Lorenz am Mikrofon und wir sprechen über seine Musik, Erfahrungen auf Tour, Inspirationsquellen und darüber, was er  denn eigentlich gerne an seinem Wochenende macht. Mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört!

Im Auftakt-Song Heaven Is a Home taucht die Frage auf, die über allem schwebt – „Could life be heaven on earth / After the hell we been through?“. Es geht um Herkunft, um emotionale Altlasten und um den Wunsch nach innerem Gleichgewicht. Produziert hat Uchis das Album erstmals selbst, und das hört man – jedes Detail wirkt sorgfältig gesetzt.

It’s Just Like Us bringt dabei eine fast Beatles-ähnliche Note ins Spiel. Im Vordergrund steht der Versuch, Nähe nicht als Schwäche zu sehen.Der Track Fall Apart geht hingegen noch tiefer: eine leise, fragile Nummer über Zerbrechlichkeit und Loslassen, musikalisch reduziert und dadurch umso eindringlicher.

Zum Schluss hellt Sunshine & Rain die Stimmung auf – kein klassischer Popsong, aber einer, der hängen bleibt. Hier verschmelzen Leichtigkeit und Melancholie in einem einfachen Refrain, der sich nicht aufdrängt, sondern begleitet.Sincerely ist kein Album mit Hits im klassischen Sinne. Es ist ein stimmiges Gesamtwerk – persönlich, ruhig, und gerade deshalb so wirkungsvoll.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• It’s Just Us
• Fall Apart
• Angels All Around Me
• Sunshine & Rain

Als die 2010er anbrachen, war klar: Die neue Generation denkt das Genre weiter. Künstler wie Zion.T brachten eine Mischung aus Hip-Hop, R&B und elektronischen Elementen auf die Bühne – gleichzeitig verspielt und tiefgründig. Mit Songs wie „Yanghwa BRDG“ zeichnete er Szenen des Alltags nach, die durch seine warme Stimme fast poetisch wirken. Er erzählt über deine Kindheit, seine Familie und Erinnerungen…

Yerin Baek gehört zu den Künstlerinnen, die mit viel Subtilität große Wirkung erzielen. Ihre Songs klingen oft wie Tagebucheinträge, reduziert im Klang, reich an Emotion. Als sie mit „Square (2017)“ einen englischsprachigen Song an die Spitze der südkoreanischen Charts brachte, war das ein kulturelles Statement. In eine andere Richtung bewegt sich DeVita, deren dunkle, cineastische Klänge an Film-Noir erinnern. Mit Album-Werken wie „Crème“ und „American Gothic“ erschafft sie nicht nur Songs, sondern Atmosphären. 

Die introspektive Ader dieser Szene zieht sich auch durch die Arbeiten von Slchld (bedeutet Seoul Child), einem koreanisch-kanadischen Künstler, dessen Lo-Fi-R&B global Anklang findet. In Tracks wie „she likes spring, I prefer winter“ liegt eine schmerzhafte Ehrlichkeit – ein Gefühl von nicht ganz dazugehören, von zwischen den Jahreszeiten zu leben.

Und dann ist da noch DEAN, eine der prägendsten Figuren des koreanischen R&B der letzten Jahre. Sein Song „instagram“ ist nicht nur ein musikalischer Hit, sondern auch ein Zeitdokument. Der Track fängt die Leere ein, die viele nach endlosem Scrollen durch soziale Medien empfinden.

Musikalisch bleibt „instagram“ reduziert – eine Gitarrenlinie, zurückhaltende Beats, viel Raum für die Stimme. Die Leere wird zum Instrument, das Gefühl von Einsamkeit wird hörbar gemacht. Das Musikvideo verstärkt diese Wirkung, zeigt DEAN allein, verloren im digitalen Schwarz-Weiß-Raum. Ein Soundtrack für die stille Verzweiflung einer Generation.

Von Solid, über Hwayobi, zu DeVita bis hin zu bis DEAN, von den frühen 90ern bis heute – die koreanische R&B-Szene hat sich zu einer beeindruckenden kulturellen Bewegung entwickelt. Für alle, die Musik nicht nur hören, sondern fühlen wollen, ist sie eine der spannendsten Adressen weltweit. 

Musikalisch erinnert Varillas an eine entspannte Mischung aus Manu Chao und Paul Simon, ohne sich dabei in bloßen Nostalgie-Vibes zu verlieren. Stattdessen ist "The World in Colour" ein Album, das aus dem Moment heraus lebt – mal sonnendurchflutet wie in „Follow The Sun“, mal nachdenklich und tiefgründig wie im schlicht-schönen „Where Is The Love“. 

Inhaltlich verarbeitet der Musiker Themen wie Verlust, persönliche Transformation und das Reisen. Trotz mancher ernster Töne dominiert eine grundoptimistische Weltsicht. "The World in Colour" ist ein stimmungsvolles Album, das seine Hörerschaft sanft aus dem Alltag entführt – ideal für Roadtrips, anbahnende Sommertage und Tagträumerei. 

Gizmo Varillas gelingt es erneut, Weltmusik zugänglich zu machen. Seine „The World in Colour-Tour“ ist daher nicht nur musikalisch, sondern auch atmosphärisch bereits ein echtes Highlight. Besonders auf seinen Halt in Wien, am 8. Oktober, dürfen wir uns freuen. Das Ganze natürlich supported by Radio Superfly.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Where Is The Love
• Follow The Sun
• Crossroads
• Still Holdin‘ On
• Under The Weight
• End Of The Line

Bereits der Opener „Stevie & Sly“ macht klar, worum es hier geht: warme E-Pianos, sanfte Streicher, falsettgetränkter Gesang – das alles umrahmt von einer Produktion, die so perfekt ist, dass sie auch auf einem Steely-Dan-Album der späten 70er keinen Fehltritt machen würde. Es folgen Tracks wie „Born to Dream“ und „Late Night Last Train“, die mit ihren butterweichen Harmonien und lässigen Grooves mühelos zwischen Yacht Rock, Funk und Soul changieren.

Was Pleasure von einem Retro-Abklatsch unterscheidet, ist das Songwriting. Jeder Track wirkt durchdacht, melodisch ausgereift und mit einem großen Gefühl für Dynamik und Arrangement produziert. Die Handschrift von Shawn Lee, der auch als Multiinstrumentalist brilliert, verleiht dem Sound eine elegante Tiefe, während Platts mit seinem Gesang eine fast schon schwerelose Leichtigkeit beisteuert. Es geht um Liebe, Sehnsucht, Sommergefühle und das bittersüße Spiel der Erinnerungen.

Retro muss nicht altmodisch sein. Young Gun Silver Fox liefern den Beweis. Pleasure ist auf dem Hamburger Label Légère erschienen.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Stevie & Sly
• Born To Dream
• Late Night Last Train
• Burning Daylight

AI-Experte Nahed Hatahet liefert exklusives Insider-Wissen, während Samsung Trainer:innen die neuesten AI-Features in Anwendung zeigen und praxisnahe Tipps & Tricks verraten. Diese interaktiven Sessions bieten nicht nur Wissen, sondern auch die Chance, AI hautnah zu erleben – eine Plattform für generationsübergreifenden Austausch.

Für alle weiteren Infos: hört in unseren Podcast rein und stöbert euch durch die Termine auf www.samsung.com/at/explore/brand/samsung-x-vollpension durch!

Der Opener „Don’t wanna fall“ setzt den Ton. Sanfter R&B der zwischen Sehnsucht und Zurückhaltung pendelt. Ben L’Oncle Soul navigiert hier gekonnt die Komplexität moderner Beziehungen, wobei seine Stimme zwischen Verletzlichkeit und Selbstschutz changiert. „I got home“, die Leadsingle, ist hingegen eine Hommage an den klassischen Motown-Sound, erweitert mit modernen Elementen, die an die Produktionen eines Sly Stone erinnern.

Musikalisch bewegt sich das Album zwischen Soul, Funk, R&B und hie und da auch psychedelischen Einflüssen. Die Arrangements sind klar und durchdacht, jedes Instrument findet seinen Platz, ohne den Gesamtsound zu überladen. Dabei bleibt Ben L’Oncle Soul immer seinem Stil treu, und singt wie schon bei den letzten Alben ausschließlich auf Englisch. 

Ben L’Oncle Soul liefert mit Sad Generation ein wunderbares und facettenreiches Album, das durch seine emotionalen Lyrics und seiner musikalischen Vielfalt überzeugt. Ein echtes Highlight für das Jahr 2025.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• F*uck what you want
• I’m good
• I got home
• By your side
• Everything but ya

Wenn ihr jetzt Lust bekommen habt, selbst ein bisschen zu schweben, und euch denkt ".. I've been waiting for this moment all my life”.. dann streicht euch den 26. April, diesen Samstag ganz fett im Kalender an. Denn dann heißt es "IN THE AIR TONIGHT" – der zweite Teil der DOD SEASONS steigt im Circle Thalia in Graz, diesmal zu Gast: DNE!

Klimakrise, Ressourcenverschwendung, Konsumwahn – es liegt an uns, umzudenken und zu handeln. Künstler:innen wie Rina Sawayama („XS“) oder RAYE („Environmental Anxiety“) setzen längst musikalische Statements. Denn Nachhaltigkeit ist mehr als ein Trend – es ist eine Haltung. Große Veränderungen beginnen bei uns selbst. Mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört!

Thematisch geht’s um selbstlose Liebe, verlorene Beziehungen, Selbstermächtigung und das Aufräumen mit alten Geistern. Der Sound - Unvorhersehbar. Von souligen Balladen über flirtige Dance-Tracks bis hin zu düsteren Rap-Einlagen – Reyez bewegt sich so frei zwischen Genres, dass man nie weiß, was der nächste Song bringt. Und genau das macht vielleicht so süchtig.

Tracks wie “Goliath” oder “Just Like That” mit Ari Lennox zeigen ihre gefühlvolle Vielseitigkeit. “Jeans” hingegen, mit Miguel, ist vermutlich einer der verführerischsten Tracks.

Reyez zeigt mit diesem Album ihre künstlerische Reife. Paid In Memories ist kein glattgebügeltes Pop-Projekt, sondern ein ehrliches, wilderndes und emotionales Erlebnis. Jessie bleibt unberechenbar – und genau das macht sie aus.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Goliath
• NYB
• Palo Santo
• Beggin 4 Luv
• Nights We’ll Never Have
• Jeans (feat. Miguel)
• Free
• Just Like That (feat. Ari Lennox)

1962: die erste Single: King Curtis – Soul Twist. Mit Katalognummer 1000 startet Enjoy Records in die 60er. Das Label fokussiert sich auf R&B, Blues und Rock & Roll – veröffentlicht rund 30 Singles in diesem Jahrzehnt. Dann wird es ruhiger um das Label – doch Bobby Robinson bleibt aktiv und arbeitet an weiteren Projekten.

1979: Der Rap erobert Harlem. Und Bobby Robinson ist wieder da – mit einem Gespür für das, was kommt. Enjoy Records veröffentlicht nun Platten, die als Grundsteine eines völlig neuen Musikstils gelten. Der erste große Name: Funky Four Plus One More. Kurz darauf: Grandmaster Flash & The Furious Five – mit ihrem Track Superrappin wird klar, dass sich etwas Revolutionäres zusammenbraut. Die Straßen Harlems werden zur Bühne – und Enjoy Records zum Sprachrohr einer Generation.

1987: Mit Künstlern wie Doug E. Fresh, The Source und The Fearless Four prägt Enjoy Records den Sound der frühen Hip-Hop-Ära. Nach dem letzten Release 1987 widmet sich Bobby Robinson wieder voll und ganz seinem Plattenladen – bis zu seinem Tod im Jahr 2011. Ein Vermächtnis, das bleibt...hört rein!

Titel: Horse Meat Disco Presents Disco & Boogie From Brazil Vol. 1

Artist: Various Artists

Label: Mr. Bongo

Die Geschichte hinter dieser Sammlung beginnt im Jahr 2003, als die Mitglieder von „Horse Meat Disco“ ihre wöchentliche Residency im Londoner Club Eagle begonnen haben. In diesem Jahr unternahm Mitbegründer Luke Howard seine erste Reise nach Brasilien. Ein Kindheitstraum. Diese hat bei ihm eine Leidenschaft für die brasilianische Musikszene entfacht. Mit der Compilation „Disco Boogie from Brazil“ feiert Horse Meat Disco jetzt diese Leidenschaft.

Die Compilation bietet einen facettenreichen Querschnitt durch die Stile Funk, Disco, Boogie, Samba und der Musica Popular Brasileira. Bekannte Acts wie Jorge Ben, Marcos Valle oder Robson Jorge und Lincoln Olivetti treffen auf weniger bekannte Künstler wie Zé Carlos oder Carlos Bivar. Der brasilianische Plattensammler Tee Cardaci hat dabei einen wichtigen Part übernommen, und geholfen, die Master Tapes zu beschaffen. Bei so mancher Rarität kein leichtes Unterfangen.

Im Kern fängt diese Compilation die Begeisterung und den unbändigen Entdeckergeist ein, die vor über 20 Jahren das Herz von Horse Meat Disco erobert haben. Ein vor Energie sprudelnder Mix aus sonnendurchfluteten Disco- und Boogieperlen, angereichert mit dem Geist einer Nation, in der Musik eine zentrale Rolle spielt. Der Sommer kann kommen.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Suspira
• Fofa
• Ela Tem Raca
• Fevereiro
• Sorriso Vermelho

Titel: The Revival Of Survival

Artist: Stone Foundation

Label: 100% Records

Seit nun etwa 25 Jahren stehen Stone Foundation für handgemachten britischen Soul, der tief in der Tradition verwurzelt ist, aber stets den Blick nach vorne richtet. Mit "The Revival of Survival", ihrem mittlerweile elften Studioalbum, beweist die achtköpfige Band aus den Midlands einmal mehr, warum sie zu den spannendsten Vertretern ihres Genres gehört.

Ihr Sound vereint klassischen Soul, R&B und Jazz-Elemente mit modernen Einflüssen, getragen von kraftvollen Bläsern, groovenden Rhythmen und mitreißenden Melodien. "The Revival of Survival" reiht sich nahtlos in die stolze Menge an Veröffentlichungen ein. Es ist ein Album, welches wortwörtlich, wie der Titel schon verrät, eine Wiederbelebung des Überlebens ist.

Was Stone Foundation ebenso auszeichnet, ist ihr musikalisches Selbstbewusstsein. Nie hätten sie den einfachen Weg gewählt - mit jeder Platte entwickeln sie sich weiter und schaffen neue kreative Ebenen. Bekannt für ihre zahlreichen Kollaborationen, holen sie sich auch diesmal brilliante Gäste ins Studio wie J.P. Bimeni, Omar, oder Carmy Love und Sheree Dubois.

Mit "The Revival of Survival" liefern Stone Foundation ein Album, das seinem Namen alle Ehre macht. Fans können sie in diesem Jahr auf ihrer großen Europa-Tour hautnah erleben. Dort gibts dann authentische Soul-Musik mit ganz viel Herz.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Fix You Up
• Everything & All I Want
• The Beat I Know (feat. Carmy Love & Sheree Dubois)

Titel: Pan Africa

Artist: Patchworks

Label: Cezame

Der Franzose Bruno Hovart ist ein Tausendsassa, ein Workaholic, in seinem Studio am Stadtrand von Lyon. Er produziert und musiziert fast wie am Fließband. Einzig, die Monotonie der Arbeit in einer Fabrik fehlt bei ihm. Im Dienste der Musik zeigt er sich nicht gerne im Rampenlicht, sondern bleibt treibende Kraft im Hintergrund. Bei seinem neuen Album unter seinem Pseudonym Patchworks nimmt er uns auf eine Reise durch den Kontinent des Rhythmus mit. Im wahrsten Sinne des Wortes. Einsteigen, wir lassen uns durch Pan Africa treiben.

Dass Hovart immer schon einen Einfluss afrikanischer Sounds bei seinen Projekten geltend macht wissen wir. Voilaaa ist hier ein gutes Beispiel. Wo aber dort vor allem der Westen Afrikas eine Rolle spielt, ist es auf Pan Africa der gesamte Kontinent. Groß und vielfältig. Und so hat jeder Song eine eigene Geschichte, ist ein eigenes Kapitel. Oft sagen die Titel der Songs schon einiges über das Land aus, welches musikalisch porträtiert wird . „Ethopian Groove“, „Ok Dakar“ oder „Soweto Stomp System“ etwa. Und manchmal ist auch ein sprachlicher Querverweis zu ehemaligen Kolonien zu finden, wie etwa bei „Morna Saudade“.

Ein besonderes Merkmal von Pan Africa ist die geschickte Balance zischen Tradition und Innovation. Tracks wie „Congo Rumba Sensation“ oder „Makossa Night Fever“ ziehen mit treibenden Rhythmen in den Bann, während Stücke wie „Zanzibar Sunset“ eine Atmosphäre schaffen, die einen regelrecht hineinträumen lassen, in die ostafrikanische Inselgruppe.

Mit „Pan Africa“ gelingt es Patchworks, eine Brücke zwischen den vielen afrikanischen Musiktraditionen und modernen westlichen Klängen zu schlagen. Eine Sammlung an Songs, die eine tiefe Wertschätzung für die unterschiedlichen Kulturen ausdrücken. Spannend, und bewegend. Und, aufpassen, Fernweh garantiert.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Ethiopian Groove
• Morna Saudade
• Soweto Stomp System
• Funky Highlife
• Zanzibar Sunset

Luv Shack verbindet seit 2010 House und Disco, während Dafia Records mit handgemachtem Sound und funky Vibes überzeugt. Gründer Mannix sorgt auch als Superfly Selector mit seiner Crystal Radio Show für glitzernde Discokugel-Momente.

Ob Supermax, Ganymed oder Curacao – Österreich hat Disco geprägt und tut es noch! Also, Discokugel anwerfen und lostanzen!

Titel: A Pleasure To Have In Class

Artist: Nia Wyn

Label: Nia Wyn

Eine ganze Weile hat man auf dieses Album gewartet, war sie doch eine der Entdeckungen der letzten Jahre. Die Waliserin Nia Wyn hat mit ihrem Debütalbum „A Pleasure To Have In Class“ ein musikalisches Meisterwerk abgeliefert, das sowohl emotional berührt als auch mitreißt. Die britische Singer-Songwriterin kombiniert auf beeindruckende Weise sehr persönliche Geschichten mit zeitlosem Soul, der aktueller nicht sein könnte.

Schon der Titel des Albums deutet auf die tiefgründige Reflexion und den selbstbewussten Ansatz von Nia Wyn hin. Ihre Texte sind nicht nur poetisch, sondern auch ehrlich und introspektiv. Sie scheut sich nicht davor, sich mit Themen wie Selbstfindung, sozialen Missständen und persönlicher Freiheit auseinanderzusetzen – und das auf eine Art, die nicht nur zum Nachdenken anregt, sondern auch emotional trifft.

Abwechslungsreich springt Nia Wyn zwischen zurückhaltenden Momenten und kraftvollen Ausbrüchen hin und her. Wundervolle Instrumentals, von sanften Gitarrenriffs begleitet, funky Basslines, all das begleitet Nias markante, soulige Stimme perfekt und verleihen den Songs eine besondere Tiefe. Doch es sind nicht nur die musikalischen Feinheiten, die das Album auszeichnen. Nia Wyn gelingt es, eine eindrucksvolle Atmosphäre zu erzeugen, die ihre Zuhörer in ihren Bann zieht.

Mit „A Pleasure To Have In Class“ hat Nia Wyn ein Debüt veröffentlicht, das nicht nur musikalisch, sondern auch thematisch weit über das Gewöhnliche hinausgeht. Ein Album, das Mut macht, sich selbst zu entdecken und sich den Herausforderungen des Lebens zu stellen. Wenn dies der Anfang ihrer Karriere ist, darf man gespannt sein, was noch kommen wird.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Loves Me Not
• Bring The Rain
• Your Team
• It's My Business

Als "Godfather of Disco", wie er oft genannt wurde, leistete Mel Cheren einen entscheidenden Beitrag zur Popularität dieses Genres. Doch noch bedeutender war sein Einfluss auf die schwule Szene: Er spielte eine maßgebliche Rolle dabei, dass sie zunehmend im Mainstream akzeptiert wurde. Für Cheren zählten weder sexuelle Orientierung noch Hautfarbe – sein Credo lautete: "Vor Disco sind alle gleich." Diese Haltung spiegelte sich nicht nur in der Musik von West End Records wider, sondern auch in der Atmosphäre der Clubs, die er unterstützte. Hier entstanden Räume, in denen Menschen unabhängig von ihrer Herkunft oder Identität zusammenkamen, um gemeinsam zu tanzen, zu feiern und frei zu sein.

Der erste Release auf West End Records war ein ungewöhnlicher Start: Der Soundtrack zum anrüchigen italienischen Film How Funny Can Sex Be? (1973). Der Titelsong Sessomatto von Armando Trovajoli, veröffentlicht unter dem Namen Sesso Matto, setzte auf verlängerte Instrumentalpassagen, viel Gestöhne und einen holprigen Groove – ein bewusster Tabubruch.

Während viele Labels der Disco-Ära auf den kommerziellen Zug aufsprangen, baute West End die Züge selbst. Hits wie Taana Gardner’s "Heartbeat", Karen Young’s "Hot Shot" oder Loose Joints’ "Is It All Over My Face" prägten den Sound der Szene. Ein Schlüssel zum Erfolg war die enge Zusammenarbeit mit legendären Produzenten wie Tom Moulton, dem Erfinder der Maxi-Single. Seine Extended Disco-Mixes machten die West End-Veröffentlichungen zu Club-Hymnen, die auf der Tanzfläche unaufhaltsam weiterrollten. West End Records war eng mit der legendären Paradise Garage verbunden – auch privat. Clubbetreiber Michael Brody war lange mit Mel Cheren liiert. Larry Levan, Resident-DJ der Garage, machte die West End-Tracks in der Szene groß, bevor sie von Radiostationen und selbst von Studio 54 aufgegriffen wurden. Während man ins Studio 54 ging, um gesehen zu werden, kam man in die Paradise Garage, um wirklich zu feiern.

Mit dem Niedergang der Disco-Bewegung in den frühen 1980ern verlor auch West End Records an Einfluss. Doch der Kultstatus des Labels war längst zementiert. Noch heute werden West End-Platten als Reissues oder Special Editions neu aufgelegt. 2007 verstarb Mel Cheren im Alter von 74 Jahren an den Folgen von Aids. Dass er es so lange schaffte, war fast ein Wunder. Bis zuletzt kämpfte er für die Community, organisierte Benefiz-Events und stellte in seinem Privathaus Räumlichkeiten für den Gay Men's Health Club zur Verfügung. Sein Erbe lebt in der Musik – und in der Szene, für die er so viel tat.

Das Label Yellow Productions war Ende der 90er State of the Art und bot vielen Produzenten und DJs, die in Frankreich wenig Beachtung fanden, ein musikalisches Zuhause. Disco ist Dimitris Welt – damals wie heute. Gruppen wie Chic zu remixen, ist dabei keine Selbstverständlichkeit.

In den vergangenen Jahren erlebten alte Disco-Scheiben eine Renaissance, sei es durch Neuveröffentlichungen oder Edits. Vor allem eine junge DJ-Generation hat diesen Hype entfacht – eine Entwicklung, die auch Dimitri from Paris nicht entgangen ist. Sobald ein Sound in Richtung Disco geht und der Funk auf die Tanzfläche treibt, fällt sein Name, insbesondere für Remixe. Dabei macht er keinen Unterschied zwischen kleinen Projekten und internationalen Musikstars.

Seit 30 Jahren steht er nun hinter den Turntables – und es soll so weitergehen. Zeitlos sollte es sein.

Titel: Good Taste

Artist: GARTH.

Label: Garth.

Mit „Good Taste“ beweist Garth., dass er nicht nur ein talentierter Sänger, sondern auch ein kreativer Visionär ist. Der in Brooklyn ansässige Künstler hat sich in kürzester Zeit einen Namen gemacht – mit über fünf Millionen Streams auf Spotify oder beindruckenden Live-Auftritten in Venues wie dem Apollo Theater oder dem Lincoln Center.

Seine Musik ist eine Hommage an die Wurzeln schwarzer Musiktradition, während er gleichzeitig mit modernen Sounds und unkonventionellen Arrangements experimentiert.  Er schafft die Balance zwischen Innovation und Nostalgie. Inspiriert von Größen wie Earth, Wind & Fire, Prince oder Outkast, verbindet Garth. in seinem neuen Album klassischen Soul, R&B, Hip-Hop, Reggae und elektronische Elemente.

Gemeinsam mit Produzent Cale Hawkins, welcher schon mit Quincy Jones oder Charli XCX arbeitete, hat Garth. ein Album geschaffen, das sowohl durch raffinierte Produktion als auch durch selbstbewusstes Songwriting besticht.

Garth. ist ein Geschichtenerzähler, ein Perfektionist, ein Künstler mit einer klaren Vision. "Good Taste“ zeigt, dass er nicht nur Genregrenzen verschwimmen lässt, sondern auch eine eigene musikalische Sprache entwickelt hat.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Good Taste
• Rice N Peas
• State Of Mind
• Starlight
• Last Stop

Als Produzent und DJ begeistert er seit Jahrzehnten. Am Samstag den 15. März ist er bei der Clubreihe High Steppin' in der Praterstraße zu erleben. See you!

Titel: Hope Handwritten

Artist: Hope Tala

Label: PMR Records

Die aufstrebende West-Londoner Künstlerin, Hope Tala, beweist mit ihrem Debütalbum “Hope Handwritten” eindrucksvoll, warum sie als eine der spannendsten Stimmen im R&B/Neo-Soul gilt. Seit ihrem Durchbruch 2018, unterstützt durch prominente Auftritte und wiederholte Platzierungen in Barack Obamas Sommer-Playlist, verkörpert Tala Authentizität und poetische Tiefe in einer modernen Musiklandschaft.

Auf “Hope Handwritten” entfaltet sie eine intime musikalische Sprache, die organische, live gespielte Elemente mit Einflüssen aus Bossa Nova, Latin und klassischem Neo-Soul verschmilzt.

Mit einem ominösen, verführerischen Bass und einer verspielten Melodie thematisiert Tala in "Bad Love God" das Dilemma zwischen Verlangen und Reue – und macht es zu einem musikalischen Zwiespalt. "Thank Goodness" hingegen präsentiert sich als eingängige Breakup-Hymne, die trotz melancholischer Untertöne mit befreiender Leichtigkeit strahlt. 

Erschienen auf PMR Records ist “Hope Handwritten” mehr als nur ein Debütalbum – es ist eine emotionale Reise durch die Höhen und Tiefen des Herzens, ein ehrliches Porträt einer jungen Frau, die in einer unsicheren Welt ihre eigene Wahrheit findet.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Bad Love God
• Thank Goodness
• Miracle
• Shiver

Ein Name, den wir nicht vergessen dürfen: Sylvester. Mit "You Make Me Feel (Mighty Real)" lieferte er nicht nur einen absoluten Dancefloor-Klassiker, sondern ein Aushänge-Lied für die ganze Queer-Community. Die unverkennbare Stimme, das extravagante Auftreten – Sylvester war eine Ikone durch und durch, er starb leider an den Folgen von Aids, doch seine Musik und Revolution lebten weiter. Er arbeitete auch eng mit seinem Freund, Patrick Cowley, zusammen. Cowley galt als einer der Pioniere des Hi-NRG-Sounds, welcher Disco mit futuristischen, elektronischen Beats bereicherte. Auch er verstarb an den Folgen seiner AIDS-Erkrankung. Sein Song "Menergy" wurde zur queeren Clubhymne und ebnete den Weg für spätere Dancefloor-Hits. 

Doch nicht alle feierten Disco. 1979 eskalierte die "Disco Demolition Night" in Chicago – ein Baseballspiel, bei dem tausende Disco-Platten verbrannt wurden. Auf den ersten Blick eine Ablehnung der Musik – doch dahinter steckte mehr. Die Anti-Disco-Bewegung hatte oft rassistische und homophobe Untertöne, denn Disco war die Musik Schwarzer, Latinx- und queerer Kunstschaffenden. Ihr Erfolg bedrohte die weißen Rock-dominierten Charts – und damit bestehende Machtstrukturen.

Genauso wie die Queere Community schweißte jeder Tiefschlag die Disco Szene mehr zusammen und machte sie stärker. Lauter. Disco überlebt bis heute – in House, in elektronischer Musik oder im modernen Pop. Künstlerinnen wie Lady Gaga, Beyoncé oder Dua Lipa brachten den Sound zurück in den Mainstream. Offen queere Artists wie Róisín Murphy oder Jake Shears von den Scissor Sisters zelebrieren alles an Disco und zeigen, wie laut, bunt und vielfältig der queere Einfluss im Genre weiterlebt. Ein ebenso legendärer Track, der das glamouröse und selbstbewusste Disco-Feeling zurückbrachte, stammt von Todrick Hall mit "Nails, Hair, Hips, Heels".

Disco war mehr als nur ein Musikgenre – es war eine Bewegung der Befreiung, Selbstentfaltung und Akzeptanz. Die LGBTQIA+-Community prägte den Sound, die Ästhetik und die Clubkultur entscheidend. Viele der großen Disco-Hits wurden in queeren Clubs geboren und gefeiert. Und so lebt Disco weiter – auf der Tanzfläche, in den Herzen der Community und in der Musik, die wir heute hören. In diesem Sinne: Keep dancing, keep shining, keep Disco! Mehr hört ihr, wenn ihr reinhört!

Roy Ayers war ein Brückenbauer zwischen Genres und Generationen. In den 1980er Jahren zeigte er mit einer Zusammenarbeit mit dem nigerianischen Afrobeat-Pionier Fela Kuti seine globale Offenheit. Gleichzeitig bedienten sich zahlreiche Hip-Hop-Produzenten an seinem Repertoire.

Roy Ayers war mehr als ein Musiker – er war eine Lebenseinstellung. Sein unermüdlicher Groove, seine Neugier und seine Fähigkeit, Musik neu zu denken, machen ihn unsterblich. Am 4.März ist er nach langer Krankheit im Alter von 84 Jahren gestorben. Wir von Radio Superfly verneigen uns vor einer Legende. Rest in Groove, Roy.

Mitte der 1970er Jahre sollte eine weitere, wegweisende Erfindung folgen: Tom Moulton, ein Musikproduzent aus Albany, störte sich daran, dass die damals durchschnittlich drei Minuten langen Songs bereits nach kurzer Zeit wieder gemixt wurden. Seine Lösung: Er verlängerte Tracks, indem er Beats und Instrumentalpassagen loopte.

Diese neuen, teils bis zu zehn Minuten langen Versionen ermöglichten es, den Charakter eines Songs voll zur Geltung zu bringen. Eines Tages fragte er im Studio einen Kollegen, ob sie einen zehnminütigen Song auf das Rohling-Format einer Langspielplatte pressen könnten. Ein einzelner Track auf einer ganzen Seite? Zunächst galt das als Verschwendung – doch die überragende Soundqualität setzte sich schnell durch. So erfand Tom Moulton die Maxi-Single. In der Disco-Ära war das Label "A Tom Moulton Mix" ein echtes Qualitätssiegel. Obwohl Moulton selbst nie als DJ auflegte, ist er eine Schlüsselfigur für die Szene. Maxi-Singles wurden zum unverzichtbaren Format in den Clubs. Heute ist das selten geworden: DJs bringen Festplatten oder USB-Sticks voller Musik mit in den Club – nur wenige schleppen noch Vinyl. Doch genau wie das Radio entwickelt sich auch die Kunst des DJings immer weiter. Mehr hört ihr, wenn ihr reinhört!

Etabliert wurde sie vor allem in den Tanzpalästen Berlins der 1920er Jahre. In Filmen wie Der blaue Engel (1929) oder Berlin – Die Sinfonie der Großstadt (1927) entdeckt man sie ebenfalls. Die funkelnden Bälle – doch ihre Blütezeit war die glanzvolle Disco-Ära der 70er und frühen 80er Jahre. Keine Disco kam ohne ihre Spiegelkugel aus. Sie wird sich weiter drehen – und findet mittlerweile nicht nur in Tanzlokalen Verwendung. Sie hängt als Miniatur-Kopie an Weihnachtsbäumen, und sogar Pizzaöfen wurden hier und da zur Disco-Kugel. Mehr hört ihr, wenn ihr reinhört!

Am 01. März ist Angie Stone bei einem tragischen Autounfall ums Leben gekommen. Sie war 63 Jahre alt. Mit ihrem Tod verliert die Musikwelt eine Künstlerin, die es verstand, Vergangenheit und Gegenwart der Black Music miteinander zu verweben – eine Brücke zwischen Soul und Hip-Hop, zwischen Tradition und Innovation. Wish we didn’t miss you…

Titel: Stardust

Artist: Spitting Ibex

Label: Spitting Records

Das bereits vierte Studioalbum der österreichischen Band Spitting Ibex verbindet den Mikrokosmos des Menschen mit dem Makrokosmos des Universums. Was sich zunächst kompliziert anhört, entpuppt sich erneut als genreübergreifendes Meisterwerk. Die Spitting Ibex Formel geht auf „Stardust“ voll und ganz auf.

Die Band ist dafür bekannt, dass sie ausprobieren, offen für Neues sind und mutig bleiben. Wer sich in Schubladen stecken lässt, der hat oft das Problem, dass man etwas von ihnen erwartet. Bei Spitting Ibex erwartet man das Unerwartete. Wo andere auf den fahrenden Zug aufspringen, steuert die Gruppe ihren ganz eigenen Zug, und der streift an Funk und Disco ebenso, wie am Indie- und Streckenweise sogar an Krautrock. Auch zeigt sich Spitting Ibex hier stellenweise gelassener als bei den Vorgängern. Musikalische Reife? Vielleicht.

Insgesamt 10 Songs zeigen die ganze Bandbreite und Vielseitigkeit der Band. Immer wieder bewegen sich Songs in neue Richtungen wo improvisiert  wird. Einige Freunde des Hauses geben dem Album als Gäste  noch eine weitere Energie. Jason the Scientist, Elena Shirin oder Harry Dean Lewis, jeder für sich in einem eigenen Klangkosmos, bei Spitting Ibex führt es zu einem großen Ganzen. 

Insgesamt ist „Stardust“ ein beeindruckendes Album, welches das musikalische Talent der Band in den Vordergrund stellt.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Vertigo
• I’m a Freak
• Stardust for…
• Calling Me Back
• Nobody’s Baby  

Die Nummer "Funky Sensation" überzeugt vor allem durch diesen unglaublichen Break der in Folge hundertmal von Gut und Böse gesampelt wurde. So wie bereits die noch um eine Spur subtilere Nummer "All this love that i'm givin". Doch wie bereits oben angemerkt begeistert mich am nachhaltigsten die vom damaligen musikalischen Aspekt betrachtet vielleicht unkonventionellste Nummer, "Keep the fire burning". Zwischen den Zeilen gehört, ist sie einfach nur umwerfend. Uptempo Soulmusic, ohne Pauken und Trompeten. Der treibende Beat, der von den Streichern gestreichelt und vom slappenden Bass getragen wird, ist unvergleichlich.

Am vergangenen Freitag ist Gwen McCrae im Alter von 81 Jahren gestorben. The fire has gone out.

Titel: Dancing At The Edge Of The World

Artist: Brooke Combe

Label: Modern Sky Records

Brooke Combe - Die schottische Singer- Songwriterin hat sich mit ihrer unverkennbaren Soul-Stimme und einem Gespür für emotionale Tiefe schnell einen Namen gemacht. Nach ihrer gefeierten EP "Black Is The New Gold" präsentiert sie nun ihr langersehntes Debütalbum: "Dancing at the Edge of the World", das auf Modern Sky Records erschienen ist. Zusammen mit Produzent James Skelly, taucht Combe tief in ihre musikalischen Wurzeln ein und liefert eine Platte, die sich irgendwo zwischen Motown-Soul, modernem R&B und orchestralem Pop bewegt.

Schon der Opener “This Town” gibt die Richtung vor – ein treibender Groove, catchy Melodien und Combes samtige Stimme, die sich sofort ins Ohr schmeichelt.

Auch sonst zeigt das Album, dass Combe nicht nur eine brillante Sängerin, sondern auch eine kraftvolle Erzählerin ist. “Leave Me The Fuck Alone” kommt mit einer Attitüde à la Amy Winehouse daher – ehrlich, roh und mitreißend. Der Titelsong “Dancing at the Edge of the World” klingt mit seinen opulenten Streichern fast wie ein Bond-Soundtrack. Dramatisch und strotzend vor Eleganz.

„Dancing at the Edge of the World“ - Ein Album, das tief berührt und gleichzeitig verdammt gut klingt!

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Dancing At The Edge Of the World
• Guilt
• Shaken By The Wind
• This Town
• The Last Time  

Sie wuchs in Milton Keynes auf, das sie scherzhaft als „einen sehr beigen Ort“ beschreibt, aber ihr Zuhause war darin eine „kreative Blase“. Ihr ghanaischer Vater, ein Amateur-Saxophonist, erfüllte das Haus mit Jazz- und Highlife-Musik, während ihre englische Mutter als Künstlerin und Schnittmusterzeichnerin arbeitete. Diese kreative Umgebung und die Vielfalt an Klängen, öffneten Nectars Ohren für eine Welt voller musikalischer Möglichkeiten. Hört rein!

Titel: I’ve Tried Everything But Therapy (Part 2)

Artist: Teddy Swims

Label: SWIMS / Warner Records

Teddy Swims ist längst mehr als nur ein virales Phänomen. Der bärtige Power-Sänger aus Atlanta, der einst mit Cover-Songs auf YouTube begann, hat sich mit seiner einzigartigen Mischung aus Soul, R&B und Pop fest in der Musikwelt etabliert. Nach dem gigantischen Erfolg seines Debütalbums und dem weltweiten Hit "Lose Control" liefert er jetzt mit seinem neuen Album, “I’ve Tried Everything But Therapy (Part 2)”, den nächsten emotionalen Rundumschlag.

Besonders spürbar wird das in "Are You Even Real" – eine verträumt melancholischen R&B-Nummer, in der Giveons tiefer Bariton perfekt mit Swims’ gefühlvollen Höhen harmoniert.

In "Funeral" legt Swims eine seiner bisher intensivsten Performances hin. Ein düsterer, gospelgetränkter Song über Abschied und Verlust, der sich mit mächtigen Chören und donnernden Drums in epische Höhen schraubt. "It Ain’t Easy" zeigt dagegen seine bluesige Seite – ein Slow-Jam, der sich perfekt für nächtliche Gedanken über verflossene Liebe eignet.“I’ve Tried Everything But Therapy (Part 2)” - hiermit hat Teddy Swims seinen Status als eine der spannendsten Stimmen im aktuellen Musikgeschehen ein für alle Mal zementiert.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Bad Dreams
• Are You Even Real (feat. Giveon)
• Funeral
• It Ain’t Easy
• She Got It (feat. Coco Jones & GloRilla)

Es ist quasi ein Instrument, das mit der Stimme gespielt wird – kein Text, bloß reine Emotion! Man könnte sagen, es ist die Sprache des Jazz, die ohne Worte auskommt. Und beim Jazz hört es dabei noch gar nicht auf später nutzen die Technik immer mehr Musikschaffende. Wer erinnert sich schließlich nicht an “Don’t Worry Be Happy” von Bobby McFerrin? Ein Welthit, der Scat und Vocal Percussion eine neue Blütezeit verschafft hat! Und was kam danach? Scat lebte weiter und hat es vom Jazz hinein in andere Genres geschafft. Ob als Gerüst für Flows im Hip-hop, gesampelt in neuen electronic-Mixes oder poppige Adaptionen. Verschiedenste Künstlerinnen und Künstler wie Ella Mai, Erykah Badu, Anderson .Paak oder auch Kendrick Lamar bedienen sich an Scat-Elementen aus dem Jazz und nehmen Scatting so in eine moderne Ära mit.

Scatting ist mehr als nur musikalische Spielerei – es ist ein Ausdruck purer Kreativität! Und egal, ob auf den Straßen von New Orleans oder in den Clubs von heute – Scat ist und bleibt lebendig!  In diesem Sinne: Scat yourselves away! Mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört!

Mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört!

Titel: Death Row Revue

Artist: Various Artists

Label: Death Row Records

2022 hat der Rapper Snoop Dogg das Label gekauft, welches ihn am Beginn seiner Karriere groß gemacht hat. Es war für ihn an der Zeit, wie er in Interviews gerne erzählt. Death Row Records ist ein Eckpfeiler der West Coast Hip-Hop Szene und Snoop Dogg, der führt es in eine neue Ära. Das Jahr 2025 wird mit einer neuen Compilation eingeläutet, die sowohl die geschichtsträchtige Vergangenheit würdigt, als auch eine neue Richtung signalisiert.

Das von Snoop Dogg kuratierte Album verbindet nahtlos R&B-, Hip Hop-, Soul- und sogar Mariachi Einflüsse und zeigt das Engagement des Labels für genreübergreifende Sounds. So beginnt das Album schwungvoll, ja geradezu discoid mit „I’m Ready“ von Jenn Em, man hört 90s Vibes von Point 5ve und beseelte Gefühlsausbrüche von Charlie Bereal und seinem „Wife Soul“. 

Bei manchen Stücken könnte man glatt nostalgisch werden, sehnt man sich doch in die Golden Era der 90s zurück. Und trotzdem schafft „Death Row Revue“ immer wieder im Hier und Jetzt zu sein. Keine Wehmut, schnurstracks nach vorne. Nostalgisch und dennoch frisch. Das ist gelungen. Tha Engineers, Danny Boy, King George oder Lisa Carmichael schaffen das hervorragend. Und dann ist da natürlich auch noch Mastermind Snoop, der mit Erzählungen die Tracks zusammenhält.

Auch wenn „Death Row Revue“ keine neuen Wege beschreitet, zeigt sie dich die anhaltende Vitalität des Death Row Sounds. Das Erbe ist gut aufgehoben.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• I’m Ready
• Just Keep Movin
• Wife Soul
• I Can’t Waste My Time
• Sooner or later
• Unbelievable

Nach zahlreichen Auszeichnungen in den letzten Jahren wird Doechii immer wieder für ihre genreübergreifenden Sounds und mutigen Texte geschätzt. Sie beweist, dass sie nicht nur musikalisch vielseitig und wahnsinnig kreativ ist, sondern auch als Persönlichkeit wegweisend ist. Doechii – eine Künstlerin, die die Zukunft des Hip-Hops neu definiert und sich selbst dabei stets respektiert und priorisiert. Hört rein, um mehr zu hören!

Titel: The Cinnamon Show

Artist: Cinnamon Gum

Label: Seagul Ross

Das an der Ostsee gelegene Danzig ist eine der schönsten Städte Polens. Der Musiker und Produzent Maciej Milewski hat sich dort sein eigenes musikalisches Universum geschaffen. Mit seinem Look Ahead Tonstudio, seinem Label Seagull Ross, und seinem Projekt Cinnamon Gum. Ende letzten Jahres erschien das Debütalbum „The Cinnamon Show“. Eine Reise zurück in die 70er Jahre.

Cinnamon Gum ist zwar eine Band, doch Milewski ist der Mastermind, die treibende Kraft. Und diese Kraft führt uns in einer Zeit, als Soulmusic sich endgültig in den Mainstream aufmachte. Nicht von ungefähr nennt der Musiker Leute wie Curtis Mayfield oder Marvin Gaye als Vorbilder. Zeitlose Eleganz, subtile Melodien und sinnliche Phrasen katapultieren uns in längst vergangene Tage. Sounds die man von Labels wie Colemine oder Daptone kennt. Seagull Ross gehört jetzt dazu.

Cinamon Gum lässt uns an sehr persönlichen Geschichten teilhaben. Es geht um Liebe, Verlust und Hoffnung. Die Texte zeigen einen großen Autor, die Musik einen Perfektionisten, der lieber noch ein paar Monate an einem Song feilt, bis er seinen Ansprüchen gerecht wird. Was hier vorliegt, ist der Wille zum Authentischen.

Polens Soulszene ist wenig bekannt, mit Maciej Milewski hat sie aber einen wichtigen Namen zu bieten.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• That’s All
• It’s Alright
• Hand Me No Lies
• Aminata

Die aktuelle Reichweitenerhebung bestätigt, wir sind ganz Österreich. Dieses Wort, Reichweitenerhebung, klingt nicht wahnsinnig sexy, aber ist unglaublich wichtig für uns. Mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört!

Titel: Violet

Artist: Otis Kane

Label: Nettwerk Music Group

Mit seinem zweiten Studioalbum "Violet" liefert Otis Kane eine beeindruckende Sammlung an Soul-Tracks, die Liebe und Emotionen in den Mittelpunkt stellen. Der Sänger bringt in "Violet" nicht nur seine stimmliche Virtuosität, sondern auch eine spürbare Tiefe zum Ausdruck.

Das Album, ein Nachfolger seines Debüts "Purple BLUE", markiert für Kane eine künstlerische Weiterentwicklung. Songs wie Tomorrow, und Breathe, sind quasi eine intensive Liebeserklärung und zeigen seine Fähigkeit, alltägliche Emotionen in soulige, zeitlose Klänge zu verwandeln. Auch mit Scorpio zieht Kane alle Register des modernen Soul, in jazziger Atmosphäre… ein Song, der mit seinem heiteren Beat einen bereit für jeden Tag macht.

Otis Kane beschreibt "Violet" als Reise durch seine musikalischen Einflüsse und kreativsten Momente. Unterstützt von engen Wegbegleitern wie D Mills und Peter Simon schuf er ein Album, das gleichzeitig modern und nostalgisch klingt, mit deutlichen Anklängen an die Ästhetik der 70er-Jahre Soul-Ära, die auch das Coverdesign inspiriert hat.

Mit "Violet" gelingt es Otis Kane, sich als Vertreter des modernen Soul zu etablieren. Das Album ist ein emotionales Erlebnis, getragen von Kanes warmer Stimme und handwerklichem Feingefühl – ein Werk, das sowohl zum Genießen als auch zum Nachdenken einlädt.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Morning Sun
• Dance With You
• Scorpio
• Tomorrow

Titel: Fintou

Artist: Vaudou Game

Label: Hot Casa

Seit einigen Jahren fegt eine Welle westafrikanischer Musik durch die Plattenregale. Sounds aus Nigeria, Mali oder dem Senegal gehen um die Welt. Musik aus Togo war dabei immer unterrepräsentiert. Das Pariser Label Hot Casa Records hat das in den letzten Jahren geändert. Nun erscheint das bereits 5te Album des Musikers Peter Solo und seiner Band Vaudou Game. Afrofunk für eine schönere Welt.

Mit „Fintou“, so der Albumtitel, bewegt sich das Sextett um den charismatischen Leadsänger aus ihrer musikalischen Keimzelle in der Stadt Lome, dem legendären Otodi-Studio. Und zwar im wahrsten Sinne. Elf Songs, die ihre Wurzeln zwar in Togo, bei einer Reise über den Atlantik nach Kolumbien aber neue Eindrücke und Einflüsse gesammelt haben. Zurück im Studio setzte man sich an die voll analogen Maschinen und legte los. Und wie schon bei den Vorgängern gewohnt, definieren Vaudou Game den Sound einer neuen Generation des Afrofunk. So als ob James Brown und Fela Kuti irgendwo jammen würden.

Mit jedem Album hat man das Gefühl, dass Peter Solo sich weiterentwickeln muss, dabei könnte man auch ganz gut mit dem gewohnten leben. Auf „Fintou“ hören wir auch andere togolesische Musikerinnen und Musiker. Da wäre etwa die Vocal-Band Nana Benz du Togo, und das Trio Lome Vio, dass mit Gitarre, Gesang und Akkordeon begeistert. Oder im Falle von Vaudou Game, verzaubert. Musik fürs Herz und für die Beine.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Retard
• Koliko
• Donne un peu
• Tu sauras
• Ça Ira

Da muss es doch eine logische Erklärung dafür geben. Klar – und zwar ist deswegen genau heute der offizielle World Logic Day, weil zwei der bedeutendsten Denker innerhalb der Mathematik geehrt werden. Einer davon ist sogar Österreicher, und zwar Kurt Gödel. Er ist primär für seine Unvollständigkeitssätze bekannt, und dafür, wie er die Grenzen der Logik erforscht hat. Der zweite Mathematiker und Logiker, zu dessen Ehren der heutige Tag gewählt wurde, ist Alfred Tarski. Von ihm stammen wesentliche Gedanken zur modernen Logik und Mathematik.

Um diese zwei beeindruckenden Persönlichkeiten, und ihren Beitrag zum heutigen Verständnis der Logik zu ehren, wurde also der heutige Tag gewählt, um den internationalen Tag der Logik zu feiern. Die Ausrufung zum Welttag ist übrigens ganz offiziell durch die UNESCO beschlossen worden, gemeinsam mit dem Internationalen Rat für Philosophie und Humanwissenschaften. Das öffentliche Verständnis von Logik und ihrer Bedeutung soll so verstärkt werden. Ein großes Ziel ist außerdem, durch den Welttag der Logik die internationale Zusammenarbeit in der Forschung und Lehre zu fördern. Universitäten und andere Institutionen sollen weltweit miteinander dazu beitragen, Bildung und Wissenschaft in dem Thema weiterzuentwickeln.

Man muss aber nicht Mathematik – Genie, Wissenschaftlerin oder Professor sein, um den Welttag der Logik zu feiern. Schnapp dir einen Rubic’s Cube, ein Kreuzworträtsel, ein Sudoku- wie auch immer, du heute die Logik ehren willst.  Wie schön, dass wir die Fähigkeit haben, logisch denken zu können. Mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört!

Titel: Onda

Artist: Joao Selva

Label: Underdog

Die Entstehungsgeschichte von Onda beginnt in der Karnevalssaison im Jahr 2024. Selva ist nach Brasilien gefahren, um Einflüsse neu zu entdecken. Er hat sich mit seinen Idolen der Cultura Popular Brasileira getroffen und neue Eindrücke gewonnen. Eindrücke, die er, zurück in Frankreich, sofort umsetzen wollte. Wieder ist es Produzent und Musiker Bruno Hovart, der im Studio die Regler bediente. Wie schon bei den Vorgängern schafft der Franzose Joao Selva’s Stimme, die Kompositionen und vor allem den Vibe perfekt umzusetzen.

„Onda“ knüpft an die letzten beiden Alben an und die Reise von Joao Selva ist noch lange nicht vorbei. Neue Einflüsse, die deutlich zu hören sind, kommen etwa aus Angola oder den Kapverden. Darüber hinaus brilliert der Musiker hier in allen Geschwindigkeiten. Mal ruhiger bei Stücken „Navegante“ oder „Mare vai subir“, dann zum Tanzen auffordernd wie beim titelgebenden Song oder dem Duett „Vien Danser“ gemeinsam mit Sängerin Clea Vincent.

Zehn großartige Songs die jede Stimmungslage des nächsten Sommerurlaubes abdecken. Joao Selva „Onda“ ist auf dem renommierten Label Underdog erschienen.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Banho de Mar
• Fantastica Bahia
• Viens danser
• Quero Voce
• Mari vai subir

Titel: SOS Deluxe:Lana

Artist: SZA

Label: Top Dawg Entertainment

Lange haben Fans darauf gewartet, nun ist sie da. SZA hat die bereits vor längerem angekündigte Deluxe-Version ihres 2022 erschienenen Albums „SOS“ zum Jahresende 2024 veröffentlicht. Obwohl „Lana“ offiziell als Deluxe-Version von „SOS“ gelabelt ist, funktioniert es als eigenständiges Werk.

„SOS“ hatte 2022 gleich drei Grammys abgeräumt und hat unter anderem eine Auszeichnung für das beste Progressive R&B-Album bekommen. Mit der Fortsetzung kann der Erfolg sogar noch größer werden. Es geht um Themen wie Einsamkeit, Herzschmerz oder Impostersyndrom. Und die werden ruhiger und reflektierter behandelt, als es beim ersten Kapitel der Fall war. SZA singt darüber, dass nicht alle ihre Entscheidungen im Leben das Richtige waren.

Bei den neuen Titeln entdeckt man auch ein Feature mit Kendrick Lamar. Sozusagen als Antwort auf ihren Gastbeitrag bei seinem Track „GNX“. Die beiden verstehen und ergänzen sich. SZA ist definitiv eine der neuen Kräfte der Musikszene. Eine starke Persönlichkeit, die ihre Schwächen als Herausforderung sieht. In 5 Jahren hat sie 100 Songs für SOS geschrieben. Kaum verwunderlich also, dass sie mit Lana nachlegt und musikalisch aus dem Vollen schöpft.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• BMF
• SATURN

Ryon brachte sich das Klavierspielen selbst bei und begann ihre musikalische Reise, indem sie Live-Auftritte und Musikvideos ihrer Vorbilder analysierte. Ihr erster Song wurde auf einem Nokia-Handy aufgenommen. Heute werden ihre Tracks millionenfach gestreamt und sind Ausdruck ihrer persönlichen und musikalischen Entwicklung. Kennedy nutzt Musik als Werkzeug zur Selbstbefreiung und Heilung. Ihre Texte, die von Erfahrungen und Reflexionen geprägt sind, sollen Menschen empowern und sie dazu einladen, ihre eigene Stimme zu finden.

Mit einem Song in einer Amazon Prime-Serie hat Ryon internationale Anerkennung gefunden. Ihr Ziel ist es, mit Unterstützung von Labels und Ressourcen ihre Kunst noch größer zu machen.

Ryon träumt davon, mit Künstlerinnen wie Beyoncé und Taylor Swift gleichzuziehen. Doch für sie geht es nicht nur um Ruhm – sie bleibt ihrer Person treu und will anderen zeigen, dass Stärke und Verletzlichkeit Hand in Hand gehen können. Hört rein, um mehr zu hören!

Wir starten smooth. Lasst euch von niemand Geringerem als Gerald Travnicek in den letzten Tag des Jahres begleiten. Mit seinem unverwechselbaren Stil und einer Extraportion Schmäh sorgt er dafür, dass euer Silvestermorgen so entspannt wie einzigartig wird. Wir starten pünktlich um 07:00 Uhr – also Kaffee bereitstellen und Radio Superfly einschalten. Der perfekte Auftakt für einen unvergesslichen Tag.

TOP 100 | MOST LIKED SONGS DES JAHRES

Wir blicken zurück auf eure Favoriten und lassen die Most Liked Songs des Jahres für euch leuchten. Ihr habt gevotet, wir haben gerechnet – und das Ergebnis?

Ein einmaliger Mix aus unvergesslichen Klassikern, wiederentdeckten Perlen und den heißesten aktuellen Tracks aus der Welt der black and soulful music. Zwei Wochen lang könnt ihr diese musikalische Reise auch in unserer nachhören. Mit unseren Moderator:innen: Gerald, Mimi, Johannes und Sammy!

BEST OF YACHTHAFEN DES JAHRES

Der Anker ist gesetzt, die Segel sind gespannt: Eberhard Forcher, unser Ankerman hinter dem Superfly Yachthafen, nimmt euch mit auf eine Reise durch den Groove-Himmel. Hier weht eine sanfte Brise aus kalifornischen Westcoast-Sounds, Blue-Eyed Soul, Smooth Jazz, Brazil, R&B und Yachtrock. Mit unnachahmlichem Feingefühl rehabilitiert Eberhard die lange unterschätzten Softrocker und Smoothjazzer, öffnet die musikalischen Horizonte bis hin zum J-Pop und präsentiert exklusive „All Around The World“-Geheimtipps, die den Spirit des California Groove atmen.

Die perfekte Soundkulisse – direkt nach Most Liked ab 18:00 Uhr. Ob im Büro, auf der Couch oder unterwegs: Hier bleibt der Stress garantiert außen vor.

GUEST MIX SESSION'S

Direkt aus Barcelona: Mona Lee von der Drop Dance Society. Inspiriert von den ikonischen Nächten der 80er Jahre in Chicago und New York – legendäre Orte wie The Loft, Paradise Garage und The Warehouse haben den Geist geprägt, den sie nun in die heutige Zeit bringt. Expect: Disco, House und immer mit einer Prise Originalität.

Ab 21:00 Uhr geht's lückenlos weiter. On decks: die Disco-Legende Cerrone (Malligator Music). Mit Hits wie "Supernature" und "Love in C Minor" hat er die Tanzflächen weltweit revolutioniert und die Disco-Ära für immer geprägt. Seine einzigartige Mischung aus treibenden Rhythmen, orchestralen Arrangements und unwiderstehlichem Funk hat ihn zur Ikone gemacht. Hier trifft Glamour auf Groove!

RARE & WELL DONE SILVESTERPARTY

Vergessene Klassiker? Check. Wiederentdeckte Perlen? Check. Obskure Breaks? Aber sowas von! Herr Preddy, das wandelnde Musiklexikon mit mehr Anekdoten im Gepäck als eine ganze Enzyklopädie, und Monsieur Smoab, der verträumte Perfektionist mit dem Gespür für die subtilsten Vibes, nehmen euch mit auf eine Reise durch die Jahrzehnte und das Jahr 2024. Hier wird nichts dem Zufall überlassen – außer der Tatsache, dass es keine Regeln gibt! Ab 22:00 Uhr und bis zum Jahreswechsel - die Rare & Well Done Silvesterparty.

TOP 20 DISCO TRACKS des Jahres - The Crystal Radio Show

Langsam, aber stetig, steigert er das Tempo – bis die Tanzfläche förmlich glitzert! Von funky Disco-Vibes bis hin zu soulful House-Beats: Mannix serviert euch die Creme de la Creme des Jahres 2024. Mit einem Sound, der genauso facettenreich ist wie seine Crystal Radioshow.

31. Dezember 2024, ab 07:00 Uhr

Titel: Missionary

Artist: Snoop Dogg x Dr. Dre 

Label: Death Row Records

Da sind sie wieder - Snoop Dogg und Dr. Dre kehren mit “Missionary” zu ihren Wurzeln zurück und präsentieren ein Album, das sowohl nostalgisch als auch innovativ klingt. Diese Kollaboration markiert Dr. Dres erste Albumveröffentlichung seit Jahren und schließt an die legendären gemeinsamen Projekte wie “The Chronic” und “Doggystyle” an. Mit “Missionary” kombinieren sie den klassischen West-Coast-Hip-Hop-Sound mit modernen Elementen, wobei Dr. Dre betont, dass er durch seine weiterentwickelte musikalische Herangehensweise einige der besten Produktionen seiner Karriere geschaffen hat.

Das Album ist vollgepackt mit Star-Collaborations, darunter Eminem, 50 Cent, Jhené Aiko und Sting. Tracks wie “Gunz N Smoke” und “Gorgeous” zeigen die Bandbreite von souligen Melodien bis hin zu harten Rap-Verses. Diese musikalische Vielfalt macht das Album sowohl für langjährige Fans als auch für jüngere Generationen relevant.

“Missionary” steht nicht nur für musikalische Exzellenz, sondern auch für eine Hommage an die Hip-Hop-Kultur und ihre Entwicklung. Mit einem Mix aus Retro-Vibes und frischen Sounds demonstrieren Snoop Dogg und Dr. Dre, dass sie weiterhin wegweisend in der Branche sind und ihren Legendenstatus neu definieren.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Another Part Of Me (feat. Sting)
• Gorgeous (feat. Jhené Aiko)
• Sticcy Situation (feat. K.A.A.N., Cocoa Sarai)
• Fire (feat. Cocoa Sarai)

Doch es geht nicht nur um schnelle Erfolge. Social Media ermöglicht es den Kunstschaffenden, eine direkte Beziehung zu ihren Fans aufzubauen, ohne Zwischeninstanzen. Auch Künstlerinnen wie Celeste oder Künstler Paul Russell nutzen Instagram nicht nur, um ihre Musik zu promoten, sondern auch, um ihre Persönlichkeit, ihre Geschichten und Botschaften zu teilen. Das schafft Nähe – und zeigt, dass Musik heute nicht nur gehört, sondern auch erlebt wird. Social Media hat die Bühne geöffnet, besonders für Frauen und junge, aufstrebende Künstlerinnen, die früher öfter übersehen wurden. Nehmen wir zum Beispiel Arlo Parks. Ihre poetischen, souligen Songs haben sich besonders durch Social Media in die Herzen vieler Fans gebracht. 

Doch wie so oft, ist nicht alles ist positiv. Die schiere Menge an Inhalten kann es den Musikerinnen und Musikern oft schwer machen, sich langfristig zu behaupten. Aufmerksamkeit ist ein kostbares Gut, und viele fühlen sich unter Druck, ständig präsent zu sein. Was bringt die Zukunft also? Es sieht so aus, als würde die Verbindung zwischen Social Media und Musik noch enger werden. Livestream-Konzerte, NFTs oder exklusive Musik-Releases auf Plattformen wie TikTok oder Instagram könnten die Norm werden. Für uns bleibt letztlich folgende Erkenntnis: Gute Musik findet ihren Weg – egal, ob über Schallplatten, CDs, Streaming oder die nächste Instagram-Story.

Titel: Land Of Music

Artist: Reuben Vaun Smith

Label: Ubiquity

Ein Album an Bord eines Fischkutters aufnehmen, der in einem Yachthafen in Gibraltar liegt, und den engen Raum in einen kreativen Zufluchtsort verwandeln. Das neue Album des Musikvisionärs Reuben Vaun Smith aus dem englischen Leeds, „Land of Music“, transportiert diese Atmosphäre. Eintauchen in eine tropische Klanglandschaft aus relaxten Beats, verspielten Synthesizern und Gesangsgrübeleien.

Mit begrenztem Platz und begrenzten Ressourcen baute Smith ein kleines Aufnahmegerät inmitten einer Reihe von Pflanzen auf und nahm hauptsächlich nachts auf, um die ruhige Atmosphäre einzufangen, die Land of Music ausmacht. Wenn man die Augen beim Hören schließt, dann fühlt man sich fast an Bord neben dem Produzenten sitzend. Hinter einem Gitarrenvirtuose Chico Mann mit seinen charakteristischen funkigen Gitarrenlicks und vor einer Sängerin Lucy Saddler, die „Lost in Space“ und dem Titeltrack „Land of Music“ ihre Stimme verleiht.

Reuben Vaun Smiths „Land Of Music“ ist eine fantastische Art, aus dem Alltag zu flüchten und in tagträumrische Stimmungen abzutauchen. Das Label Ubiquity hatte schon immer ein offenes Ohr für Experimentierfreude. Mit diesem Album führt man also eine Reise fort, die Reuben bereits bei seinem letzten Album dort aufgenommen hat. Die unbeschwerte Energie dieser einzigartigen Umgebung lässt die Zuhörer in Smiths klangliche Vision eines idyllischen Insellebens eintauchen. Und plötzlich denkt man an Late Summer Vibes. Und das kurz vor Weihnachten. Aber auch auf Gibraltar wird gefeiert.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• Land Of Music
• Colours In Sky
• Lost In Space
• Talking To The People

Mehr hört ihr nur, wenn ihr reinhört!

Titel: October Nights

Artist: October London

Label: Death Row Records

In einer Zeit, wo heftig über den Zustand des traditionellen R&B und des Soul diskutiert wird, schaffte October London letztes Jahr mit seiner Hommage an Marvin Gaye seinen Durchbruch. Nur anderthalb Jahre später ist er mit seinem zweiten Album zurück. Und wie. October London mit "October Nights".

October London, der eigentlich Jared Samuel Erskine heißt, kommt aus Indiana. Die Mutter war Sängerin, der Vater Gitarrist. Und weil auch Onkeln und Tanten allesamt Musik machten, war der Lebensweg vorgegeben. Bereits jetzt kann man sagen, dass October London zu einem der wichtigsten Personen des R&B zählt. Die Ästhetik des von Marvin Gaye inspirierten Debütalbums wurde beim neuen noch durch Einflüsse eines Frankie Beverly oder Teddy Pendergrass, vor allem aber durch das Label und seinem Betreiber beeinflusst. Death Row Records bringt hier auch noch eine Seite des Hip-Hop zur Geltung.

Alleine bleibt October London auf diesem Album nicht immer. Als Gäste hört man Ledisi, Tyrese, Boney James und natürlich auch Death Row Boss Snoop Dogg, der mit diesem Album eine neue Ära des Labels einläutet. Der Hip-Hop wird sanft, R&B und Soul werden laut. Den Namen des Albums hat sich übrigens Snoop Dogg einfallen lassen. Oder besser gesagt dem Zufall überlassen. Sie saßen im Studio als sie entschieden haben, das Album zu machen. Es war in einer October Night.

Stil und Klasse. Ein Album, für kalte Winterabende.

Anspieltipps der Musikredaktion:

• She Keeps Calling
• Touch On Me
• 3rd Shift
• Kill Shot